Untitled - CERDOMUS

Cerindustries SpA
numero 33
febbraio 2014
M
en t re l a p eniso l a i tali ca, co nsi d era ta n el
Taken as a whole, Italy is a country that finds
su o i nsi em e, fa t i ca a ra g g iu n g ere l a pi en a
it difficult to fully comprehend the extent of
co nsa p evo l ez za d i t u t t i i teso r i s t i p a t i t ra l e
the treasures contained within its confines.
A l pi e i su oi t re m a r i, u n a mi cro - re g i o n e ch e
And yet there’s one small region of Italy –
l a co m p o n e: l a Ro m a g n a p a re d e ter mi n a ta a
Romagna – that seems determined not to mislay
n o n sm a r r i re l e p ro p r i e ere d i tà. Siano queste
its inheritance. Whether it’s represented by
rappresentata
atavica,
an ancient tradition, an archaeological find,
un reper to archeologico, un dono della terra,
a gift of the earth, a landscape, or the still-
u n p a esa g g i o o d all’ill u mi n a n te esem pi o
glowing example of certain people who came
lasciato da chi ci ha preceduto. Se dav vero ciò
before us. If Romagna succeeds, the credit
av viene, il merito principale va ai suoi abitanti,
will go to its inhabitants. For it’s due precisely
i romagnoli, che proprio grazie ad una di queste
to one facet of their cultural inheritance –
eredità: la propria cultura di appar tenenza,
a sense of belonging that transcends the need
senza bisogno di sposa re n essu n a ca usa,
to embrace one cause rather than another,
a ni m a t i n el mi gli o re dei casi da quello che
a spirit of what we might call “micro-patriotism”
potremmo def inire “micro-patriottismo”, sono
– that the people of Romagna have a natural
naturalmente predisposti alla salvaguardia
inclination to the protection and preservation
e alla valoriz zazione d ell a l o ro ter ra. E oltre
of the place they call home. And not only
a conser vare il proprio patrimonio culturale,
do they preserve their cultural heritage,
riescono, almeno talvolta, in un compito di
they even succeed – sometimes at least – in
gran lunga più a r d u o: q u e l l o d i a r r i c c h i r l o.
a far more difficult task: that of enriching it.
da
una
tradizione
EDITORIALE
1]
ea r th e lem e nt
[4
Il loro nome è un omaggio alle antiche credenze popolari, che identificavano in
queste incavature regolari aperte nella roccia gli enormi calderoni usati dalla
stirpe dei giganti per cucinare il proprio pasto.
La realtà geologica dietro alle Marmitte dei Giganti è
naturalmente meno fantasiosa, ma non necessariamente
meno sorprendente. Sono infatti necessari interi millenni
ai detriti trascinati dalla turbolenza d’un corso d’acqua
per abradere la roccia, fino a formare le cavità ellittiche,
ampie fino a qualche metro, che prendono questo
nome. L’impetuosità dei torrenti di montagna, infatti,
trascina sempre una grande quantità di pietrisco. Nel
punto in cui si formano i vortici, come quelli in cui l’alveo
è irregolare o molto inclinato, tipicamente ai piedi delle
cascate, i ciottoli vengono scagliati con forza contro
la parte rocciosa, incidendola sistematicamente,
sempre compiendo la medesima traiettoria. In Italia, le
Marmitte dei Giganti sono piuttosto rare e si possono
osservare, oltre che in Romagna, solo in determinati siti
Molte delle cavità presenti in queste zone sono però in realtà pozzi glaciali e si distinguono per la forma pienamente subcilindrica. I due fenomeni che è possibile osservare
nei pressi di Sarsina, sono invece propriamente del tipo
ellittico. Per trovarsi al loro cospetto sarà sufficiente una
breve passeggiata lungo il corso del rio Crocetta e del rio
Montalto, negli immediati dintorni della cittadina che diede
i natali a Plauto (vedi ee n. 2). Una delle caratteristiche delle Marmitte è la loro fragilità; possono infatti essere distrutte
dalla stessa azione erosiva che le ha generate. Allargandosi costantemente finiscono per fondersi, oppure può
erodersi la soglia della parete posta verso valle. Attraverso questo processo di continua formazione, disfacimento
e rinnovamento delle cavità, detto “di evorsione”, secondo
alcuni geologi si compirebbe l’approfondimento del letto
Proprio per tutelare l’integrità delle Marmitte presenti nel
comprensorio di Sarsina, è stata istituita una zona protetta
a loro intitolata, delimitata dalle testate di tre crinali locali che
si dipartono a pettine dal crinale secondario di spartiacque
tra i bacini del fiume Savio e del fiume Borello. Un’area che
include, oltre alle Marmitte, suggestivi quadri paesaggistici
come la rupe di Sarsina, fitti boschi di conifere e un sottobosco
popolato da una rigogliosa flora spontanea. Il Parco si snoda
su un tratto di viabilità storica relativo all’antico percorso di
fondovalle del Savio e lungo il suo corso si possono incontrare
anche manufatti tipici della storia locale, come l’antico
percorso con le relative opere di contenimento, il rudere di
un ponte in pietra e i resti di due case coloniche storiche.
Insomma, basta fare quattro passi dalla centrale piazza Plauto
di Sarsina, per trovarsi in uno scenario fiabesco, plasmato
ubicati in Trentino, Lombardia, Valle d’Aosta e Marche.
dei torrenti e la conseguente formazione di profonde gole.
da secoli e secoli di felice simbiosi tra uomo e natura.
I
Sensi
di
Romagna
Territorio
quello che vedo.
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5]
mi
immagini: gianpaolo bernabini
te
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franco de pisis
The geological facts behind the “Giants’ Cauldrons” are naturally more
prosaic than the legend, but that doesn’t make them less interesting.
It takes thousands and thousands of years for the sediment carried along in
the turbulence of a watercourse to abrade the rock into the smooth cavities,
some of them a metre wide, that we now find in Sarsina. Mountain torrents
always carry significant quantities of sediment. At the points where vortices
form in the stream – where the bed of the stream is irregular, for instance,
or unusually steep, as at the foot of waterfalls – grit and small stones are
repeatedly driven against the bare rock, always striking it from the same
angle. Phenomena similar to the Giants’ Cauldrons of Sarsina are relatively
rare in Italy, and outside of Romagna are to be found only in Trentino,
Lombardy, Valle d’Aosta and Marche. Many, however, are of glacial formation
and can be identified by the fully cylindrical shape of their cavities. The two
specimens in Sarsina, formed by erosion, are elliptical in shape. They can be
found on the courses of two streams, the Crocetta and the Montalto, not far
from the town that was the birthplace of the Roman dramatist Plautus (see
ee issue 2). One of the characteristics of the formations found in Sarsina
is their fragility: the same erosion that made them can also destroy them.
As they gradually grow wider, they end up collapsing on themselves, or in
some cases the wall on the downstream side gives way. According to some
geologists, this process of constant formation, disintegration and renewal,
known as “evorsion”, is responsible for the deepening of river beds and
the formation of deep potholes. A protected area has been created to help
preserve the specimens near Sarsina, and is delimited by the three ridges
which branch off a secondary watershed dividing the basins of the rivers
Savio and Borello. It’s an area whose attractions don’t stop at the cauldrons.
The hills around Sarsina are scenically impressive, and the densely packed
conifer woods conceal some riotously colourful spontaneous undergrowth.
The park follows part of the route of an ancient path along the floor of the
Savio valley, and there are some interesting remnants of local history along
the way, such as the embankments of the original path, the ruins of a stone
bridge and the remains of two ancient farmhouses. A fairy-tale landscape
shaped by centuries of happy symbiosis between man and nature: and it’s
all just a few minutes away from piazza Plauto in the heart of Sarsina.
e
nd
re
A S arsina , un parc o tut e la
q u e sti pitt o r e sc h i f e n o m e ni e r o sivi
Their name is a tribute to the popular beliefs of old, which likened these evenly-worn
rock cavities to cooking pots used by the giants of legend to cook their meals in.
osservare l
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come
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Le Marmitte dei Giganti
C aul d r o ns o f t he giants
A park in Sarsina dedicated to a fascinating natural phenomenon
Storie di Cusercoli
il vero amore è come i fantasmi: tutti ne parlano, ma pochi li hanno visti.
françois de la rochefoucauld
U n pa e s e in cui c o n f luisc o n o
st o ricit à e sugg e sti o ni
luca biancini
immagini: archivio pro loco
chiusa d’ercole, archivio
provincia di forlì-cesena,
dervis castellucci
Arroccato su un imponente sperone di roccia calcarea, che sbarra la valle del Bidente e
costringe il fiume a deviare dal corso principale, si erge l’antico borgo di Cusercoli,
dominato dal massiccio castello medioevale.
[6
l suo nome, almeno secondo alcune fonti, deriverebbe dalla leggenda popolare che attribuisce nientemeno che al
mitologico eroe Ercole la creazione della formazione rocciosa su cui sorge il paese, facendolo derivare dalla locuzione
Clusum Erculis: ossia chiusa di Ercole. Una leggenda di cui è impossibile stabilire l’origine temporale, dato che il primo
nucleo abitato di questa frazione di Civitella, abbarbicata sugli appennini forlivesi, risale all’epoca tardo-romana. Di certo
la roccia su cui sorge è tanto inadatta allo sfruttamento agricolo quanto fertile di leggende.
Molte nel tempo sono infatti le testimonianze secondo cui il “palazzo fortissimo, sopra il fiume Acquedotto e sopra la strada
maestra per la quale si va in Toscana”, come lo definì il cardinale Anglico nel 1371, ospiterebbe esoteriche presenze.
Dopotutto tra i suoi passati castellani non mancano nomi ben “accreditati in questo senso”: qui, nel XIII secolo, visse Paolo
Malatesta di Giaggiolo, immortalato dal V canto dell’Inferno dantesco con l’amante Francesca uccisa insieme a lui (vedi
ee n. 19) e gli ultimi proprietari del maniero furono gli stessi Conti Guidi che possedevano anche il Castello di Montebello,
situato sopra Rimini, tristemente noto per ospitare il fantasma di Azzurrina (vedi ee n. 10). C’è chi giura che dopo il tramonto,
nelle grandi stanze finemente affrescate ed ormai abbandonate a se stesse del castello di Cusercoli siano state avvistate
strane ombre e si sia udito echeggiare il suono di canti gregoriani accompagnati da un organo. Eventi ulteriormente
inspiegabili in virtù del fatto che la chiesa di San Bonifacio, inglobata dalle mura del maniero, non è dotata di alcun organo.
Oltre all’opinabile componente soprannaturale, di sicuramente straordinario il castello offre una invidiabile vista panoramica
su tutta la valle circostante che spazia tra vigneti, campi di grano, prati e boschi pedemontani. Un colpo d’occhio che,
contrariamente alle sopraccitate tetre atmosfere crepuscolari, restituisce l’immagine di una terra florida e ridente, capace
di sedurre, oltre alla vista, anche il palato con delizie tipiche come il prugnolo (squisito fungo primaverile di prato) e il
pregiatissimo tartufo, per celebrare le quali si tengono annualmente a Cusercoli due importanti sagre. Se poi vi preoccupa
eccessivamente l’eventualità di imbattervi in un fantasma, niente paura; curiosamente la principale attività caratteristica
legata a questo micro-territorio è la produzione di coroncine e di rosari, realizzati con i più svariati materiali ed esportati in
tutto il mondo. Non avrete quindi difficoltà a munirvi delle contromisure necessarie ad evitare spiacevoli téte-à-téte spettrali.
I
Sensi
di
Romagna
7]
Tal es f r o m Cus erco li
Village of contrasts
Perched on an imposing outcrop of limestone that juts
into the valley of the Bidente and forces the river to
detour around it is the ancient village of Cusercoli,
dominated by its formidable medieval castle.
According to some sources, the village takes its name from a popular
legend that attributes to none other than the mythological hero
Heracles the creation of the rocky formation on which the village
stands, and which was formerly known as Clusum Erculis: the
enclosure of Heracles. It’s impossible to pinpoint the exact origins
of the legend, but we do know that the earliest settlement on this
spot in the northern Apennines dates from the late Roman period.
While the outcrop on which the village stands is hardly suited
to agriculture, it’s certainly provided fertile ground for legend.
Down through the centuries, the “redoubtable fortress standing
above the river Acquedotto and the principal highway leading to
Tuscany” (as it was described by cardinal Anglico in 1371) has often
been said to host mysterious presences. And some of the former
occupants of the castle lend credence to the legend as “initiates
in these things”: here, in the 13th century, lived Paolo Malatesta di
Giaggiolo, immortalized in Canto V of Dante’s Inferno together with
his beloved and companion-in-death, Francesca (see ee issue 19).
The last owners of the stronghold were the counts of Guidi, among
whose other possessions was the castle of Montebello near Rimini, sadly
famous for its ghost named Azzurrina (see ee issue 10). According
to local lore, strange shadows have been sighted in the abandoned
castle of Cusercoli, stalking the derelict halls whose delicate frescoes
have long since fallen into disrepair. Noises have been heard too:
the echo of Gregorian chant and the sound of an organ. Phenomena
which are all the more inexplicable if we consider that the church of
San Bonifacio which stands inside the castle compound has no organ.
While the supernatural goings-on are open to debate, one thing that
everyone can agree on is the impressive views over the surrounding
valley, with its vineyards, wheat fields, meadows and woodlands, that
the castle commands. After the gloomy, crepuscular atmosphere of
the castle itself, it’s a view which restores the soul to a pleasant,
fertile place that seduces not only the eyes but also the palate,
with local delicacies including the prugnolo (an exquisite meadow
mushroom that grows in spring) and the much-prized truffle, to which
Cusercoli dedicates not one but two annual festivals. And if you’re
still worried about running into a ghost, take heart: for curiously
enough, the principal local industry is the production of rosary beads,
which are made from all kinds of materials and exported all over the
world. So if you do find yourself face-to-face with some unsavoury
local spectres, at least you’ll have something to defend yourself with.
Territorio
La Freccia di Faenza
Franc e sc o L ama :
in d im e nticat o c e ntaur o r o magn o l o
[8
La proverbiale fama del talento che i motociclisti romagnoli
riescono ad esprimere in sella non è solo storia recente,
nasce anzi parallelamente alla diffusione stessa del motore a
scoppio in queste terre.
I
Sensi
di
Romagna
la velocità è la forma di estasi che la rivoluzione tecnologica ha regalato all’uomo. milan kundera
manlio rastoni
immagini: archivio manlio rastoni
Parliamo di tempi ormai remoti in cui era più facile assemblare
una motocicletta di fortuna piuttosto che acquistarne una, in
cui le competizioni assomigliavano più a singolar tenzoni
che non a un circo tecnologico e in cui meccanico, pilota e
manager sportivo erano sovente la stessa persona. Il faentino
Francesco Lama calcò proprio questa “scena”, arrivando a
diventare uno dei campioni di motociclismo più noti nell’Italia
degli anni Trenta. Correva l’anno 1919, quando l’allora
dodicenne Francesco riuscì in qualche modo a piazzare un
motore sulla bicicletta del padre e, testando il mezzo così
ottenuto, a portare lo scompiglio lungo le strade bianche
della campagna faentina. A 14 anni è già in sella a una vera
moto, anche stavolta messa a punto in prima persona, con
cui miete vittorie nelle gare amatoriali di paese e comincia a
farsi un nome. La sua abilità di pilota cresce di pari passo
con la sua perizia di meccanico. Mentre si forma il suo stile di
guida, estremamente pulito come in perenne progressione
sulla linea di traiettorie mirabilmente pennellate, che gli
valse il soprannome di Freccia di Faenza, passa le notti nel
capannone della casa paterna, da lui tramutato in officina.
Quando debutta ufficialmente, non ancora ventenne, nella
massima categoria sul glorioso Circuito del Savio in sella a
una Solarea 500, ha già un nutrito seguito di supporter. Non
li deluderà. Taglierà il traguardo guadagnandosi un terzo
podio disputato contro nomi del calibro di Nuvolari, Varzi
e Bandini (vedi ee n. 6). Cavalcando un climax, continua
a vincere come pilota su Velocette ed apre nel centro di
Faenza un concessionario di motocicli. Dopo ogni vittoria
comunica il risultato alla famiglia, che lo aspetta a casa,
tramite un piccione viaggiatore. Dovrà però presto affidare
le sue missive al telegrafo man mano che la sua carriera
ingrana portandolo sulle piste di tutt’Italia. Diventa pilota
principe nella categoria 175, nel 1928 vince su Velocette
350 a Mantova, trionfa sul circuito Redipuglia e conquista
il record per il giro più veloce a Verona. All’inizio degli anni
Trenta la casa costruttrice bolognese MM (Mazzetti Morini)
gli affida una moto ufficiale. Sulla Morini o su Benelli vincerà
a Treviso, Imola, Bologna e Reggio Emilia, venendo anche
chiamato a far parte della prestigiosa Scuderia Ferrari.
Taglia per primo il traguardo al Gran Premio delle Nazioni
nel Circuito dell’Aeroporto di Roma, nel 1934 domina il Gran
Premio delle Colonie di Napoli e guadagna pure una Targa
Florio. Nel 1937 approda in Gilera, su cui nel ‘39 si laurea
campione assoluto d’Italia. Con la guerra si chiude anche il
suo periodo aureo, senza però che il testamento spirituale di
Lama venga smarrito, uno degli indispensabili cromosomi
di cui è formato il DNA dei campioni romagnoli del nostro
tempo, come Gresini, Melandri, Simoncelli, Dovizioso, e dei
tanti che si stanno allenando per diventarlo.
Storia
T h e A rr ow o f Fa en z a
Francesco Lama:
an unforgotten Romagna hero
The proverbial fame of the motorcyclists of Romagna
is no recent phenomenon. In fact its origins go
right back to the early days of motorcycling, and
have evolved in parallel with the sport.
In those now-distant days it was easier to put together a
motorcycle out of disparate elements than to buy one, and
motorcycle competitions had more in common with the duels
of old than the technological circuses of today: for mechanic,
rider and manager were usually the same person. Faenza-born
Francesco Lama was one of these pioneers, and in the 1930s
became one of Italy’s most famous motorcycling champions.
Back in 1919, the twelve-year-old Lama managed to mount a
motor on his father’s bicycle and took his contraption for a testdrive along the quiet roads of the Faenza countryside, sowing
alarm and confusion along the way. By the age of fourteen
Francesco was on the saddle of a real motorcycle, even though
it was still one he had assembled himself, and making a name
for himself in local amateur motorcycle races. His success as
a rider grew in step with his expertise as a mechanic. As his
riding skills evolved, he gained the nickname of the “Arrow
of Faenza” for the peculiar impression he created of flying
in pursuit of a target in the distance that only he could see.
During this early period, he’d spent the nights in the barn
of his parents’ house, which he’d transformed into a motor
workshop. Lama was not yet twenty when he made his official
racing debut on the Savio racing circuit at the controls of a
Solarea 500, the most powerful category in the competition.
By this time he already had a well-established fan base. He
was not to let his fans down. He first made the podium in third
place in a race contested by riders of the calibre of Nuvolari,
Varzi and Bandini (see ee issue 6). He continued his winning
ways after switching from a Climax to a Velocette, and soon
opened as motorcycle dealership in the centre of Faenza.
Lama would inform his family of his wins by sending a carrier
pigeon to his parents’ home, where they anxiously awaited
news. As his career took off and he began riding circuits
up and down Italy, however, he had to switch to telegrams.
By now the leading rider in the 175 cc category, in 1928 he won
in Mantua on a Velocette 350; this was followed by a win on
the Redipuglia circuit and a record-breaking lap of the Verona
circuit. In the early 1930s, Bologna motorcycle manufacturers
MM (Mazzetti Morini) presented him with an official bike. Riding
his Morini or a Benelli, he recorded further wins at Treviso,
Imola, Bologna and Reggio Emilia, and even made it onto the
prestigious Scuderia Ferrari racing team. After winning the
Italian Grand Prix in Rome, in 1934 he was first across the line
at the Grand Colonial Prize in Naples. He even won a Targa
Florio road race. In 1937 he switched to Gilera, and it was
riding a Gilera that in 1939 he was crowned outright champion
of Italy. The outbreak of war marked the end of Lama’s golden
age. But his memory and heritage live on as key chromosomes
in the genetic makeup of so many of the champions Romagna
has since produced, like Gresini, Melandri, Simoncelli,
Dovizioso, and many others whose fame still lies in the future.
9]
non sarebbe la musica una lingua perduta, della quale abbiamo
dimenticato il senso, e serbato soltanto l’armonia?
massimo d’azeglio
alessandro antonelli
immagini: archivio ammi
Musicalia
[10
The museum of mechanical music
in Villa Silvia-Carducci
Ecce Musicalia
Formerly the property of the countess Silvia Pasolini
Zanelli, Villa Silvia-Carducci was the scene of
one of Italy’s leading cultural salons of the 19th
century. Among the figures who frequented the salon
was the poet Carducci. It’s now the home of Musicalia,
a museum operated by the Italian Association for
Mechanical Music (AMMI).
I l M us e o d i M usica M e ccanica
a V illa S ilvia - C ar d ucci
Nella villa appartenuta alla contessa
Silvia Pasolini Zanelli, che sorge nei
dintorni di Cesena e ospitò nell’Ottocento
uno dei salotti culturali più eminenti
d’Italia, spesso frequentato dal poeta
Carducci, è stato recentemente inaugurato
il Museo Musicalia istituito dall’AMMI
(Associazione Italiana Musica Meccanica).
museo dedicato ai pionieri della “musica senza musicisti”.
Uno spazio ove, sull’esempio di simili iniziative europee,
riportare a nuova vita gli strumenti musicali meccanici che a
lungo accompagnarono i nostri antenati, nonni e bisnonni,
con le loro note, facendoli danzare, permettendogli di
guadagnare qualche soldo in terra straniera, allietando
feste e romantizzando corteggiamenti. Sette anni dopo
quel museo è divenuto una realtà e si propone come un
viaggio lungo cinquecento anni attraverso il racconto di
un grande fermento culturale. Il 4 maggio scorso è stato
infatti inaugurato un percorso museale che insegue le
orme lasciate dagli antichi strumenti nei vicoli, nelle strade,
nelle piazze, nelle dimore in cui echeggiò la loro musica.
Sette sale che ripercorrono i momenti qualificanti della
storia della musica meccanica: dalla sua invenzione alle
diverse fasi del suo svilupparsi e imporsi nella società, fino
al declino dovuto alla comparsa del grammofono e degli
altri moderni mezzi di diffusione sonora.
Ci eravamo già occupati su queste pagine di un’altra
iniziativa promossa da tale Associazione impegnata nello
studio, ricerca scientifica, recupero, restauro, conservazione
e persino costruzione degli strumenti musicali meccanici: il
Festival internazionale dell’antico organetto (vedi ee n. 12).
Evento capace di tramutare il paese di Longiano in una sorta di
grande auditorium popolato di questi affascinanti dispositivi
sonori analogici. In quell’occasione il suo Presidente, Franco
Severi, ci aveva già parlato del suo progetto di fondare un
I
Sensi
di
Romagna
La prima ci porta al cospetto di un antenato della musica
meccanica: il tamburo da guerra di Leonardo da Vinci,
ricostruito dai tecnici dell’AMMI sulla base delle informazioni
ricavabili da testi e disegni dei Codici Leonardiani di Venezia
e Parigi, ospitato in una tenda da guerra del Cinquecento.
La seconda sala è dedicata invece agli organi da casa,
vi sono esposti numerosi strumenti musicali meccanici
appartenuti a famiglie dell’alta borghesia dal Settecento
sino alle prime decadi del Novecento. Si trovano fra questi
alcuni piccoli “gioielli” che suscitano particolare meraviglia:
tabacchiere dotate di piccolissimi carillon, sax meccanizzati
e gabbiette con uccellini meccanici animati. La terza sala
è detta degli organi da strada; vi sono esposti gli strumenti
musicali meccanici che popolavano più frequentemente
le strade delle città fino ai primi decenni del Novecento.
Questi dispositivi sonori (spalloni, piani a cilindro e piani
mandolini) venivano utilizzati per lo più da questuanti che,
suonando per le strade, chiedevano l’elemosina per vivere.
Storia
The AMMI operates on various fronts – scientific research as well
as the recovery, restoration, conservation and even construction
of mechanical musical instruments. Its work was the subject of an
earlier ee article on the international street organ festival of Longiano
(ee 12). For the duration of the festival, Longiano becomes a kind of
open-air auditorium with a street organ on every corner. At the time,
the festival’s director, Franco Severi, spoke of his idea of founding a
museum dedicated to the pioneers of “music without musicians”. A
museum which would take its cue from similar initiatives elsewhere
in Europe and give new life to the mechanical instruments our
grandparents and great-grandparents were so familiar with from village
dances, feasts and parades. Seven years on, Severi’s idea has become
a reality, and offers visitors a journey through five hundred years of
mechanical music. Inaugurated last May, the museum is divided into
seven rooms. Each is dedicated to a key moment in the history of
mechanical music, from its invention through the various phases in its
evolution, to its heyday and eventual decline with the appearance of
the gramophone and later methods of sound reproduction. The first
room presents an illustrious forerunner of mechanical music: Leonardo
da Vinci’s war drum, reconstituted by AMMI technicians on the basis
of the descriptions and drawings of the codices in Venice and Paris,
and displayed here inside a reproduction 16th-century campaign tent.
11]
la sospensione del tempo, intesa come fine di ogni coercizione, è l’ideale della musica.
theodor adorno
[12
Il loro suono delicato e soave era particolarmente
apprezzato dai “palati” più raffinati: come Pascoli,
Puccini, e, appunto, la stessa Regina Margherita. Le
ultime sale riproducono due degli habitat più consoni
agli organetti meccanici: la hall di un grand hotel dei
primi del Novecento e una piazza. Nella prima è
esposto uno strumento costruito in Germania per l’allora
Grand Hotel di Roma che, essendo stato progettato
in un’epoca senza corrente elettrica, è azionato da
un grosso contrappeso e si avvia introducendo una
moneta da 20 centesimi. Nella seconda trovano invece
posto i maestosi strumenti musicali che facevano bella
mostra di sé nelle fiere paesane o all’interno di locali
pubblici. Fra questi spicca un organo da fiera Gavioli,
di fabbricazione modenese, famoso per la potenza
e la qualità del suono dei suoi strumenti, un Atlantic
Orchestrion e la ricostruzione di un teatro di marionette
dotato al suo interno di un organo di barberia.
La quarta sala inscena il declino e la fine della musica
meccanica in Italia, rappresentando l’antesignano delle
odierne sale d’incisione. Con l’avvento del disco e dei
grammofoni sparirono, infatti, gradualmente gli organetti.
Prima dalle vie di città, successivamente dalle campagne
e dalle grandi fiere paesane, che rappresentarono le ultime
“riserve” per i suonatori ambulanti di musica meccanica.
La sala che segue, dalla splendida struttura ovale, fu
fatta affrescare appositamente, con motivi decorativi che
rappresentano piccole margherite, dai Conti PasoliniZanelli in occasione di una prevista visita della regina
Margherita di Savoia, che poi non si tenne. Qui è conservato
un piano melodico (strumento costruito a Bologna da
Giovanni Racca e azionato da cartoni forati) appartenuto
alla Sovrana. Gli strumenti meccanici costruiti da Racca
si differenziano da tutti gli altri poiché la perfezione delle
sue rifiniture ed i materiali prestigiosi di cui sono composti
li destinavano esclusivamente ai salotti dell’alta borghesia.
I
Sensi
di
Romagna
Completano la dotazione del Museo un piccolo teatro
ricavato dalla sala nord della Villa e una biblioteca
unica nel panorama italiano: la sola ad essere dedicata
interamente alla musica meccanica di proprietà di
un ente privato. Merita una visita anche il giardino del
complesso. Qui un percorso sonoro suddiviso in tre
“stanze” en plein air conduce il visitatore alla scoperta
della storia di Villa Silvia, del suo salotto letterario di
fine Ottocento e dei personaggi che lo animarono, fra
cui naturalmente il poeta Giosuè Carducci. Al primo
piano della Villa è visitabile anche la sua camera da
letto, preservata dal volere testamentario della contessa
Silvia, così come egli la lasciò dopo l’ultima visita. Sulla
sua terrazza, che si affaccia sul viale di Cento Cavalieri,
da cui si può apprezzare una pittoresca veduta di
Cesena e delle sue colline, viene su richiesta servito un
tè alla moda del Risorgimento. Aristocratico antenato del
contemporaneo coffee break .
Storia
The second room is dedicated to domestic organs, and contains a
number of mechanical musical instruments owned by well-to-do
families from the 17th to the early 20th centuries. Among the exhibits
in this room are some very small and especially marvellous exhibits,
including musical snuff boxes, automatic saxophones and birdcages
with mechanically-animated birds. The third room is dedicated to
street instruments and contains a number of specimens which would
have been a common sight on street corners through to the early
decades of the 20th century. Most of these instruments (spalloni,
barrel pianos and piano mandolinos) were played by mendicants who
begged alms as they travelled from one place to another. The fourth
room documents the decline and final demise of mechanical music in
Italy, and prefigures the rise of the modern recording studio. With the
advent of gramophone discs, mechanical musical instruments began to
disappear: first from the streets of our cities, then from the countryside
and the big rural fairs, which were the last redoubt of the itinerant
organ-grinders of old. The next room has a splendid oval shape and
was specially decorated by the counts of Pasolini-Zanelli with frescoes
depicting daisies, to mark a planned visit by Queen Margherita of
Savoy. The visit failed to materialize. This room does however have
a piano melodico (built in Bologna by Giovanni Racca and operated
by perforated cards) which belonged to the queen. The music boxes
built by Racca are different from others in their perfection of detail
and the valuable materials of which they are made: which means they
would only have been found in the drawing rooms of the upper middle
classes. Their suave, delicate timbres were especially appreciated by
more refined musical “palates” such as those of Pascoli, Puccini, and
Queen Margherita herself. The last two rooms in the museum recreate
two environments in which mechanical organs were most frequently
to be found: the lobby of a large hotel of the early 20th century, and
a city square. The first of these rooms contains an instrument built
in Germany for the Grand Hotel of Rome. Made for the pre-electric
age, it’s operated by a bulky counterweight mechanism activated by
inserting a 20-cent coin. The second and final room contains some of
the majestic music machines that were typically seen in rural fairs or
in public gatherings. They include a fairground organ built by Gavioli
of Modena, whose instruments were famous for their loudness and
quality of sound, an Atlantic Orchestrion, and a recreation of a puppet
theatre with a built-in barrel organ. The museum’s attractions are
completed by a small theatre built in the north room of the villa,
and a library which is unique in Italy: it’s the only privately-owned
collection to be entirely dedicated to mechanical music. The villa’s
gardens are also worth a visit. There’s music here too: the gardens
are divided into three open-air “rooms” which document the history
of Villa Silvia, the literary salon which convened here in the late 19th
century, and the figures who frequented it – including, naturally, the
poet Giosuè Carducci. The bedroom on the villa’s upper storey is also
open to visitors, and has been preserved intact at the request of its
last occupant, Silvia Pasolini Zanelli. The terrace overlooking viale di
Cento Cavalieri has good views of Cesena and the surrounding hills.
Tea is served to visitors here, Risorgimento style: the more aristocratic
forerunner of today’s coffee break.
13]
L a D o mus d e i T app e ti d i P i e tra
Camminare sullo splendore
Ravenna è la città dei mosaici, della tomba del poeta Dante Alighieri, dello splendore che
la fece capitale di Roma e di Bisanzio, nonché, in tempi più recenti, Patrimonio dell’Umanità.
Insomma, una città con una storia e un’architettura ben definita, consolidata in una vocazione fatta di bellezza.
Eppure uno straordinario ritrovamento ha recentemente compiuto appena vent’anni, confermando che la Capitale
dell’Esarcato nasconde ancora inestimabili tesori. Nel 1993, durante gli scavi per la costruzione di alcune autorimesse
sotterranee, a poca distanza dal centro compaiono alcuni reperti archeologici. Si intuisce subito che possano
rappresentare qualcosa di straordinario per l’arte tardo antica e bizantina. Il proseguire dei lavori porta alla luce vari
strati di reperti, databili a partire dal II secolo, fino al tesoro: un palazzo signorile bizantino dell’inizio del VI secolo.
paolo martini
immagini: archivio
comune di ravenna
la bellezza, è un enigma. fëdor dostoevskij
[14
I
Sensi
di
Romagna
Le sue quattordici stanze e i tre cortili ospitano mosaici e intarsi marmorei di incomparabile bellezza. Il critico d’arte
Federico Zeri, incaricato dalla Soprintendenza dei lavori di classificazione, li battezza con una sintesi perfetta: i tappeti
di pietra. Così dal 2002 a Ravenna si può ammirare la Domus che porta questo nome. Per accedervi occorre scendere
sotto la chiesa di Sant’Eufemia. Dapprima vi troverete nella penombra, in un’atmosfera quasi sacrale, poi si schiuderà
davanti a voi tutto il suo incanto. Uno spazio museale di oltre 1000 metri quadrati ove sono principalmente i pavimenti
(pardòn: i “tappeti”) a mostrare la loro magnificenza. Un maestoso dispiegarsi di pietra incastonata da preziose
tessere marmoree e ornata da squisiti motivi e cornici policrome. Poi il visitatore dovrà alzare gli occhi perché i due
pezzi forti della collezione sono stati rimossi dal terreno ed esposti in verticale, autentici quadri di pietra. Si tratta di
due mosaici. Il primo rappresenta un Buon Pastore, tema caro all’arte tardo antica (è presente anche nel mosaico del
mausoleo di Galla Placidia), immerso in un Eden stilizzato. Più avanti, al suono di una siringa, ossia una zampogna,
interamente realizzata con tessere d’oro, farete conoscenza con la Danza dei Geni delle Stagioni. Tema raro per l’età
bizantina, potrebbe ascriversi alle forme classiche dell’età di Giustiniano e della sua sposa, Teodora, che fu attrice
e ballerina, divenendo augusta, qui, sulle sponde dell’Adriatico. Piccoli dubbi che vengono dibattuti dagli esperti, i
quali, peraltro, non dubitano minimamente di una cosa: la Domus è unica. Unicità confermata dai numeri: il museo,
inaugurato nel 2002, già nel 2010 festeggiava il mezzo milione di visitatori. Per la cronaca, il mezzo milionesimo biglietto
è stato acquistato da una signora olandese. A vent’anni dalla scoperta, resta sconosciuta l’identità del proprietario
della Domus. Forse fu un funzionario di corte, quasi sicuramente un notabile della società civile. Chiunque fosse,
la favolosa dimora che fece edificare per sé è stata in grado di reggere il peso del tempo, per giungere fino a noi.
Walking on wonder
The Domus of the Stone Carpets
Ravenna is the city of mosaics, of Dante’s tomb and the splendour that made it the seat of the Roman
empire and the Byzantine Exarchate – and more recently has earned it World Heritage qualification.
It’s a city with a clearly defined history and architectural heritage where beauty has always been a key element. And one discovery, made just
twenty years ago, suggests that this former capital of the Exarchate still conceals inestimable treasures. In 1993, excavations for the construction
of a vehicle repair shop not far from the city centre unearthed a number of archaeological artefacts. Right from the start it was suspected that
these finds represented something truly extraordinary for the art of Late Antiquity and Byzantium. As the excavations continued, several layers
of artefacts were unearthed, with the lowest layers dating from the 2nd century. And then, treasure was struck: the remains of a Byzantine villa
from the early 6th century. In its fourteen rooms and three courtyards were mosaics and marble intarsias of incomparable beauty. The art critic
Federico Zeri, who was put in charge of classifying the discoveries, came up with the perfect description of these mosaics: “the stone carpets”.
Ravenna’s Domus of the Stone Carpets has been open to visitors since 2002. It’s entered through the church of Sant’Eufemia. As you descend into
the gloom below the church, the first thing that strikes you is the almost sacred atmosphere of the place: and then its enchantment slowly reveals
itself to your eyes. The museum area occupies over 1000 square metres, most of which is covered by the mosaic floors (or rather, carpets) gleaming
magnificently. A majestic expanse of stone mosaics set with precious tesserae of marble and adorned with exquisite decorative polychrome motifs
and frames. But the two star attractions of the museum have been removed from the floor are now exhibited vertically, on the wall, like paintings
in stone. Both are mosaics. The first depicts a Good Shepherd, an allegorical theme especially popular in late Antiquity (it can also be found in a
mosaic in the Mausoleum of Galla Placidia), in a stylized representation of the Garden of Eden. The second shows the “Dance of the Spirits of the Four
Seasons”, in which four figures representing the seasons dance to the music of pan pipes entirely made of gold tesserae. This was an unusual theme
for the Byzantine age, and its selection can perhaps be ascribed to the classical leanings of Justinian and his wife, Theodora, a former actress and
dancer who was made empress here on the banks of the Adriatic. Although questions like these continue to divide the experts, there’s one thing that
nobody disputes: the Domus is unique. To prove it, consider the numbers: after opening in 2002, by 2010 the museum had already welcomed half a
million visitors. (For the record, admission ticket number 500,000 was bought by a Dutchwoman.) Twenty years after its discovery, the identity of the
occupants of the Domus remains unknown. It may have been the home of a court functionary, and was almost certainly the residence of an important
member of the community. Whoever he was, the fabulous house he built has weathered the onslaught of time and can now be admired by all of us.
Storia
15]
Suoni prodotti dalla terra
Singing ceramics:
Propitiatory cult
and rites of passage
C e ramic h e f isc h ianti : tra cult o pr o pi z iat o ri o
e rit o d i passaggi o
Their uses varied – they could be playthings, but they could also be
used for more “professional” purposes. And one particular type of
clay whistle has a very strong bond with the colours and culture of
Romagna. The whistles in this “family” are often decorated with ancient
symbols, especially those that reproduce the calls of certain birds: and
thereby evoke the rites associated with the different seasons. These
features enhance the symbolic value which most musical instruments
have now lost, and which lies in the atavistic rapport between sound,
nature and magic which these whistles embodied, and which raises
them above the status of mere sound-producing devices to make
each of them an individual with its own character. In popular culture,
the whistle often has propitiatory associations. Its music evokes the
birdsong of summer, and because of this it was believed to portend
a good harvest. Birdsong also has amatory associations, as summer is
the season for courting. There are natural seasons, and the seasons
of life: when a young man reached physical maturity the sign that
traditionally demarcated the passage from one “season” to another
was (besides the appearance of a beard) his ability to modulate
the sounds made by the whistle using only his lips and tongue. The
blowing of children on the reed of a whistle can therefore be seen as
a preparation for their approaching maturity. In Romagna, the cult
of the whistle is stronger in the areas with an established tradition
in ceramics. Naturally, first among these areas is Faenza, the town
which gave its name to a type of ware now known all over the world.
The ceramic whistles made in Faenza have evolved significantly from
the earliest specimens. A skilful technique in the working of the
clay combines style and function in a manner that strikes a subtle
equilibrium between the formal elegance and the physical power of
the whistle. A living witness to this long-standing niche tradition is
Fabiano Sportelli, a craftsman from Bagnacavallo whose expertise in
making and playing these small musical instruments makes him one of
the few remaining cuccari (as itinerant whistle-players were formerly
known in the dialect) in Romagna. Sportelli is often to be found
selling his primitive yet ingenious instruments at local craft fairs. In
today’s world, where the musical soundscape is dominated by highly
sophisticated, often digitally created, sounds, the raw authenticity
of the sounds produced by low-tech instruments like clay whistles
and ocarinas is arousing a whole new wave of interest in objects that
embody what’s most noble about the earth – as the mirror image of
its most abject state, mud.
Ha un fascino elementare; primitivo. Serve ad emettere suoni acuti,
oggi spesso anche ultrasonici. È il fischietto.
italo graziani –
testo raccolto
da alessandro antonelli
immagini: archivio
fabiano sportelli, daniele ferroni
Uno strumento dai molteplici usi, da quelli ludici a quelli
professionali. Ne esiste però anche una categoria
legata, come attraverso un cordone ombelicale, ai
colori e alla cultura del territorio romagnolo. I fischietti
di questa “famiglia” sono spesso ornati di segni
ancestrali, soprattutto quando riproducono il canto degli
uccelli, legandosi, dunque, anche ai riti delle stagioni.
Si amplifica così la loro valenza simbolica, oggi persa
dalla maggior parte degli strumenti musicali, connessa
all’atavico rapporto suono-natura-magia che permette
loro di superare la semplice condizione di dispositivo
sonoro, per trasformarli in figure, o meglio in personaggi.
Per questo il fischietto nella cultura popolare ha sovente
I
Sensi
una valenza benaugurale. Richiamando il suono della
bella stagione propiziano l’abbondanza del raccolto e
supportano tradizionalmente il corteggiamento amoroso.
Una “stagione” è anche quella che attraversa ogni
ragazzo quando giunge alla maturità e il segno che
tradizionalmente demarca questo passaggio, oltre alla
comparsa della barba, è per l’appunto la raggiunta
capacità di modulare il fischio usando solo le labbra e
la lingua. Il soffiare dei bimbi nell’ancia di un fischietto
può dunque essere visto come una preparazione a quel
momento. In Romagna il culto di questo strumento è
più profondo nelle zone in cui è sviluppata l’arte fittile.
Tra queste spicca certamente Faenza, la città della
di
Romagna
la tradizione non si può ereditare; e chi la vuole dove conquistarla con grande fatica.
thomas stearns eliot
[16
They have a primitive, elementary fascination. When blown, they
emit an acute, sometimes even ultrasonic, note.
These are the clay whistles known as fischietti.
ceramica per antonomasia al mondo. Qui ne è stata
elaborata una forma pregevole dall’evocativo nome di
ceramica fischiante, che rappresenta una significativa
evoluzione nell’interpretazione del soggetto rispetto al
semplice fischietto. Attraverso una sapiente manualità
applicata alla lavorazione della semplice argilla si vuole
coniugare l’aspetto stilistico con la controparte funzionale
in modo da raggiungere un sottile equilibrio tra eleganza
formale e doti sonore del fischietto. Il testimone di questa
antica tradizione di nicchia è stato raccolto dall’artigiano
bagnacavallese Fabiano Sportelli che, unendo alla sua
abilità nel plasmare questi piccoli strumenti musicali
la propria perizia nel suonarli, rappresenta oggi uno
degli ultimi cuccari (questo il termine dialettale con
cui venivano appellati anticamente i suonatori di
fischietto ambulanti) a calcare il suolo della Romagna.
Presenziando spesso alle fiere tradizionali in questi panni,
con la missione di inserire un mezzo primordiale nella
modernità del quotidiano delle persone. In uno scenario
musicale contemporaneo dominato da suoni quasi
sempre altamente sofisticati e/o di natura prettamente
digitale, l’essenzialità di suoni come quelli dei fischietti
d’argilla o delle ocarine riscuotono una nuova ondata
d’interesse, venendo apprezzati anche come forma di
conciliazione con la terra nel suo rango di materia nobile,
opposto speculare della sua denigrazione a fango.
Passioni
17]
tutte le passioni esagerano, e sono passioni appunto perché esagerano.
nicolas de chamfort
Paper: the third dimension
Massimo Missiroli, master of the pop-up
When does a blank page become an eternity? An infinite space with room for everything? A toy theatre where the sea is whipped up by
the storm, leaves move in the wind, and young men and women leap out of the page with the vivid power of real princes and princesses?
tatiana tomasetta
immagini: archivio
massimo missiroli
La terza dimensione
della carta
That’s what happens in the imagination of the artist, in his way of envisaging form, in the skill of the craftsman. And it happens when paper is
raised to its third dimension. Animated and tangible, romantic and playful, pop-up books delight grown-ups and children alike with their ability
to surprise us as we turn their pages, and the craft that’s concealed in their folded cardboard pictures. An enchanted world full of marvel:
not unlike the world inhabited by the designer, artist and paper engineer Massimo Missiroli, one of the world’s leading creators of pop-up art.
It’s a position he could hardly have dreamed of attaining when as a boy Massimo began exploring the secrets of pop-up art. An art enthusiast
since his earliest years, the young Massimo dedicated every scrap of his spare time – weekends, evenings, any other available moments – to what
was to become his life’s passion. All he needed was paper and a pair of scissors. These free-time creations were no mere books, but works of art
in themselves, and the mark of an exceptional talent. It all began in 1978, when Missiroli discovered a copy of I Gatti di Gattolica, a reproduction
of the 19th-century picture book by Ernest Nister with poems by Roberto Piumini. From that moment on, Missiroli devoted his life to pop-ups:
collecting them, researching their history, making them and teaching others how to make them too. His collection of pop-up art that began
on that day is now one of the biggest and most complete in the world. Soon he was launched on the career that would make him the talent
behind some of the world’s most famous pop-up books. To give just a few examples, Missiroli has worked with children’s author Richard Scarry
(on a title which won the Children’s Book of the Month award in the US), in the pop-up editions of two German classics, Max und Moritz and
Struwwelpeter, and a pop-up edition of La mucca Moka, a joint venture with the writer and illustrator Agostino Traini, published together with
another pop-up title, Fred Lingualunga. These books exude all the pedigree of a tradition dating back more than a century. Curiously, though,
they belong to a craft that has gone by different names in different periods. The term “pop-up” was coined by the Blue Ribbon Press in the
1930s, and was later extended to almost any book containing mobile parts. Recently there’s been a revival of interest in pop-up books, which
are once again selling well. A man with many commitments, Missiroli has nevertheless found the time to create a centre for the promotion of
pop-up publishing in Italy and the preservation and dissemination of Italian pop-up books.
M assim o M issir o li , M a e str o d e l p o p- up
[18
19]
Quand’è che una pagina bianca diviene un’eternità? Uno spazio infinito dove tutto può
apparire? Un teatrino magico dove il mare s’increspa per la tempesta, le foglie si
muovono al vento, giovani e fanciulle in rilievo si trasformano in principesse e re?
Accade nell’immaginario dell’artista, nella sua visione della forma, nell’abilità dell’artigiano. Accade nella terza
dimensione della carta. Animati e solidi, romantici e giocosi, i libri pop-up ispirano lo stupore di adulti e bambini, quando,
sfogliandone le pagine, scoprono un mondo fatto di vibranti sorprese di carta che nascondono l’abilità necessaria per
essere create. Un mondo incantato. Stupefacente. Lo stesso in cui vive Massimo Missiroli, designer, artista, paperengineer, riconosciuto oggi come Maestro del pop-up, in Italia e all’estero. Un primato a cui Massimo certamente non
pensava quando, giovanissimo, iniziava come autodidatta a insegnare l’arte di quei manufatti di carta che tanto fanno
sognare. Da sempre appassionato all’immagine, nel tempo libero, nei week-end, di notte, in qualsiasi altro momento
disponibile, Massimo afferrava gli strumenti congeniali, carta e forbici, dedicandosi alla passione della sua vita. Sono
nati così, non libri ma vere opere d’arte, costruite nel tempo libero, inseguendo un talento naturale. Tutto ha inizio nel
1978, dopo l’incontro con I Gatti di Gattolica, riproduzione di un libro dell’Ottocento di Ernest Nister corredato dalle poesie
di Roberto Piumini. Da qui Missiroli inizia a collezionare, a studiare, a costruire e ad insegnare a costruire il pop-up.
I
Sensi
di
Romagna
Comincia ad acquistare quei preziosi oggetti di carta che oggi compongono la sua collezione, fra le più ampie e complete
al mondo. Poi le cose prendono la loro strada e Missiroli oggi è l’artefice di alcuni tra i più famosi libri del panorama
internazionale. Come, solo per citarne alcuni, il pop-up illustrato da Richard Scarry (selezionato negli Stati Uniti come
Children’s Book-of-the-Month) o l’interpretazione pop-up di due classici dell’editoria tedesca, Max und Moritz e Struwwelpeter
(Pierino Porcospino), oppure come La mucca Moka pop-up, nata dalla collaborazione con lo scrittore e illustratore Agostino
Traini, uscita in libreria insieme a Fred Lingualunga pop-up. Questi libri, in cui si respira l’aria di una tradizione nata oltre un
secolo fa, vengono oggi classificati con gli appellativi più originali e curiosi. La definizione “pop up”, letteralmente “saltar su”,
fu introdotta dall’editore Blue Ribbon Press negli anni Trenta ed estesa successivamente a quasi tutti i libri che contenevano
qualche parte mobile. Solo recentemente, però, l’interesse per i libri pop-up è esploso commercialmente. Tra i suoi molti
impegni, Missiroli ha comunque trovato il tempo necessario a fondare il Centro per la promozione dell’editoria pop-up in
Italia, presente in Rete, che si impegna a preservare e a diffondere la cultura nazionale di questo genere editoriale.
Passioni
Pane
di bosco
In autunno, le selve castanili della
media vallata del Santerno divengono
veri e propri giacimenti di un pregiato
frutto secco protetto dal caratteristico
“scrigno” spinoso: il prelibato Marrone
di Castel del Rio.
I M arr o ni d i C ast e l d e l R i o
alba pirini
immagini: archivio comune di castel del rio,
stefano calamelli
[20
qu
an
do
il
vi
n
Amministrativamente questa zona appartiene all’Emilia,
ma secondo la geografia dei sentimenti (vedi ee n. 13) la si
può considerare, almeno parzialmente, romagnola. Tant’è
che nel 1559 la valle del Santerno offrì in dono proprio al
Governatore di Romagna “dodici paia di capponi, cento
libbre di formaggio Marzola […] e sei corbe di Marroni”.
Gli Alidosiani (così sono chiamati gli abitanti di Castel del
Rio, in ossequio alla famiglia feudale che lungamente
dominò queste zone) sono noti per la cura maniacale che
dedicano ai loro castagneti, tramandandosi una virtuosa
tradizione che perdura da secoli. Tradizionalmente però,
fino a qualche decennio fa, ogni famiglia curava il proprio
appezzamento in un ottica di autoconsumo e chiamava
addirittura il castagno l’albero del pane; solo in anni di
formidabile raccolto l’eccedenza veniva venduta ai
forestieri, facendo così conoscere le qualità organolettiche
e nutrizionali del Marrone di Castel del Rio fuori dai suoi
confini. Oggi, dopo aver ricevuto anche la denominazione
IGP (Indicazione Geografica Protetta), il Marrone ha
superato pure i confini nazionali, divenendo a pieno titolo
una leccornia europea. Lo differenziano dalla comune
castagna un gusto più dolce e fragrante che esalta gli
aromi del bosco, la finezza della polpa, la forma oblunga
e la maggiore pezzatura nonché la presenza della buccia
bruna e della sottile pellicina che lo proteggono.
non
è p
iù
mos
to,
il m
arron
è buono arrosto.
are
popol
antico proverbio
I
Sensi
di
Romagna
In comune con la castagna possiede invece l’alta
conservabilità, che già nel Medioevo ha permesso a
questi deliziosi frutti di giungere sulle tavole di luoghi
lontani, come Parigi e Il Cairo. Da tempo immemorabile
le popolazioni montane hanno elaborato un naturale
procedimento per conservare fino a primavera la
squisitezza di questi frutti: è infatti sufficiente lasciarli
immersi otto giorni in acqua per provocare una leggera
fermentazione. I Marroni vengono poi fatti asciugare e
raccolti in sacchetti di rete. Oggi naturalmente è sufficiente
metterli in freezer per poterli gustare tutto l’anno. È però
in autunno che divengono l’ingrediente principe di tante
preparazioni culinarie tipiche. Si possono ad esempio
gustare brusè (incisi, cotti in una padella forata detta
brusadûr e serviti caldissimi) o lessati in acqua salata
con foglie di lauro. In qualunque modo preferiate
consumarli, vi cederanno generosamente il loro ampio
patrimonio di sostanze dietetiche e nutritive: amidi
e zuccheri complessi, sali minerali (come fosforo e
magnesio) ed un’altissima concentrazione di potassio,
sostanza che combatte efficacemente la fatica. Viste
le tante virtù di questo piccolo frutto non sarà un caso
che secondo una credenza popolare locale i neonati,
anziché sotto i cavoli, nascano nei grandi alberi cavi di
castagno.
Bre ad from the woods
The chestnuts of Castel del Rio
In autumn, the wild chestnut groves of the middle valley of
the Santerno are strewn with the spiny jackets of the prized
chestnuts of Castel del Rio.
Administratively, this neck of the woods belongs to Emilia, but on the
map of emotional geography (see ee issue 13) Castel del Rio belongs,
at least partly, to Romagna. As early as 1559, in fact, the inhabitants
of the Santerno valley made a gift to the governor or Romagna of
“twelve brace of capon, a hundred pounds of Marzola cheese [...] and
six baskets of chestnuts”. The Alidosiani (as the inhabitants of Castel
del Rio are called, in allusion to the Alidosi, the family which long
dominated these parts) are noted for the obsessive care with which
they look after their chestnut groves, in continuation of a tradition
that reaches back centuries. Until just a few decades ago, however,
tradition also had it that each family tended its own plot of “bread
trees” on a subsistence basis; only in years of exceptionally abundant
harvest was the excess sold on the external market, making the
flavour and nutritional properties of Castel del Rio chestnuts known
outside their immediate zone of production. Nowadays, the chestnuts
have IGP (Protected Geographical Indication) status and are exported
all over Europe, where they’re appreciated as a delicacy. What makes
Castel del Rio chestnuts different from others is their flavour (sweeter
and more fragrant, with a marked woody undertone), their texture
(exceptionally smooth), and their size and shape (bigger and more
oblong than most chestnuts). The brown shell and inner lining are the
same as other chestnuts. Like all chestnuts, those of Castel del Rio
can be conserved for long periods, a quality that as early as the Middle
Ages enabled these delicious nuts to grace tables in places as far away
as Paris and Cairo. For longer than anyone here can remember, the
inhabitants of Castel del Rio have used a natural conservation technique
that keeps the chestnuts fresh through to the following spring. First
the chestnuts are steeped in water for a week, during which time they
undergo light fermentation. Then they’re left out to dry and collected
in net bags. Today, of course, they can be stored in the freezer and
enjoyed all year round. But autumn remains the season of the chestnut,
the time of year when it’s used in countless traditional dishes. They
can be enjoyed brusè (nicked with a knife and roasted in a perforated
tin over embers and served piping hot), or boiled, flavoured with bay
leaf. Whichever way you prefer them, chestnuts are a rich source of
nutrition: they contain starches and complex sugars, minerals including
phosphorus and magnesium, and have extremely high concentrations
of potassium, a substance which is excellent for countering fatigue.
With so much goodness in such a humble fruit, it’s no surprise that
according to local tradition new-born babies are found not under a
cabbage leaf as in other cultures, but in the bole of a chestnut tree.
Enogastronomia
21]
Bursôn – Etichetta Nera _ Ravenna Rosso IGT Riserva 2009 _ Uve/Grapes 100% Longanesi
Dal vitigno autoctono Longanesi della pianura ravennate nasce questo vino particolarissimo, dotato di una formidabile ricchezza tannica annunciata da un colore
rosso granato concentrato. Persistente al naso, fluttua tra note fruttate di ciliegia nera e visciola che si fondono alla vaniglia e il cioccolato dei legni. La sua
potenza e struttura avvolgente investono il palato lasciando la tipica ruvidezza. Fermenta in fermentini termo-condizionati per almeno 10 giorni con frequenti
rimontaggi e viene affinato per 18 mesi in particolari tonneaux a tre tipologie di legno. Temperatura di servizio 20-22 °C. È un vino che dimostra buone doti di
conservazione e va accompagnato a piatti particolarmente saporiti come la cacciagione.
Made from Longanesi grapes, a variety indigenous to the Ravenna plain, this highly distinctive wine has a formidable tannic structure, as its dense, garnet colour
suggests. Persistent on the nose, its fruity notes oscillate between black and sour cherry, shading into the vanilla and chocolate notes imparted by the casks. A
powerful, formidably structured wine that assails the palate, leaving a characteristic roughness. Fermented in temperature-controlled vats for at least 10 days
with frequent pumping over the caps, followed by 18 months’ ageing in special tonneaux made from three types of wood. Serving temperature 20-22°C. A wine
that keeps well and is best served with robustly-flavoured dishes such as game.
Tenuta
Uccellina
Bursôn – Etichetta Blu _ Ravenna Rosso IGT Riserva 2010 _ Uve/Grapes 100% Longanesi
Il Bursôn base dell’Azienda si presenta d’un rosso violaceo leggermente meno concentrato rispetto alla riserva. Al naso rivela una nota verde di bacche di ginepro,
mentre in bocca si diffonde una inaspettata morbidezza iniziale, rapidamente seguita dal caratteristico contributo tannico. Nel complesso, un vino coinvolgente,
capace di concedere con immediatezza il suo bouquet. Come l’Etichetta Nera, attraversa una fermentazione in fermentini termo-condizionati per almeno 10
giorni con frequenti rimontaggi e viene poi affinato per 18 mesi in particolari tonneaux a tre tipologie di legno. Temperatura di servizio 18-20 °C. Abbinamento
consigliato: alla scottiglia di carni bianche.
Uccellina’s flagship Bursôn is reddish-purple in colour, a little less dense than the reserve wine. On the nose it has a fresh note of juniper berries, while in the mouth
its initially surprising smoothness is followed by the characteristic tannin “kick”. Overall, an engaging wine that’s quick to reveal its bouquet. Like its reserve
counterpart, Bursôn Etichetta Nera is fermented in temperature-controlled vats for at least 10 days with frequent pumping over the caps, followed by 18 months’
ageing in special tonneaux made from three types of wood. Serving temperature 18-20°C. Recommended pairings: white meats.
carlo zauli
immagini: archivio tenuta
uccellina
Ghineo _ Sangiovese di Romagna Superiore DOC Riserva 2009 _ Uve/Grapes 100% Sangiovese
Ricavato dall’omonimo vitigno secondo pratiche tradizionali che si tramandano per via familiare, mostra un colore rubino con vivaci sfumature violacee. I suoi
sentori di viola preludono ad un gusto asciutto e sapido. Fermenta con lieviti selezionati subendo sei rimontaggi al giorno e viene affinato in recipienti d’acciaio
per sei mesi, prima di affrontare l’invecchiamento in botti di rovere. Temperatura di servizio 18-20 °C. Il Ghineo si rivela particolarmente adatto ad essere gustato
con gli arrosti e le carni rosse in generale.
Produced from the grape of the same name using traditional methods passed from generation to generation, Ghineo is a ruby-red wine with lively purple highlights.
Its lean, tangy flavour is preceded by notes of violet. Fermented with selected yeasts and pumped over the caps six times a day before 6 months’ maturing in inox
tanks, followed by ageing in oak casks. Serving temperature 18-20°C. Ghineo goes particularly well with roasts and all red meats.
[22
23]
V itigni blas o nati , ritr o vati e anc o ra d a risc o prir e
Dalla metà degli anni Ottanta, Alberto Rusticali porta avanti con caparbietà la propria personale
visione di vitivinicoltura.
Questa lo ha condotto negli ultimi anni ad affiancare alle
tradizionali produzioni DOC e DOCG di Bertinoro (vedi ee
n. 16), come Sangiovese ed Albana, la sperimentazione
su alcuni antichi vitigni di cui si era persa, se non
la memoria, quantomeno la pratica. Oggi la tenuta
comprende circa sette ettari di terreno vitato distribuiti
tra le colline di Bertinoro e la piana ravennate. Da questi
ultimi, situati nei dintorni di Bagnacavallo (vedi ee n. 19),
si è sviluppata la prima sfida che ha impegnato Rusticali,
guidato dal raffinato enologo Sergio Ragazzini, all’attiva
collaborazione finalizzata al rientro in pompa magna nei
salotti buoni enologici del Bursôn. Vino oggi nuovamente
celebrato per la sua corposità, che si ottiene dalle uve
denominate Longanesi in onore di Antonio Longanesi.
Soprannominato per l’appunto Bursôn, egli riuscì, negli
anni Cinquanta, a moltiplicare una vite selvatica ottenendo
per primo questo vino capace di raggiungere i 14 gradi,
risultato sbalorditivo per quella zona di coltivazione.
I
Sensi
Per onorare degnamente il suo ritorno, ad ogni
vendemmia la Cantina imbottiglia in magnum una
serie limitata di Bursôn etichetta rossa “vestita” da una
xilografia originale realizzata dall’artista multidisciplinare
di origine romagnola Umberto Giovannini. L’attenzione
della Cantina si concentra anche su altri vitigni rari. Tra
questi, il Famoso, che a dispetto del suo nome ha subito,
a causa della sua aromaticità un tempo considerata
eccessiva, un secolo di contrazione che lo ha portato
al limite dell’estinzione e dalle cui uve nascono vini
caratterizzati da intensi aromi, simili a quelli del Moscato.
Il Canena, da cui si ottiene l’omonimo vino tradizionale
(non confondetelo con la Cagnina) caratterizzato da
un certo tasso zuccherino e il Fortana, su cui matura
un’uva che sviluppa poco grado alcolico e una spiccata
mineralità. La Tenuta Uccellina offre così il suo apporto
alla preservazione di un patrimonio tutto romagnolo di
aromi e di biodiversità spesso ancora “in cerca di autore”.
di
Romagna
il vino e l’uomo mi fanno pensare a due lottatori tra loro amici, che si combattono
senza tregua, e continuamente rifanno la pace. il vinto abbraccia sempre il vincitore.
charles baudelaire
Tenuta Uccellina
Vines of distinction: rediscovered for a new generation
Alberto Rusticali has been doggedly pursuing his own personal vision of winegrowing since the mid-1980s.
It’s a vision that in recent years has led him to extend his production from the traditional DOC and DOCG wines produced in Bertinoro (see ee
issue 16) like Sangiovese and Albana to experiment with older varieties of vine which, although not entirely forgotten in name, had no longer
been cultivated for some time. His estate now comprises seven hectares of vines, divided between the hills of Bertinoro and the Ravenna
plain. The latter parcel, on the outskirts of Bagnacavallo (see ee issue 19), was the scene of the latest challenge taken up by Rusticali, under
the expert guidance of oenologist Sergio Ragazzini. The mission: to rehabilitate Bursôn as a wine worthy of the finest cellars. Newly celebrated
for its full-bodied flavour, Bursôn is made from Longanesi grapes, named after Antonio Longanesi, known locally as Bursôn, the man who in
the 1950s succeeded in cultivating a wild grape that yielded a wine with an alcohol content of 14%: an amazing achievement for the zone
of cultivation. In honour of its return, at each harvest Uccellina produces a limited-edition magnum-bottled range of red-label Bursôn with
an original label design featuring a woodcut by the multi-talented Romagnol artist Umberto Giovannini. But Uccellina also has its sights set
on other rare grapes. Among these is Famoso, which despite its name gradually fell into disuse over the course of a century because it was
considered overly-aromatic. Now rescued from the edge of extinction, it yields an intensely-flavoured wine that’s similar to Muscat. Another
grape, Canena, makes a traditional wine of the same name (not to be confused with Cagnina) with a distinctively sweet twist. The Fortana
grape yields a wine that’s low in alcohol and high on minerality. All these wines are Tenuta Uccellina’s contribution to the preservation of a
cultural heritage and biodiversity that’s unique to Romagna – but whose value has yet to be fully recognized.
Enogastronomia
BEYOND SURFACE
AU DELA DE LA SURFACE
la cultura ha la virtù di abbellire un volto
più che il trucco e i cosmetici.
jean bousquet
tatiana tomasetta
immagini: archivio muky,
maurizio galimberti, ermes ricci
Muky
L a sign o ra d e lla c e ramica
2001 Usa - Afghanistan
“L’attacco su New York e Washington 11 - 09 - 2001”
[26
Nel ventre di
Manhattan mille cuori
morti fumano ancora.
Bombardieri americani
partono.
Terroristi si rintanano
sulle alture.
Inviano buste affrancate
con spore candide che
dilaniano i polmoni.
Trema il Creato.
Un’artista diventa un’icona quando, oltre al talento, è il personaggio,
il suo carisma e il suo cospetto, a contribuire al protagonismo di un territorio.
Quando un’esistenza essenziale, espressione di una
personalità trascinante, determina la classe artistica di una
città, come nel caso dell’artista Muky, al secolo Wanda
Berasi, ceramista, poetessa, scrittrice, che a Faenza
arrivò intorno alla metà degli anni Cinquanta e qui si fermò,
diventando musa dell’Informale, contribuendo alla crescita
dell’identità culturale faentina, proteggendo l’arte della
ceramica e coloro che vi si dedicavano e consacrando
a queste “vocazioni” buona parte della sua esistenza. La
dimora della signora Muky in piazza II giugno a Faenza:
la Loggetta del Trentanove, ha ospitato i più grandi pittori,
scrittori e personaggi dello spettacolo e della cultura. Un
salotto culturale che dal secolo scorso ad oggi mantiene
vivo il confronto tra gli artisti della città manfreda e non, che
ha per cornice uno degli edifici neoclassici più prestigiosi
per il Settecento faentino, il cui nome deriva da quello del
plasticatore Antonio Trentanove. Artista che fra il 1775 ed il
1780 ultimò le quattro grandi statue in stucco che ornano
le nicchie del porticato pensile. Ornata da ampie vetrate,
la Loggetta è ben visibile anche dall’esterno e rappresenta
un angolo unico che rimanda alla identità dei luoghi
I
Sensi
dell’arte ma anche alla privacy artistica della proprietaria.
Tuttora aperta al pubblico per mostre ed eventi culturali, la
Loggetta espone anche le opere della padrona di casa,
che decorano le pareti e gli spazi. Tra questi i celebri piatti
bianchi della Muky, simili a pagine candide di un taccuino
su cui lasciare un autografo. Tali piatti monocromatici
sono fregiati dalle firme dei grandi artisti passati da
qui: Ruggero Orlando, Alberto Bevilacqua, Enzo Biagi,
Severo Pozzati, César, Vittorio Sgarbi, solo per citarne
alcuni, e raccontano la storia dei cenacoli intellettuali che
si sono tenuti tra queste mura. A differenza di ciò che ci
si aspetterebbe considerando il profondo rapporto che
lega Muky a questa terra, la signora della ceramica non
è romagnola, nacque bensì a Trento nel 1926. Iniziò a
dipingere giovanissima nell’ambito della Scuola Romana,
conobbe e frequentò gli artisti più rappresentativi del suo
tempo. Dopo aver vissuto ed esposto tra l’estero e Roma,
arrivò infine a Faenza. Non gli studi, ma l’amore fece sì che
questa giovane artista si fermasse nella città romagnola;
un grande amore durato una vita, vissuto con lo scultore
faentino Domenico Matteucci.
di
Romagna
“Ero giovane, acuta, precisa, tutte cose che vanno bene
per le discipline, perché l’arte è anche mestiere - racconta
di sé Muky in un’intervista concessa all’architetto Franco
Bertoni - facevo i bamboccini con la mollica del pane,
ho iniziato a disegnare, poi ho pensato di andare a
Roma all’Accademia Tedesca Villa Massimo, insieme ai
grandi artisti. Era il tempo di Mazzacurati, di Leoncillo, di
Guttuso, che riempiva i salotti romani con la sua pittura
forte, illustrativa e popolare. Questi sono stati i miei
maestri - afferma l’artista che divideva lo studio con lo
scultore Leoncillo e racconta - Usavamo i forni elettrici,
con le resistenze che si bruciavano di continuo e dovevo
cambiarle frequentemente, ma sapevo fare anche queste
cose”. A partire dal 1955, Muky frequenta lo studio ceramico
di uno scultore di ampia fama locale, l’artista Domenico
Matteucci. “A Faenza venni in treno per vedere la scuola
d’arte e in viaggio incontrai il dottor Bruno Marabini, che mi
parlò di questo grande artista che era Matteucci, una volta
arrivati mi accompagnò in via Mameli dove Matteucci
aveva lo studio, uno studio nero, affumicato, con le fascine
di legna per terra e i topolini che giravano dappertutto.
Dopo aver iniziato a frequentare l’Istituto d’Arte, per una
ricerca, fui convocata dal direttore, che mi redarguì perché
indossavo i pantaloni jeans. Chiesi a Domenico se potevo
stare nel suo studio ed egli mi rispose che potevo fare ciò
che mi pareva, nacque così lo studio Muky - Domenico
Matteucci. Lui era molto silenzioso – continua l’artista – i
clienti venivano nello studio e chiedevano se potevano
avere un’opera. Domenico rispondeva di sì ma intendeva
tra un anno, tre anni, dieci anni. Pensavo io a creare i pezzi
e lui diceva sempre che ero bravissima. Ero innamorata del
cervello di Domenico. Io facevo cose che sapevo sarebbero
piaciute ai faentini, lui invece pensava alla realizzazione
di grandi composizioni, i monumenti, le pale d’altare.
Arte
27]
of this great artist named Matteucci. When we arrived in Faenza he
accompanied me to via Mameli, where Matteucci had his studio. It was
a dark, smoke-blackened studio, with bundles of wood on the floor and
mice running around all over the place. After I began attending classes
at the art school I was summoned before the then-director, who threw
me out for wearing jeans trousers. I asked Domenico if I could stay
in his studio, and he told me I could do what I liked. Matteucci was
a very silent person,” Muky remembers. “Clients would come to the
studio asking for one of his works. He would answer yes, but by that
he meant in a year’s time – or in three years’, or ten years’ time.
I was in charge of firing the pieces, something he always said I did
very well. I was in love with Domenico’s mind. I used to make things
I knew people in Faenza would like, but he was more interested in
large compositions, monuments, altarpieces. He’d make things and
remake them, he might spend a month on a work and then completely
take it apart. He wanted to get to the soul of things. Because, quite
simply, he was a poet. It took him eight years to do my portrait.”
Domenico Matteucci died in Faenza in 1991. His lifelong companion
keeps his memory alive today. Original as ever, Muky continues to
energize the local art scene. As an indefatigable champion of culture,
she has organized scores of exhibitions. Muky has exhibited her own
work in hundreds of galleries and museums, and has also published
eight books of poetry. She has won several prizes in Italy and abroad,
and is primarily involved in the creation of multimedia installations
where ceramics play a central role. Muky has always been generous in
donating her work to museums: an eloquent expression of the noble
outlook of an artist who has remained faithful to an idea of art which
depends on shared enjoyment for its fulfilment.
l’esperienz
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ter
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29]
n
e.
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pa
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ve
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se
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s
e
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n
co
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a
l
It takes its name from the stuccatore Antonio Trentanove, who from
1775 to 1780 created the four large stucco statues that adorn the niches
of the building’s upper gallery or loggetta. With its large windows,
the Loggetta is clearly visible from the piazza. It’s a unique building
which not only exudes a spirit of art but also embodies the tastes
peculiar to its occupant. Open to the public for exhibitions and cultural
events, the Loggetta is also decorated with Muky’s own works. Among
these are her famous white plates, reminiscent of the white pages
of a visitor’s book. And just like a visitor’s book, they’re embellished
with signatures: of all the artists and writers who have visited Muky’s
residence, figures such as Ruggero Orlando, Alberto Bevilacqua, Enzo
Biagi, Severo Pozzati, César and Vittorio Sgarbi, to name just a few –
names that testify to the rich intellectual ferment these walls have
contained. Contrary to what we might expect in a woman with such a
strong bond of affection to Faenza, Muky is not a native of Romagna.
She was born in Trento in 1926. She began painting while a student of
ceramics in Rome, where she met and frequented some of the leading
artists of the time. After living abroad and in Rome, she finally came
to Faenza. However, it wasn’t her studies that kept the young artist in
Faenza, but love: a love affair that lasted a lifetime, with the Faenzaborn sculptor Domenico Matteucci. “I was young, sharp, diligent – all
the things you need to learn the trade, for art is a profession too,”
Muky remembered in an interview with the architect Franco Bertoni.
“I made figurines out of moistened breadcrumbs, then I began drawing,
then I decided to go to the Accademia Tedesca Villa Massimo in Rome
to be beside the big artists. It was the time of Mazzacurati, Guttuso,
who filled the Roman exhibition rooms with his vividly figurative
paintings. They were my teachers.” In her Roman period, Muky shared
a studio with a sculptor named Leoncillo. “We used electric ovens that
were always burning out and so I had to change them constantly. But
I knew how to do these things too.” In 1955, Muky began frequenting
the studio of an artist with a strong local reputation, the sculptor
Domenico Matteucci. “I took a train to Faenza to see the town’s art
school, and during the journey I met Bruno Marabini, who told me
Muky
First lady of ceramics
Creava e ricreava, poteva passare un mese su un’opera
e poi disfarla completamente, voleva cogliere l’anima di
tutto, perché, semplicemente, era un poeta”. Per fare il
ritratto della Muky ci mise otto anni. Domenico Matteucci
muore a Faenza nel 1991 e la sua compagna Muky
continua tutt’oggi a portare avanti il ricordo dell’Artista.
Questa originalissima signora seguita, infatti, ad animare
la dimensione culturale di Faenza, confermandosi una
promotrice culturale infaticabile, capace di organizzare
decine di mostre. Lei stessa ha esposto in numerose
gallerie e musei, ha editato otto libri di poesia ed è stata
insignita di molti prestigiosi premi in Italia e all’estero,
sempre volgendo il suo interesse alla creazione di
installazioni multimateriche in cui la ceramica svolge
un ruolo centrale. È nota la sua propensione a donare
le proprie opere ai musei; eloquente espressione della
mentalità nobile di un’artista fedele ad un’idea di Arte che
non può prescindere dalla sua stessa condivisione.
I
Sensi
“Il mio amante è il sole”
An artist achieves iconic status when not only
her talent but her personality, charisma and
presence lend prestige to the place that’s
associated with her.
Or when her way of being, the magnetism of her personality, determine
the whole artistic temperament of a place. This is the case of the
artist Muky Vajolet (born Wanda Berasi), a ceramist, poet and writer
who arrived in Faenza in the mid-1950s and has never left. One of
the muses of Informalism, she has made an invaluable contribution
to the growth of Faenza’s cultural identity, fought to protect the
ceramic arts and those who dedicate their lives to them, and devoted
much of her own life to her many callings. Muky’s home in piazza
II Giugno, Faenza is the Loggetta del Trentanove, a place which has
played host to some of the greatest painters, writers and figures from
the world of the performing arts and culture. A salon that even today
continues to keep dialogue alive among the artists of Faenza and
further afield. The Loggetta is an 18th-century building that’s one of
the most prestigious examples of neoclassical architecture in Faenza.
di
Romagna
esposto al mart di rovereto
con altre 15 opere
(dicembre 2012)
ritratto di muky
di domenico matteucci
Arte
Nicola Samorì:
Arte come rifugio
T ra immagini “ risv e gliat e ” d al l o r o s o nn o
bi d im e nsi o nal e e scultur e mutilat e
immagini: archivio nicola samorì
Per esprimere la propria poetica, Samorì parte dalle immagini derivate dalla storia della
cultura occidentale che i più assimilano all’immaginario generico di Arte per “scaraventarle”
agli antipodi della loro originaria estetica d’appartenenza.
Come ben evidenzia il critico e curatore Alberto Zanchetta,
l’Artista riesce dunque a invertire il déjà vu, che suscitano
certi ritratti puristi talmente ripetitivi da confondersi tra loro,
in un jamais vu, ossia un “mai visto” prima, attraverso un
complesso processo di alterazione che la porta a divenire
altra da a sé, disancorandola totalmente dal contesto
passato in cui è nata. Questo giovane artista forlivese,
classe 1977, uscito nel 2004 dall’Accademia di Belle Arti di
Bologna, ha già alle spalle un nutrito numero di collettive
e gli sono state dedicate esposizioni personali, oltre che
in Italia, in Germania, Stati Uniti ed Australia. Segno di
come le nuove figure che Samorì riesce ad ottenere da
quelle iniziali cannibalizzate possiedano un magnetismo
spiazzante e trasversale. Spingendo l’immagine verso
la sua estinzione, secondo l’Artista in essa s’imprime
una forma di bellezza estenuata, al limite. Il motore di
questo processo artistico è la paura. Paura per la natura
I
Sensi
fragile e disgraziata cui appartiene l’essere umano.
Espletata, per sua stessa ammissione, attingendo alla
ritualità che affonda nelle sue origini contadine, quando
nutrire e consumare creature era abituale e necessario.
Violando la formalità di una precisa iconografia dell’arte
pittorica e plastica, riesce così ad evocare una nuova
vitalità. Processo, questo, non privo di drammaticità, in
quanto presuppone una forte empatia dell’Artista con
l’immagine primaria a cui egli dà forma, che degenera
poi nell’accanimento con cui finisce per “profanarla”.
I colpi di spatola inferti alla tela fino a scoprirne i “nervi”
del legno retrostante, la sovrapposizione di strati di tessuti,
lattice e plastiche, la rimozione chirurgica di porzioni
mirate (talvolta ingenti) dell’immagine, la mutilazione delle
sculture simboleggiano sempre un cosciente tradimento
della tradizione a favore di una risorta irruenza semantica
del linguaggio artistico. Qualcosa di diretto e dirompente.
di
Romagna
In expressing his poetic vision, Nicola Samorì
delves into the history of Western art and its
“conventional” images, only to transmute them
to the antithesis of their original aesthetic.
As the art critic and curator Alberto Zanchetta rightly points out, in
doing so Samorì inverts the déjà vu of images so repetitive as to be
indistinguishable from one another into a jamais vu, something we’ve
“never seen” before, via a complex process of alteration which makes
an image something other than itself, totally detaching it from the
historical context in which it came into being. Nicola Samorì was born in
Forlì in 1977 and graduated from the Accademia di Belle Arti in Bologna
in 2004. His works have already been on show in many collective
exhibitions, and have also been featured in one-man exhibitions in
Italy, Germany, the United States and Australia. Success like this is
indicative of how the new images Samorì obtains from his cannibalized
originals have an unsettling magnetism that’s all their own. Pushing the
image towards its own destruction, in Samorì’s view, achieves a kind
of extenuated, limit-state beauty. The driving force behind this artistic
process is fear: fear for the fragile and wretched nature of the human
condition. On his own admission, Samorì gets over this fear by finding
inspiration in a ritual act whose roots strikes deep into his peasant
origins, when raising animals just to slaughter them was as customary
as it was necessary. By violating the formal integrity of a well-defined
artistic iconography, Samorì gives his images renewed vitality. It’s a
process that’s not without a degree of performance, in that it requires
the artist to strongly empathize with the original image – the better to
tear it apart and “desecrate” it. Samorì slashes his canvases with his
spatula until the “nerves” of the underlying panel show through, the
superimposed layers of fabric, latex and plastic; he surgically removes
certain (often enormous) portions of the image, mutilates his sculptures:
gestures which symbolize a conscious betrayal of tradition in favour of
a revitalized semantic impetuosity of the language of art. The result is
something direct and disruptive in its impact. The skilfully contrived
opposite of the idea of Art as decoration for well-to-do living rooms.
In Samorì’s own words: “The resulting images are crisp and essential,
and exude a sense of surface convulsion that challenges their formal
serenity.” This convulsion has the effect of lifting Samorì’s pictures out
of their two-dimensionality, cutting them loose from their backgrounds
to take the observer by storm; in the sculptures, the material seems to
experience its very own tragedy. There’s no social message in all this,
no moral crusade. Just an alarm call sounded by an artist who refuses
to assimilate the crushing implications of human mortality. Maybe that’s
why Samorì makes room in the artistic dimension for a breathing space
where he can take refuge. In his case, after “assassinating” an Old Master.
non c’è via più sicura per evadere dal mondo, che l’arte;
ma non c’è legame più sicuro con esso che l’arte.
johann wolfgang goethe
tommaso attendelli
[30
Nicola Samorì: art as refuge
From images “awakened” from their two-dimensional
slumber to… mutilated sculptures
L’inverso, consapevolmente cercato, dell’idea
di Arte come tappezzeria da salotto buono. Con
parole sue: “Le immagini derivate, essenziali e
decise, emanano una convulsione pittorica di
superficie che sfida la loro serenità formale”.
Una convulsione che porta le opere pittoriche
di Samorì ad “uscire” dalla bidimensionalità,
abbandonando lo sfondo per dare l’“assalto”
all’osser vatore e quelle scultoree quasi a
vivere di tragedie proprie. Nessun messaggio
sociale in tutto ciò, nessuna denuncia morale.
Solo l’allarme lanciato da un artista che non
si rassegna ad assimilare le schiaccianti
implicazioni della caducità umana. Forse per
questo Samorì individua nella dimensione
artistica uno spazio d’agio in cui rifugiarsi. Nel
suo caso, dopo aver “assassinato” un capolavoro.
Arte
31]
[0 4] TERRITORIO
Le Marmitte dei Giganti _ a sarsina, un parco tutela questi pittoreschi fenomeni erosivi
Cauldrons of the giants _ a park in sarsina dedicated to a fascinating natural phenomenon
Sto ri e d i Cus e rco li _ u n p a es e i n cu i co n f l u is co n o s to r i ci tà e su g g es t i o n i
Tal es f r o m Cus e rco li _ v i l l a g e o f co n t ra s t s
Periodico edito da
Cerindustries SpA
4 8 0 14 C a s t e l B o l o g n e s e ( R A ) I T A LY
v i a E m i l i a Po n e n te, 10 0 0
w w w.c e r d o m u s .c o m
w w w.c e r d o m u s . n e t
Direttore responsabile
Raf faella Agostini
Direttore editoriale
Luca Biancini
Progetto
Carlo Zauli
Luca Biancini
[08] STORIA
L a Fr eccia d i Fa e n z a _ f ra n ces co l a m a: i n d i m e n t i ca to ce n ta u ro ro m a g n o l o
T h e A rr ow o f Fa e n z a _ f ra n ces co l a m a: a n u n fo rg o t te n ro m a g n a h e ro
Ecce M usicalia _ i l m us e o d i m usi ca m e cca n i ca a v i l l a si l v i a - ca rd u cci
M usicalia _ t h e m us e u m o f m e ch a n i ca l m usi c i n v i l l a si l v i a - ca rd u cci
C amminar e sullo spl e n d o r e _ l a d o m us d e i ta p p e t i d i p i e t ra
Walking on wonder _ t h e d o m us o f t h e s to n e ca r p e t s
[16] PASSIO NI
[32
Suoni prodotti dalla terra _ ceramiche fischianti: tra culto propiziatorio e rito di passaggio
S inging ce ramics: _ p ro p i t i a to r y cu l t a n d r i tes o f p as s a g e
L a t e r z a d im e nsi o n e d e lla carta _ m as si m o m is si ro l i, m a es t ro d e l p o p - u p
Pap e r: t h e t h ir d d im e nsi o n _ m as si m o m is si ro l i, m as te r o f t h e p o p - u p
[20] EN OGASTRO N O MIA
Pan e d i b o sco _ i m a r ro n i d i cas te l d e l r i o
B r e a d f r o m t h e wo o d s _ t h e ch es t n u t s o f cas te l d e l r i o
T e nuta U cce llina _ v i t i g n i b l as o n a t i, r i t rova t i e a n co ra d a r is co p r i re
T e nuta U cce llina _ v i n es o f d is t i n c t i o n: re d is cove re d fo r a n ew g e n e ra t i o n
Grafica e impaginazione
Laura Zavalloni – Cambiamenti
per Divisione immagine Cerdomus
Coordinamento editoriale
Alessandro Antonelli
Redazione
To m m a s o A t t e n d e l l i
Franco De Pisis
Italo Graziani
Paolo Martini
Alba Pirini
Manlio Rastoni
Ta t i a n a To m a s e t t a
Carlo Zauli
Foto
Archivio AMMI
Archivio Comune di Castel Del Rio
Archivio Comune di Ravenna
A rchivio Fabiano Spor telli
Archivio Manlio Rastoni
Archivio Massimo Missiroli
Archivio Nicola Samorì
A rchivio Provincia di Forlì- Cesena
Archivio Wanda Berasi
Stefano Calamelli
Der vis Castellucci
Gianpaolo Bernabini
Daniele Ferroni
Maurizio Galimberti
Ermes Ricci
Si ringraziano
APT Rimini
Associazione AMMI
Wanda Berasi
Comune di Ravenna
Gianpaolo Bernabini
Alberto Capacci
Emiliano Ceredi
Daniele Ferroni
Umberto Giovannini
Massimo Missiroli
Provincia di Forlì- Cesena
Pro Loco Chiusa d’Ercole
Nicola Samorì
Fabiano Spor telli
Si ringrazia per la preziosa collaborazione
Maddalena Becca / Divisione immagine Cerdomus
Tr a d u z i o n i
Tr a d u c o , L u g o
[26] ARTE
Stampa
FA E N Z A I n d u s t r i e G r a f i c h e
M u k Y _ l a si g n o ra d e l l a ce ra m i ca
M u k y _ f i r s t l a d y o f ce ra m i c s
© Cerindustries SpA
Tu t t i i d i r i t t i r i s e r v a t i
N ico la S am o r ì: A rt e co m e ri f ugi o _ t ra i m m a g i n i “r isve g l i a te” d a l l o ro s o n n o
b i d i m e nsi o n a l e e s cu l t u re m u t i l a te
N ico la S am o r ì: art as r e f ug e _ f ro m i m a g es “a wa ke n e d” f ro m t h e i r t wo d i m e n si o n a l sl u m b e r to… m u t i l a te d s cu l p t u res
I
Sensi
di
Romagna
A u t o r i z z a z i o n e d e l Tr i b u n a l e d i R a v e n n a
nr. 1173 d el 19/12 / 2 0 01 (co n var ia z io n e iscr i t ta in d a ta 11/ 0 5/ 2 010)