Untitled - Icastica

Director Direction by
Fabio Migliorati
Con l'adesione di With the support of
Giorgio Napolitano
Presidente della Repubblica italiana
Con il Patrocinio di Patronage by
Ministero Affari Esteri
MIBAC - Ministero per i Beni e le Attività Culturali
Regione Toscana
Provincia di Arezzo
Enti promotori Promoter by
Comune di Arezzo
Soprintendenza BAPSAE
Camera di Commercio - Industria Artigianato e Agricoltura di Arezzo
Fondazione Guido d'Arezzo
Comitato scientifico Scientific Committee
Marco Bazzini - Centro Pecci, Prato
Maria Grazia Bellisario - MIBAC, Roma
Laura Cherubini - MADRE, Napoli / Belle Arti Academy, Milano
Maria Vittoria Marini Clarelli - GNAM, Roma
Micol Forti - Contemporary Section of Musei Vaticani, Roma
Michele Loffredo - Museum of Casa Vasari, Arezzo
Pasquale Giuseppe Macrì (coordinator) - Councilor for Culture Departement, Arezzo
Anna Mattirolo - MAXXI, Roma
Fabio Migliorati (president) - Exhibition Activities of Municipality, Arezzo
Franziska Nori - Strozzina, Firenze
Mario Perniola - University of Roma, Roma
Paola Refice - National Museum Medieval and Modern Art, Arezzo
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Comitato d'onore Committee of Honor
Agostino Bureca
Giuseppe Fanfani
Riccardo Fontana
Liliana Elisabetta Fornasari
Carlo Pedini
Andrea Pessina
Roberto Vasai
Indoor spaces
Galleria Comunale d’Arte Contemporanea
Museo Nazionale d’Arte Medievale e Moderna
Museo Archeologico Mecenate
Museo di Casa Vasari
Basilica di S. Francesco
Basilica di S. Domenico
Urban Center
Museo Ivan Bruschi
Casa delle Culture
Palazzo Chianini-Vincenzi
Palazzo dei Priori
Sala S. Ignazio
Chiesa dei S.S. Lorentino e Pergentino
Main Sponsor
Banca Etruria
Coordination
Comune di Arezzo - Ufficio Cultura
Collaboration
Fondazione Guido d'Arezzo
Media Coordination
Comune di Arezzo - Ufficio Stampa
Media relations
Tiziana Rocca Comunicazione
Media Partners
Repubblica.it
Sky Arte
International relations
Paivi Tirkkonen
Comitato sostenitore Substainer Committee
Asia Argento
Marina Cicogna
Anselma Dell’Olio
Maria Pia Fanfani
Carla Fendi
Carla Fracci
Lamia Kashoggi
Marta Marzotto
Andrée Ruth Shammah
Luciana Savignano
Graphic design and editing
ShapeADV, Roma
Translations into English edited by
Angela Arnone
Edition
Maretti Editore
Exhibition graphics
Tenzi
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Testi Texts
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Giuseppe Fanfani
Pasquale Giuseppe Macrì
Fabio Migliorati
Tatiana Akhmetgalieva
Margherita Fava
Amy Cheung
Remen Chopra
Francesca Alfano Miglietti
Stephen J. Foster
Marina Dacci
Marya Kazoun
Peter Frank
Liina Siib
Viana Conti
Nicola Mariani
J.J. Charlesworth
Nina Papaconstantinou
Clarissa Pinkola Estés
Achille Bonito Oliva
Raeda Sa'adeh
Ghila Limon
Timo Valjakka
Andrée Weschler
Paivi Tirkkonen
Photography and videography works
Ela Bialkowska
Alvaro Corzo
Andrea Fondelli
Stefan Hugentobler
Kevin Mazur
©_O'Mara_Mc Bride
Anita Vozza
Lenders
Aria Art Gallery
Barjeel Art Foundation
Continua Gallery
Franco Soffiantino Contemporary Art
Galica Gallery
Israel Embassy
Italia-India Association
Kalfayan Galleries
Kaufmann Repetto Gallery
KSd/cGr Art Profilers
Lia Rumma Gallery
Michela Rizzo Gallery
Mimmo Scognamiglio Contemporary Art
MK Search Art
National Arts Council of Singapore
OffiCina Beijing
Officine dell'Immagine Gallery
Primo Marella Gallery
Prince of Wales Hospital of Hong Kong
Rarity Gallery
Sharjah Art Foundation
Singapore International Foundation
The Chinese University of Hong Kong
1/9 Unosunove Contemporary Art
Z2O Gallery
Transport
Apice Milano Srl
Technical intervention
Comune di Arezzo, Ufficio Manutenzione
Mechanics
AZ Inox Srl
Insurance
Photography artists
Marina Abramovic: ©ORE Cultura S.r.l. and ©Laura Ferrari
Tamara Ferioli: Annalisa Pirovano
Mona Hatoum: Joe Kesrouani © 2010
Monali Meher: Monali Meher
Yoko Ono: Kevin Mazur
Liina Siib: Reimo Võsa-Tangsoo
Jennifer White Kuri: Vici Cano-Mooradian
Yin Xiuzhen: Jim Rake
XL Insurance, Company Limited, Milano
Awards
Argenterie Giovanni Raspini SpA
Staff
Cooperativa Sociale Futura, Arezzo
Security
Telecontrol SpA, Arezzo
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Ci sono molti modi per amministrare una città… Icastica ne rappresenta uno diverso e originale.
Puntiamo sull’arte, sulla qualità, sulla creatività - nel momento più buio dei Comuni italiani: quando la
crisi economica costringe a tagliare e a ripiegare; quando parlare di cultura espone all’accusa,
incredibile, di sprecare risorse pubbliche; quando ogni scelta di valorizzazione del "nuovo" viene
immediatamente criticata. Il Comune di Arezzo ha fatto una scelta coraggiosa e controcorrente.
Di questo devo dare atto all’assessore Pasquale Giuseppe Macrì e al Direttore per le Attività Espositive
Fabio Migliorati.
Icastica è una splendida provocazione! Lunghi anni di crisi espongono, infatti, al rischio di derive o
stasi della ragione. Icastica prova a risvegliare tutti noi. Ci impone di fare letteralmente i conti con la
Cultura, e di decidere se essa rappresenta davvero la pedana sulla quale salire per vedere il futuro.
Non lo scriviamo in un documento, ma lo pratichiamo in strade, piazze, palazzi. Trasformiamo la nostra
città in un'elettrizzante mostra vivente che l’attraversa: 20 luoghi in un percorso di oltre 4 chilometri.
Una scossa che ha due poli: l’arte contemporanea e il femminile. Quasi tre mesi di eventi capaci di
rendere la nostra città ancora più bella e attraente, grazie alle artiste che hanno accettato di lavorare
con noi. Sarà anche merito loro se riusciremo a immaginare e costruire un futuro migliore, nel quale la
parola "cultura" sarà tra le prime nel vocabolario del vivere quotidiano.
SINDACO DI AREZZO
Avv.
Giuseppe Fanfani
THE MAYOR OF AREZZO
There are many ways to manage a city and Icastica represents a different and original way. We focus
on art, quality, creativity - in the darkest moment for Italian Municipalities: when the economic crisis is
forcing us to cut and withdraw; when talking about culture exposes you to the incredible accusation of
wasting public moneys; when choices aimed at enhancing the "new" are immediately criticized.
The Municipality of Arezzo has made a courageous, non-conformist decision. I must give credit for this
to the Assessor Pasquale Giuseppe Macri and the Director for the art exhibition, Fabio Migliorati.
Icastica is a wonderful provocation! Years of crisis potentially expose us all to the “sleep of reason”
(or at least to a ‘half-sleep’ of reason). Icastica attempts to awaken us all. It literally requires us to deal
with Culture, and to decide if Culture is really the platform to climb to be able to see the future. We
haven’t only written this in a document, we practice this in streets, city squares and buildings. We
transform our city into an electrifying live exhibition that crosses 20 locations spread out on a 4+
kilometers itinerary.
A jiggle with two poles: contemporary art and the feminine. Almost three months of events that are able
to make our city even more beautiful and attractive, thanks to the artists who have agreed to work with
us. It will also be thanks to them if we will succeed to imagine and build a better future, in which the
word "culture" will be amongst the leading words in our everyday life vocab.
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A ciò corrisponde la produzione di nuovi e plurali linguaggi artistici, dalla fotografia alla videoart,
PLURALE ILLIMITATO
dalla land art alla street-art, dalla body art alla performance, linguaggi che, se da un lato hanno
Dall’ideazione del velo di Maja che evidenziò l'incolmabile separazione tra la verità delle cose in sé e la
impedito di circoscrivere il significato dell’arte ad un’esperienza esclusiva, dall’altro hanno dispiegato
rappresentazione che se ne fa, si è resa necessaria un’Icastica, ovvero una riflessione sul modo
innumerevoli possibilità di interrogare il volto profondo della realtà, senza mai disvelare il suo enigma.
corretto o sulla stessa possibilità di squarciare quel velo e di stabilire un contatto, un ponte tra
L’arte così si propone come modo indipendente e libero di cogliere significati e di far emergere
rappresentazione e verità. La necessità di un’icastica risulta tanto più urgente nel momento in cui la più
senso, senza pretendere che questo possa essere tale erga omnes. L'arte performativa nello
grande parte delle espressioni artistiche del Novecento si sono variamente orientate tanto da
scendere verso la terra ri/assume la caratteristica del depotenziamento temporale e materiale. Gran
vanificarne ogni tentativo di classificazione estetica e storiografica. L'arte si è allontanata da ogni
parte delle opere che il visitatore di ICASTICA 2013 potrà esaminare conserveranno la loro forma
preteso o ipotizzabile Assoluto, ha trasceso e frantumato ogni prospettiva metafisica in vigoroso
sino al termine della manifestazione, quando si trasformeranno o meglio torneranno ad assumere le
parallelismo con le filosofie contemporane che, dal nietzschiano monito "siate fedeli alla terra", hanno
coordinate spazio-temporali della res derelicta. Le grandi ali d'uccello dispiegate tra Palazzo della
proceduto alla dispersione delle coordinate fondamentali entro le quali l'Occidente aveva collocato il
Provincia e il Municipio di Arezzo dall'atto creativo di Kaarina Kaikkonen erano prima di quell'atto
senso dell'Essere e della vita di ogni individuo, costringendo quest'ultimo a nuotare nell'enigma,
camicie indossate da centinaia di cittadini aretini e, dopo il 1 settembre 2013, torneranno ad essere
nell'incertezza, nella frammentarietà dell'esistenza e nella molteplicità delle verità. In questo oceano,
solo camicie vecchie e ancor più usate. Parimenti, le grandi accumulazioni di libri create da Alicia
bellezza, armonia, misura, plasticità, euritmia divengono isole illusorie, fragili appigli per percorrere solo
Martin saranno sottratte per solo tre mesi dalla macerazione cui li ha destinati il disinteresse
brevi tratti dell'esistenza.
collettivo, dopo la loro stessa produzione.
COMUNE DI AREZZO, ASSESSORE ALLA CULTURA E AL TURISMO
Prof.
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Pasquale Giuseppe Macrì
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MUNICIPALITY OF AREZZO,
COUNCILOR FOR CULTURE AND TOURISM DEPARTEMENT
UNLIMITED PLURAL
The production of a plurality of new artistic languages coincides with this. From photography to
video art, land art, street art, body art, performance art, all languages on one hand preventing the
Eikastics are rendered necessary by the concept of the veil of Maya, which showed the unbridgeable
limitation of the meaning of art to an exclusive experience, while deploying countless opportunities
divide between the truth of things in themselves and the representation of them. In other words we
for questioning the profound face of reality without ever solving its enigma. In this way, art stands
needed a reflection on the proper way or even the prospect of rending that veil and establishing contact,
as a free, independent way to grasp meanings and bring forth sense, without expecting it to be
a bridge between truth and representation. The need for Eikastics becomes even more urgent at a time
erga omnes at all costs. Performance art, in coming down to Earth (re)acquires a characteristic of
when most 20th-century artistic expressions are variously oriented to the point that any attempt for
temporal and material weakening. Most of the works that the visitor to ICASTICA 2013 can view
aesthetic and historiographical classification is defeated. Art has distanced itself from any purported or
will retain their form until the end of the event, when they will transform, or rather once again
conceivable absolute, transcended and shattered every metaphysical perspective in vigorous parallelism
acquire the space-time coordinates of the res derelicta. The enormous bird wings spanning from
with contemporary philosophies which – from Nietzsche’s admonition to be faithful to the Earth –
Arezzo’s provincial authority offices to its municipal offices are a creative action by Kaarina
proceeded to disperse the fundamental coordinates within which the West had placed the sense of
Kaikkonen, but before that they were shirts worn by hundreds of citizens, and after 1 September
Being and of life of every individual, forcing the latter to swim in enigma, in uncertainty, in the
2013, they will just old (even older) shirts again. Similarly, the large heaps of books created by
fragmentation of existence and the multiplicity of truths. In this ocean, beauty, harmony, measure,
Alicia Martín will have a three-month reprieve before being pulped, a fate brought about by
plasticity, eurhythmy, become illusory islands, fragile footholds for only short sections of existence.
collective disinterest after their production.
La riflessione filosofica contemporanea si è calata in questo orizzonte proteiforme e continuamente
libertà dell’opera d’arte, la quale non si concederà mai al dominio di uno schema fisso, restando
sfuggente per interrogarsi sulla specificità dell’esperienza estetica e sul portato di verità e di significato
continua domanda, provocazione, stimolo ad un’incessante ricerca.
che ne può ancora derivare. Gli artisti non parlano più un'unica lingua pentecostale, i linguaggi si sono
La riflessione estetica spesso trova nel corpo stesso dell'artista il proprio spazio creativo ed espositivo.
improvissamente differenziati, l'ago della bussola non segna più il Senso; si registra il dislocamento di
La performance di Anastasia Ax, per esempio, che si terrà presso l'Urban Center, vede l'artista rivestire
ogni orizzonte collettivo, di ogni visione che si propone impositiva. L'artista cerca, con forte tensione, di
lo spazio fisico che la circonda con superfici irregolari di carta bianca. Quando la superficie bianca
rappresentare il rappresentabile: non c’è il mondo con la sua verità e l’arte che la rappresenta ma la
della carta avrà avvolto tutto lo spazio, diventando rappresentazione dell'universo tutto, l'artista
verità del mondo che si estende alla creazione artistica, la quale, a sua volta, diventa estensione del
esploderà, danzando con il proprio corpo cosparso di vernice e lasciando che l'esplosione irrazionale
mondo: nell'opera d'arte accade la verità, si estende la realtà.
dei movimenti crei un transeunte monumento alla casualità ed all'indeterminatezza. L'artista libanese
Proprio la pluralità, numericamente indefinibile, delle possibili e realizzabili forme d’arte rende
Marya Kazoun usa tessuti che diventano forme a volte riconoscibili, a volte suggestive, altre volte prive
necessaria la ricerca di icasticità, non come criterio di interpretazione univoco ed atemporale ma come
di senso autonomo; tutte comunque acquistano senso dalla presenza del corpo dell'artista, che diviene
confronto con la verità in forma di enigma che, per quanto inconoscibile, necessita della riflessione
opera con la sua opera, condividendo con essa alcuni momenti della propria esistenza.
critica per essere almeno discussa. Un'icastica che non tende a proporsi come esplicitazione e
Con ICASTICA 2013, Arezzo riflette ovvero specchia la contemporaneità; si propone di indagare
tantomeno come interpretazione del contenuto, bensì si sviluppa in una dialettica negativa: sospende
l'assenza di limiti e di confini paludosi tra le varie espressioni dell'arte. ICASTICA è arte figurativa,
la risposta e lascia aperto l’enigma nell’incapacità di enunciarlo in maniera compiuta. Come risultato, la
performativa, speculativa; è musica, teatro, danza; è corpo, contemplazione, ascolto; è attesa: è enigma.
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Contemporary philosophical reflection has absorbed this proteiform and constantly fleeting horizon to
compromise with the dominion of a fixed schema, and remains an on-going question, provocation,
question the specificity of the aesthetic experience and the consequent truth and meaning that can still
incitement to an unending quest.
be achieved. Artists do not speak a single Pentecostal tongue; there has been a sudden differentiation in
Aesthetic reflection often finds its own creative and exhibition space in the artist’s own body. In
languages, the compass needle no longer points to the direction. The displacement is noted of each
Anastasia Ax’s performance in the Urban Center, for example, the artist covers the physical space
collective horizon, of each vision to be imposed. The artist strains intensely to represent the
around her with uneven surfaces of white paper. When the white surface of the paper has wrapped all
representable: there is no world with its truth and the art that represents it, but the truth of the world that
the space, becoming a representation of the Universe, the artist will explode, dancing with her body
extends to artistic creation which, in turn, becomes an extension of the world: truth happens in the
covered with paint, and allowing the irrational outburst of movements to create a fleeting monument to
artwork and reality extends.
randomness and vagueness. The Lebanese artist Marya Kazoun uses fabrics that sometimes become
Precisely the numerically indefinable plurality of possible and achievable art forms demands the
recognizable shapes, sometimes suggestive, sometimes lacking any independent meaning; all, however
figurative to be sought, not as a unique and timeless criterion of interpretation but as an appraisal of the
acquire the sense of the artist’s body, which becomes an opus in her opus, sharing a few moments of
truth in the form of an enigma, which is unknowable and requires critical thinking if – at least – it is to be
her existence with it.
discussed. The figurative that does not seek to present itself as clarification and interpretation of
With ICASTICA 2013, Arezzo reflects or mirrors the contemporary world, proposing to investigate the
contents, but develops a negative dialectic, suspends any response and leaves open the enigma in the
absence of limits and muddy boundaries separating the various expressions of art. ICASTICA is figurative,
inability to pronounce it completely. The result is the freedom of the artwork, which will never
performance, speculative art; it is music, theatre, dance; it is body, contemplation, listening; waiting; enigma.
ON DEMAND
Il senso di un'operazione icastica è la cognizione di una teoria critico-estetica contemporanea libera
dal concetto preponderante dell’oscurantismo storicista, dunque priva dell’eccessivo riferimento a una
logica della retrospettiva artistica e filosofica - nella convinta avversione al conservatorismo espressivo
di un’assimilazione passatistica (esemplificante una cultura cronologica). Ponendosi invece
direttamente le domande fondamentali sull’arte e sul bello, si propone un'indagine ravvicinata
nell’ambientazione socialmente espressiva dell’attualità, rivalutandone, così, l’uniformazione
interpretativa al tentativo logico. Ci si prefigge d’illustrare la visione dell’arte, della critica, dell’estetica,
nel tempo di un presente universale che, tuttavia, non può non nascere dallo spazio di un’esperienza
sociologica crescente con la metodologia naturale del piacere: è, insomma, la rilevazione di un ruolo
funzionalmente antropologico del desiderio, in grado di determinare la tipologia di un’espressione
estetica (come bellezza, fra Baumgarten e Hegel) o artistica (come espressività), che si distingue per
l’intensità della propria essenza informativa. Ciò a consentire la possibilità di porsi domande inedite, o,
almeno, favorire il suggerimento di risposte nuove a quesiti già affrontati - per indurre la proposta di
DIRETTORE ICASTICA
Fabio Migliorati
ICASTICA DIRECTOR
On DEMAnD
The sense of a eikastic operation is the awareness of a contemporary critical-aesthetic theory free of
the dominant concept of historicist obscurantism, thus without that excessive reference to a logic of
artistic and philosophical retrospection – in the convinced aversion to expressive conservatism of
traditionalist assimilation (exemplifying a chronological culture). On the other hand, if we ask
fundamental questions about art and beauty directly, we can initiate a close investigation into the
socially expressive setting of current events, thus re-evaluating the uniformity of interpretation of the
logical endeavour. We aim to illustrate the vision of art, of criticism, of aesthetics, in the period of a
universal present which, nevertheless, can only be born from the space of growing sociological
experience with the natural methodology of pleasure. In short, it is the detection of a functionally
anthropological role of desire, able to determine the typology of aesthetic (such as beauty, between
Baumgarten and Hegel) or artistic (such as expressiveness) expression that is distinguished by the
intensity of its own informative essence. This creates opportunities for asking new questions or at least
encouraging suggestions for new answers to issues already addressed – to bring forth ideas for
unknown connections between known fields of research. Icastica is a solution: aesthetics, criticism,
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connessioni ignote fra campi di ricerca noti. Icastica è una soluzione: estetica, critica, poetica. Icastica
delimitano l’essenza, orientandone il senso dell’esistenza. Ecco perché ci si sente autorizzati a
è un'occasione, una decisione, una scelta. Significa ripensare il linguaggio creativo contemporaneo
indagarne la natura; si rincorre un’eventualità incognita per tentare di penetrare il significato di un’entità
nella sua estensione sociologica, per essere compreso attraverso il tentativo di una dimensione
ambigua, riconosciuta tale secondo i criteri di una sussistenza che è possibile realizzare in modi
comunicativa nuova. Sintesi, immediatezza, evidenza: logica del linguaggio che contraddistingue l'arte
enigmaticamente costruiti e misteriosamente decifrati. L’arte ha ormai dimenticato di dover essere
nell'individuazione dell'artista, dell'opera, dell'ambiente in cui far (ri)vivere l'arte. La soluzione
compresa, facendo il suo trionfale ingresso nel novero (entropico) di un ambito socioculturale troppo
dell'incomprensibilità, dell'inutilità, della prevedibilità diventa occasione, decisione, scelta per cambiare
sviluppato per essere capito e troppo poco per comprendere di dover ancora farsi capire. La
il ruolo dell'arte, oggi… Da quando l'arte è "facile", l'arte è "tutto" - anche non icastica. Icastica, allora,
conoscenza estetica, il sapere filosofico relativo all'arte e/o al bello è comprensione - ma probabilmente
vuol dire cammino; andare incontro a un'esigenza di essenzialità. L'arte attuale è troppo spesso
non esistono regole universali del comprendere, come non possono sussistere criteri oggettivi del
schiava di tante influenze, di tanti effetti: il titolo dell'opera, il legame con la storia che racconta, la
giudizio. E quindi il metodo icastico rimane sospeso: ente distante, peso teorico, realtà irreale. D'altro
relazione con l'esterno, con la socialità interconnessa - una documentazione secondaria che finisce per
canto, tuttavia, l'arte è "cosa umana" e forse rispetta o dovrebbe rispettare le norme dell'uomo - della
occorrere, e perfino per definire l'opera. Icastica non vuole essere un limite; non si dichiara un altro
sua mente, del pensiero. Proprio perciò l'azione critica più riuscita comporterà sempre un margine
documento per sostituirsi a tutto ciò. Icastica "non è"; non scaturisce dal concetto dell'Essere, ma dal
d’inquietudine e di misteriosa enigmaticità, rivelata da un’arte che sarà tale soltanto se mostrerà il
criterio dell'uso, dell'urgenza, dell'emergenza. Icastica "è" in quanto viene esplicitata come una
segno di un impossibile “soddisfacimento letterario”. Il momento della descrizione e della valutazione
modalità del conoscere. L’arte è un mondo nel mondo, perché nessuno sa quali siano i parametri
deve servire da fondamento per l’impianto di un atteggiamento spirituale con cui rivolgersi all’oggetto
teoretici che ne sostengono la determinazione, né fin dove possano estendersi i confini che ne
(organizzato nella sua “riduzione verbale”). Per quest’effetto, la critica, disciplina autonoma, si trova più
vicina all’arte che alla scienza - ed è così che si comprende come alcuni dei più importanti critici d'arte
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poetry. Icastica is an opportunity, a decision, a choice. It means rethinking contemporary creative
subsistence that can be realized in ways enigmatically constructed and mysteriously decrypted. Art
language in its sociological range, to be understood through an attempt to achieve a new dimension of
has now forgotten that it should be understood, making its triumphal entry into the category (entropy) of
communication. Brevity, immediacy, evidence: the logic of language that characterizes art in the
a socio-cultural context too developed to be understood and too little to understand it has yet to be
identification of the artist, the work, the environment in which to (re) experience the art. The solution to
understood. Aesthetic knowledge, philosophical wisdom related to art and/or beauty is understanding,
incomprehensibility, futility, predictability becomes an opportunity, a decision, chosen to change the role
but there are probably no universal rules of understanding, as there can be no objective criteria of
of art today ... Since art became “easy”, art is “everything”, including not eikastic. Thus, Icastica means
judgment. So the eikastic method remains suspended: distant entity, theoretical weight, unreal reality.
proceeding towards the need for the essential. The art of today is all too often a slave to many
On the other hand, however, art is a “human thing” and perhaps complies or should comply with the
influences, many effects: the title of the work, the link with the story it tells, the relationship with the
rules of humanity, of the human mind and thought. That is precisely why the most successful critical
outside world, with interconnected sociality – a secondary documentation which eventually is needed
action will always have a margin of restlessness and enigmatic mystery, revealed by an art that will be
by the work and may even define it. Icastica does not intend to be a limit; it does not declare another
such only if it reveals the sign of an impossible “literary satisfaction.” The moment of the description and
document to be a replacement for all this. Icastica “is not”; it does not stem from the concept of Being,
evaluation should serve as the basis for the implanting of a spiritual attitude for approaching the object
but the criterion of use, of urgency, Icastica “is” since it is declared to be a voice of knowledge. Art is a
(organized in its “verbal reduction”). For this effect, criticism, an independent discipline, is closer to art
world within the world, because no one knows which theoretical parameters sustain its definition, nor
than science, and that is how we can understand why some of the most important art critics were poets
how far the boundaries that demarcate its essence may extend, orienting the meaning of existence.
(Aretino, Ruskin, Baudelaire, Apollinaire, Breton to Mayakovski). The law of free thinking is nonetheless
That is why we feel authorized to investigate its nature, pursuing an unknown prospect to attempt to
rationality (logical or illogical) and rational reasoning can even become objective (at least to some
penetrate the meaning of an ambiguous entity, recognized as such by applying the criteria of a
extent or in certain areas). The message of art responds to internal consistency (logical or illogical) that
sono stati poeti (da l’Aretino a Ruskin, da Baudelaire ad Apollinaire, da Breton a Majakovskij). La legge
Oltre i "mondi liquidi", insomma, ecco un appiglio: fermo, deciso, equidistante da globalismi e localismi,
del pensare libero è comunque razionalità (logica o illogica); e un ragionamento razionale può anche
fra antico, moderno, contemporaneo. Oltre la ciclicità del cambiamento continuo, tutto oggi è rumorosa
diventare oggettivo (almeno per certi versi o in taluni ambiti). Il messaggio d’arte risponde a una
velocità, che è stata bella ma che adesso non lo è più. Era poetica allorché non c’era, finché si
coerenza interna (logica o illogica) che lo rende comprensibile a chi vuole (dunque può) capirlo. La
concepiva come sogno; erano poetiche le sue prime manifestazioni; è poetica la sua assenza. Ora che
funzione sociale che in passato l’arte esercitava sulla civiltà, attualmente viene assolta da altre forze
tutto è veloce, che tutto volge in fretta, la realtà si compone di vuoti epifenomeni. Il cambiamento è
della comunicazione, forze che sono entità socioculturali diventate anche estetiche. L’essenza
avvenuto nel tempo: è stato come salire delle scale e poi gettarle via - Wittgenstein, nel Tractatus
dell’opera contemporanea è la sua stessa pragmatica: essa rivela il modo in cui esprime qualcosa, non
logico-philosophicus (1921) scrive la proposizione numero 6.54 (“colui che le comprende, infine le
trasmettendo altro messaggio se non quello che ha per contenuto il modo in cui l’opera può
riconosce come insensate se è asceso per esse, su esse, oltre esse, perché si deve trascenderle: è
comunicare un messaggio. Allora, la tendenza espressiva del terzo millennio è composta di un’azione
allora che si vede rettamente il mondo”). Il concetto di velocità si trova poetico una sola volta, poiché la
dell’arte e dell’estetica (indipendentemente considerate) realizzata nell’intervento sulla realtà umana,
velocità è più veloce di se stessa! Il discrimine è invece il non sapere; né spazio né tempo, non più.
tesa a un aggiornamento continuo che diventa indispensabile per seguire il ritmo veloce dei
Icastica è possibile, Icastica risolve perché offre strumenti che però non sono regole. Poiché l'arte è
cambiamenti formali contemporanei. In questa visione delle cose si delinea la relativa prossimità
anche esteriorizzazione di una realtà che tende alla parafrasi di se stessa, sfociando nel costituirsi di
umana dei rilevamenti d’ordine estetico rispetto a quelli d’indirizzo artistico, con la conseguenza
un’espressione empirica derivata. L’attività artistica è un fatto con cui l’uomo oltrepassa se medesimo e
inevitabile di trattare l’arte come un’attività che dista sempre più dal comprendere l’uomo, proprio
va oltre le profondità della propria presenza, in un istante “senza tempo” fatto della purezza di
perché non si mostra da egli stesso compresa. Di qui l'icastica quale razionalità della comprensione
un’essenza spirituale: una sorta di nostalgia che cerca quel volto della Verità nascosto dalla maschera
che è comprensibilità. Se è così - tra essere e poter essere - la valenza icastica induce il proprio senso.
dell’uomo e delle cose, nell'attesa di essere svelato mentre si consuma la conoscenza di un reale
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makes it understandable to those who want to (and therefore can) understand it. The social function
conceived as a dream; its first manifestations were poetic; its absence is poetic. now that everything is
that art exerted on civilization in the past is currently is performed by other forces of communication.
fast, that everything happens quickly, reality consists of empty epiphenomena. Change came about
Forces that are socio-cultural entities that have also become aesthetic. The essence of the
over time: it was like climbing the ladder and then throwing it away (Wittgenstein, in his 1921 Tractatus
contemporary opus is its very pragmatism: it reveals the way in which it expresses something, sending
Logico-Philosophicus, gave the proposition number 6:54: “whoever understands me finally recognizes
no other message than that containing the way in which the work can communicate a message. Then,
them as senseless when through them – on them – he has ascended above them […] that is when the
the third millennium’s trend of expression is composed of an action of art and aesthetics (considered
world is seen correctly”). The concept of speed is poetic only once, because speed is faster than itself!
independently) realized in the intervention on human reality, aimed at continuous updating that it
The distinction, however, is not knowing; neither space nor time, not anymore. Icastica is possible,
becomes imperative for keeping up with the fast pace of contemporary formal changes. This view of
Icastica solves because it offers tools that are not rules. Since art is also the externalization of a reality
things outlines the relative human proximity of discoveries of an aesthetic order compared to those of
that tends to paraphrase itself, resulting in the establishment of an empirically derived expression.
artistic direction, with the inevitable consequence of treating art as an activity that is increasingly distant
Artistic activity is a fact with which people transcend themselves and go beyond the depth of its
from understanding humanity precisely because humanity itself does not understand art. Hence
presence, in a “timeless” instant of pure spiritual essence: a sort of nostalgia that seeks the face of the
Eikastics as the rationality of comprehension, which is comprehensibility. If this is so – between being
Truth hidden by the mask of humanity and things, waiting to be unveiled while having knowledge of a
and being able to be – the eikastic value causes its own significance. In short, beyond “liquid worlds”
historic reality, consisting of instant truths or non-truths, significant materiality that cannot exist under the
there is a pretext: firm, decisive, equidistant from globalism and localism, between ancient, modern,
auspices of the Truth, of the absolute. Indeed, the aesthetic experience is a trial of a freedom of action
and contemporary. Beyond the cyclical nature of continuous change, everything today is noisy speed,
that appears universally but diversely communicable. Undeniably, the absolute expression of an
which was once beautiful but now it is no longer. It was poetic when it did not exist, while it was
aesthetic is a concept that springs from physiological and sociological contexts of belonging, with
storico, costituito di verità o di non-verità apprese, materialità significative che non possono sussistere
non si rivelerà, se non sarà l’arte stessa a promuoverne gli intenti. Il fulcro estetico del nostro tempo è
sotto l’egida della Verità, dell’assoluto. L’esperienza estetica è infatti sperimentazione di una libertà
costituito dalla dimensione dinamica di uno scambio veloce arte/scienza, al fine di attualizzarne
d’azione che appare universalmente ma differentemente comunicabile. In effetti, l’espressione assoluta
continuamente l’esito nel patrimonio più prezioso della contemporaneità: l’informazione. Nel flusso
di un'estetica è un concetto che sgorga da ambiti d’appartenenza fisiologici e sociologici, con
informativo del Duemila (simultaneamente reso corporeo e incorporeo dalla chimica organica della
ripercussioni culturali contestualizzanti l’attività dell'umanità. L'assolutezza non esiste formalmente
materia-grigia e dalla chimica fisica del silico-chip), la critica interagisce con lo spazio sociale e col
esplicata in canoni stabili, ma si fa percepire come “proiezione della sua indispensabilità”. La capacità
tempo culturale dell’arte, interferendo nel ruolo dell’opera e nel compito dell’autore. Icastica pretende di
di accettare nuovi saperi è strettamente limitata alle situazioni di conoscenza già esistenti - dunque più
gestire l'espressività dell'arte, che propone la propria essenza nel modo più compiutamente divulgativo
sappiamo e più siamo capaci di comprendere il nuovo e di ammetterne il bisogno. L'epoca
- comunicandola più o meno evidentemente - e, tramite la sua forma, sarà concettualmente spiegabile e
contemporanea è caratterizzata da una netta ambivalenza di tutto ciò che concerne la variazione; la
soprattutto lecito il suo contenuto, poiché la positività di un’espressione risiede nella sua indole realizzata,
tradizione culturale sosteneva l’idea di valori durevoli, ma le condizioni attuali dell’esistenza richiedono
nella realizzazione parossistica della sua natura. Si tratta di quel percorso culturale che sorge dalla
accettazione di cambiamenti ripetuti: si coltiva lo spirito rivoluzionario dell'avanguardia unito a un
comprensione della più apodittica espressività, necessariamente equipaggiata da un ruolo giustificatorio
reazionarismo conservatore, e s’incoraggia un senso dell'inedito unito al codinismo più stabilizzante -
che ne ammetta l’esigenza dell’efficacia. Icastica riassume; permette di neutralizzare tolleranze e derive
“funzionalità regolata” del sistema del sapere. La fruibilità dell’arte dovrebbe essere un bisogno, ma
di senso; consente di crescere. Progredire è un adattamento che non soffoca personalità e coscienze,
oggi non può che essere un enigma; la complessità, infatti, assume le caratteristiche di un’esigenza,
bensì le smussa (cambiandole tramite un processo dell'apprendimento che è dimenticanza d’ogni
fino a venire provocata artificialmente, mentre si dovrebbe, invece, rispettare la “spontaneità culturale”
insegnamento). Crescere è la maniera in cui questo avviene; è l’accettazione di un’interiorità non ripudiata
del tempo (l’epoca) e dello spazio (l’uomo), nell’accedere all’essenza di una metamorfosi umana che
ma sviluppabile. Icastica era una tacita richiesta; oggi, da Arezzo, è una risposta.
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cultural repercussions contextualizing human activity. There is no absoluteness does not exist as a
physical chemistry of the silicon chip) criticism interacts with social space and the cultural time of the
formal explication in established precepts, but is perceived as a “projection of its indispensability”. The
art, interfering in the author’s role and task. Icastica seeks to manage the expressiveness of art, which
ability to accept new knowledge is strictly limited to existing situations of knowledge – so the more we
offers its own essence in the fullest instructive manner – communicating more or less clearly – and
know the more we are able to understand what is new and admit our need of it. The contemporary era
through its form it will explain its content in a conceptual and above all legitimate way, because the
is characterized by a marked ambivalence of everything related to variation. Cultural tradition
positivity of an expression lies in its realized nature, in the paroxysmal realization of its nature. This is the
supported the idea of lasting values but the current conditions of existence require acceptance of
cultural path that arises from the understanding of most apodictic expressiveness, necessarily
repeated change. We cultivate the revolutionary spirit of the avant-garde joined to a reactionary
equipped with a justificatory role that concedes the requirement of efficacy. Icastica sums up; allows us
conservatism and encourage a sense of what is new combined with the most stabilizing reactionism:
to neutralize tolerances and drifts of meaning; allows us to grow. Progress is an adaptation that does
the “regulated functionality” of the knowledge system. The usability of art should be a need, but now
not stifle personality and conscience, but rounds them (changing them through a process of learning
can only be an enigma. Indeed, complexity assumes the characteristics of a need to the point of being
that is oblivious to all teachings). Growth is how this is achieved; it is the acceptance of an inner being
artificially induced while we should really comply with the “cultural spontaneity” of time (the era) and
that is not to be repudiated but developed. Icastica was a tacit request. Today, in Arezzo, it is an answer.
space (humanity) in gaining access to the essence of a human metamorphosis that will not emerge if
art itself does not promote its intent. The aesthetic core of our time lies in the dynamic dimension of a
fast exchange between art and science, in order to actualize the outcome continuously in the most
valuable asset of the contemporary world: information. In the information flow of the new millennium
(simultaneously made corporeal and incorporeal by the organic chemistry of the grey matter and the
Indice Artiste Artists Index
Marina Abramovic. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26
Tatiana Akhmetgalieva . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
Shaikha Al Mazrou . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36
Maddalena Ambrosio . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
Anastasia Ax . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44
Candice Breitz . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 48
Tania Bruguera . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 52
Amy Cheung . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 54
Soyeon Cho . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 60
Remen Chopra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 64
Tamara Ferioli . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 68
Carole A. Feuerman . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 72
Vibha Galhotra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 76
Ximena Garrido-Lecca . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 80
Mona Hatoum . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 84
Kaarina Kaikkonen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 86
Marya Kazoun . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 90
Chen Ke . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 92
Jennifer White Kuri . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 94
Tamara Kvesitadze . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 98
Federica Marangoni . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 100
Alicia Martín . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 104
Carla Mattii . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 108
Whitney McVeigh . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 112
Monali Meher . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 116
Shirin Neshat . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 120
Yoko Ono . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 122
Nina Papaconstantinou . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 128
Cecilia Paredes . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 132
Virginia Ryan . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 136
Raeda Sa’adeh . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 138
Belle Shafir . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 142
Chiharu Shiota . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 146
Liina Siib . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 150
Kiki Smith . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 154
Marianna Uutinen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 158
Heike Weber . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 162
Andrée Weschler. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 166
Cui Xiuwen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 170
Yin Xiuzhen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 172
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Works
Opere
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Marina Abramovic
The Communicator, 2012
Clear wax with pink
tourmaline and rodonite
stones, glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm.130 x 24 x 24
Macedonia
Courtesy Marina Abramovic
and Lia Rumma Gallery,
Milano/Napoli.
© Marina Abramovic
The Communicator, 2012, di Marina Abramovic, sancisce uno stato puntuale dell'informazione. Si tratta di un
linguaggio parallelo: subliminale? esoterico? ambientale? Forse, perché tale stadio comunicativo è reso
attraverso la similitudine con il corpo umano - come tutto il lavoro di Abramovic - sebbene qui restituisca un
livello espressivo scultoreo e non performativo. L'artista usa il parallelismo con il corpo mediante teste
realistiche in cera, pietre semipreziose, vetro. Il vetro rimanda al corpo: trasparente, inutile e indispensabile
insieme, supporto della mente che - a passo di simbologia - si presenta quale delicato contenitore, simulacro
di interne attività complesse. E i minerali trafiggono tali potenzialità, anche se paiono essere stati innestati o
incastonati per crescere sulla superficie della testa. L'espressione fisionomica è assente; gli animi
impassibili, finti, inutilmente somiglianti al vero… Abramovic agisce secondo induzione. I segni delle varie
preziosità stabiliscono contatti concettuali con il parere della massa sociale: deturpazione e/o abbellimento,
giovano alla qualità del messaggio creativo - forse figlio di nuove credenze o terapie alternative anche di
spirito "new age" (comunque bello per esaltazione del criterio interpretativo con cui si legge e traduce il
senso dell'opera). L'estremismo del colore (bianco, somma dei colori; nero, assenza di colori) funge da ente
stabilizzante: contributo magnificato di purezza indistinta che ospita la naturalità dei frutti rigidi della terra;
sono interventi spirituali, di rara preziosità recuperata, capaci d'introdurre a un significante artistico di pura
matrice sociologica. Fragile ma duro esercizio di raffinato stupore per chi osserva e sogna una realtà
differente, le sculture costituiscono il legame più saturo, sanamente surreale, tra cultura e natura - perché non
esiste una Natura Umana, se l'umanità si lega tanto decisamente alla materia. Carne e terra, astrazione e
concretezza, cervello e mente, l'artista sa donare al ritratto contemporaneo l'abilità della commistione. La
materia organica pensante risulta quindi un amalgama evoluto ma primordiale, basico e anti-storicistico,
poiché si affermi, si ammetta, si accetti che la pietra può ancora comunicare suggestione spirituale e
poetica… dopo Michelangelo, Canova, Giacometti.
Fabio Migliorati
Marina Abramovic’s The Communicator, 2012, defines a precise state of information. It is a parallel language:
subliminal? esoteric? environment? Perhaps, because this stage of communication is achieved through
similarity with the human body – like all Abramovic’s work – although here we have an expressive sculptural
level, not one of performance. The artist uses the parallel with the body by creating realistic heads in wax,
semi-precious stones, and glass. The glass refers to the body: transparent, useless and essential together, a
framework for the mind, which – at the pace of symbolism – appears as a delicate container, the simulacrum
of complex interior activities. The stones pierce these potentialities while appearing grafted or embedded, to
be able to grow on the surface of the head. There is no physiognomic expression; impassive, sham emotions,
a futile similarity with reality ... Abramovic acts by induction. The marks of the various treasures establish
conceptual contacts with the opinion of the social masses: disfigurement and/or embellishment enhance the
quality of the creative message – perhaps the child of new beliefs or alternative therapies, even in a new Age
spirit (nonetheless appreciable for the exaltation of the criterion of interpretation applied to reading and
translating the meaning of the work). The radical colours (white, the sum of all colour; black, the absence of
all colour) act as a stabilizing entity, a magnified contribution of indistinct purity that embraces the
naturalness of the Earth’s rigid fruits. These are spiritual interventions, rare recovery of the precious,
capable of introducing an artistic significance of pure sociological matrix. The sculptures are a fragile but
tough exercise in refined astonishment for those who observe and dream a different reality, constituting the
most saturated and healthily surreal link between culture and nature – because there is no Human nature,
if humanity binds itself so closely to matter. Flesh and earth, abstraction and solidity, brain and mind: the
artist knows how to endow the contemporary portrait with the capacity for fusion. Thus organic thinking
matter appears as an evolved but primordial amalgam, that is basic and anti-historicist providing we state,
we admit, we accept that stone can still communicate spiritual and poetic suggestion ... after
Michelangelo, Canova, Giacometti.
Fabio Migliorati
The Communicator, 2012
Clear wax with crystal quartz
stones, glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm.130 x 24 x 24
The Communicator, 2012
Black wax with crystal quartz
stones, glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm.130 x 24 x 24
28
29
The Communicator, 2012
Black wax with black
tourmaline stones,
glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm.130 x 24 x 24
The Communicator, 2012
Clear wax with malachite,
kayanite crystal quartz
stones, glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm. 130 x 24 x 24
30
31
The Communicator, 2012
Clear wax with kyanite
black tourmaline
and lepidolite,
glass pedestal.
cm. 60 x 60 x 60
pedestal cm.130 x 24 x 24
The Communicator, 2012
Black wax with black quartz
stones, glass pedestal
60x60x60 cm
pedestal 130x24x24 cm
Tatiana Akhmetgalieva
Unknown blog, 2013
Textiles, embroidery, sewing.
cm. 130 x 450
Russia
Courtesy
Mimmo Scognamiglio
Contemporary Art,
Milano
Nella mia opera il filo è una metafora, il risultato del mescolare forme, significati o
idee nella realtà. Mi permette di far fare balzi alla mia immaginazione, connettere
creativamente mondi agli antipodi e creare spazi per vivere, una “tela” in cui il
tessuto della vita è avviluppato ad uno scarto del tempo, senza il quale
perderemmo il filo della vita, le sensazioni, i sogni e le speranze che ci legano tutti.
Negli ultimi anni ho usato spesso la forma della conchiglia per esprimere i temi
(probabilmente a contrario) della solitudine, dell’ansia, della fuga dalla realtà, e
come un riflesso della nostra progressiva immersione in un’esistenza interiore e
artificiale. Le persone esistono nelle mie opere più come bozzetti o schizzi, per i
quali mi pare che solo il futuro troverà una forma completa. La mia visione è che
ci confrontiamo con un regno di materia falsa e artificiale, in cui l’autentico è
sostituito dalla dipendenza da ibridi sintetici, dai cibi alle relazioni umane; a sentimenti che
esistono solo in una realtà virtuale. Tutto intorno a me vedo immagini che, a dispetto della
loro precisione, sono deprivate della loro essenza e ci lasciano con una sensazione di
alienamento e insoddisfazione derivate proprio da questa perdita di ordine e forma
autonomi. Il potere dell’arte per me è che può opporsi a questa dissoluzione e i molteplici
fili intrinsechi nel mio lavoro esprimono la speranza che possiamo in qualche modo legare
insieme un mondo che si disintegra, farlo rivivere ancora e dare senso all’esistenza umana
nella forma di nuove esperienze contemporanee. Nell’essenza il mio lavoro è reimmaginare lo spirito umano come se fosse di nuovo in grado di trionfare.
In my work, thread is a metaphor, the result of shuffling forms, meanings and
roles assigned to objects or ideas into reality. It allows me to somehow leapfrog
my imagination, creatively connect opposing worlds and create a space for
living, a ‘loom’ if you like in which the fabric of life is wound onto a shaft of time,
without which we would miss the thread of life, the feelings, dreams and hopes
which link us all. In recent years, I have also often used the form of the shell to
express themes (conversely perhaps) of loneliness, anxiety, of trying to escape
from reality, and as a reflection of our increasing immersion in an internal and
artificially - created existence. People exist in my pieces, more as a draft or
sketch, which I see that only the future will find a complete form for. My view is
that we are confronted with a realm of false and artificial materials, authenticity
substituted through a dependence on synthetic hybrids from food items to human
relations; feelings that exist in a virtual reality only. All around me, I see images that,
despite their specificity, are deprived of their essence, and leave us with feelings of
alienation and dissatisfaction derived from such loss of autonomous order and form. The
power of art for me, is that it can oppose such dissolution and that the multiple threads
inherent in my work express a hope that we can somehow bind together a disintegrating
world, revive it again and give meaning to human existence in the form of new
contemporary experiences. In essence my intention is to re-imagine the human spirit if it
were once again able to triumph.
Tatiana Akhmetgalieva
Tatiana Akhmetgalieva
34
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Syndrome n. 10, 2011
Textiles, embroidery, sewing.
cm. 100 x 100
Unknown blog, 2013
Textiles, embroidery, sewing.
cm. 130 x 450.
Detail
Syndrome n. 12, 2011
Textiles, embroidery, sewing.
cm. 100 x 100
Shaikha Al Mazrou
Red on White, 2013
Case pc.
cm. 150 x 150 x 45
United Arab
Emirates
Courtesy
Barjeel Art Foundation.
Thanks to
kSd/cGr Art Profilers,
Karee Dahl,
Barjeel Art Foundation
Il lavoro di Shaikha Al Mazrou si basa sulla tecnologia… Lo strumento tecnologico, però, non viene
sfruttato attraverso le sue potenzialità mediatiche; viene invece accolto per la passività del materiale
che ne compone la struttura, restituendo un oggetto che "è stato" tecnologico, ma che adesso diventa
rudere d'avanguardia, fossile lucido e ignoto, amalgama di passato e futuro. L'oggetto si trasforma in
opera dopo l'abbandono o la distruzione tecnica, che si fa ricomposizione alternativa, creativa,
originale per mano dell'artista. E la matrice geopolitica, socioculturale dell'identità dell'autore conta,
così, per la relazione spiccata che in Medioriente sussiste, oggi, e da alcuni decenni, fra tempo e
spazio - la visione che fin dall'Oriente si propaga è infatti quella della commistione di passato e
presente, che caratterizza un modo di vivere dal Giappone alla Cina, dall'India all'Iran. Il Medioriente è
terra di sabbia e vetro, e quale materiale più del silicio esprime meglio tale dimensione? Al Mazrou è
figlia di questo percorso: l'artista sa cogliere gli estremi del proprio dimensionamento per esprimersi, e
dunque esprimere la connotazione non mediata di una realtà antropologica contemporanea. Schede
madre di personal computer, case, colore: ecco gli elementi per comporre il comportamento
dell'oggetto "per eccellenza" di oggi. Il computer (fino a pochi anni fa definito "cervello elettronico")
appare un elemento indispensabile ma sconosciuto, ignoto, quindi perverso! La logica è quella della
Presenza indispensabile di tale strumento, il quale, tuttavia, è qui rilevato per ciò di cui è fatto, ovvero
per la sua struttura. La maggior parte delle cose che oggi circondano l'uomo contemporaneo
occidentalizzato è invero poco conosciuta, poiché non riparabile da chiunque (ossia da noi stessi) se
si guasta. Shaikha Al Mazrou interviene a questo punto della considerazione: fra peso antropologico e
divertissement concettuale, fra stima per il progresso e soddisfazione primitivista.
Fabio Migliorati
The work of Shaikka Al Mazrou is based on technology ... The technological tool, however, is not
exploited via its media potential, but rather embraced for the passivity of the material that constitutes
its structure, producing an object that “was” technological but is now a relic of the avant-garde; a
polished, anonymous fossil and amalgam of past and future. The object becomes an artwork after it is
abandoned or technically destroyed, recomposed into an alternative, creative original by an artist’s
hand. And the geopolitical and socio-cultural matrix of the author’s identity thus counts because of the
strong rapport that for several decades has existed between time and space in the Middle East: the
vision arriving from the Far East is, indeed, one that fuses past and present, characterizing a way of
life from Japan to China, India to Iran. The Middle East is a land of sand and glass, and could there be
a better material than silicon to express this dimension so well? Al Mazrou is the daughter of this
process: the artist knows how to capture the extremes of her scale to express herself and thus to
express the unmediated connotation of an contemporary anthropological reality. PC motherboards,
houses are the underpinning that supports the behaviour of today’s quintessential object. The
computer (a word first used in English in the seventeenth century) appears as an essential but
mysterious, unknown and therefore incongruous object! The logic is one of this tool’s indispensable
presence but here it is observed for its components, for its structure. Most of the things that surround
contemporary Westernized humanity are barely known as they cannot be repaired by just anyone (in
other words we cannot do it ourselves) when they break down. Shaikka Al Mazrou intervenes at this
point of the consideration, spanning anthropological impact and conceptual divertissement,
admiration for progress and primitivist satisfaction.
Fabio Migliorati
38
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189, 2012
PC mother board.
cm. 320 x 320 x 4
Inside Out, 2012
Acrylic sheets.
cm. 100 x 80 x 25
Maddalena Ambrosio
Senza titolo, 2013
Book, roots
(plexiglass box).
cm. 40 x 40 x 40
Italy
Courtesy
Mimmo Scognamiglio
Contemporary Art,
Milano
Quella di Maddalena Ambrosio è un’arte di ricerca, un’indagine instancabile che, partendo
da un’osservazione viva e attenta del mondo, rielabora la quotidianità e torna
all’elementare, per decifrare la complessa mappa disegnata dall’azione simultanea delle
forze creatrici universali, responsabili della vita. La Ambrosio riconduce tutto a una
dimensione ancestrale, in cui le forme diventano orme della presenza fisica degli esseri
umani, segni semplici in grado di mostrare, nella loro essenzialità, anche la natura più
recondita e oscura dei nostri comportamenti. Questa nuova dimensione è un percorso, “un
andare dentro”, in profondità, per poi riemergere con la consapevolezza di stratificazioni
oltre il tempo immediato e oltre il tempo del singolo individuo, e se a volte in esse è
possibile riconoscere le singole forme nella loro oggettualità, in altri casi queste sono
appena accennate e divengono semplici allusioni, trasfigurate dalla nuova condizione ed
elevate a una nuova "dignità culturale". In alcune installazioni, l’uso di prodotti alimentari
primari si fa espressione forte di un richiamo che, risvegliando sentimenti profondamente
umani quali il bisogno e la precarietà, riesce ad acuire e destare la nostra arrugginita
capacità di ricezione portandoci istantaneamente in uno stato di sospensione - come
sospesa e fragile è la composizione di uova definita Attention Please del 2009, o la torre di
pane intitolata Struttura del 2011.
Maddalena Ambrosio’s approach to art is one of research, tireless exploration that starts
with brisk, careful observation of the world, a reworking of everyday life and a return to the
uncomplicated, to decipher the complex map drawn by the simultaneous action of the
universal creative forces that bring about life. Ambrosio rounds everything up into the
ancestral dimension where forms become the footprints of physical human presence,
simple signs whose simplicity shows the most recondite and obscure aspects of our
behaviour. This new dimension is a pathway, penetrating in depth to then emerge once
more with the awareness of stratifications beyond immediate time and beyond the
individual’s time. If there are times when the stratifications reveal the objectuality of
individual forms, there are others when they are barely hinted at and become mere
allusions, transfigured by their new condition, and elevated to a new “cultural dignity”.
In some installations, the use of primary food products turns into a strong reference that
awakens deeply human feelings like need and uncertainty, succeeding in intensifying and
arousing our eroded ability for perception, leading instantly to a suspended state, as
fragile and suspended as the egg composition called Attention Please (2009) or the tower
of bread called Struttura (2011).
I remember, 2012
Wood and soil.
(var. dim.)
43
The Kid Below, 2009-2011
Art Museum,
Reykjavik
Carnegie Art Award.
Detail
L’arte di Anastasia Ax si esprime attraverso molti mezzi diversi: pittura, scultura, performance, suono, che
spesso si mescolano e collidono nelle stesse opere. Questa è una delle sfide delle sue brutali e tuttavia
sublimi trasformazioni, in cui utopia e forze distruttive cooperano e creano qualcosa di nuovo. Si
potrebbero richiamare il ciclo Fluxus di George Brecht, Joseph Beuys e il gruppo Gutai, le performance
pionieristiche di Chrys Burden, Hannah Wilke e Vito Acconci, o l’estetica confrontazionale del primo punk
(specialmente le sue propaggini situazionistiche). Ma c’è qualcosa di profondamente personale e
storicamente neutro che caratterizza le sue performance, una sorta di sbiancamento delle membrane,
che crea spazio per l’inaspettato. Ogni performance è una nuova performance, questo è essenziale.
Ogni incontro tra l’artista e il suo pubblico, ogni distruzione del materiale disponibile mira a creare una
sensazione di indeterminatezza e libertà di azione, dove interiore ed esteriore posso scambiarsi di posto.
Il ruolo dell’inchiostro in queste attività è doppio. Appartiene al mondo della pittura, delle azioni fisiche di
riempimento degli spazi bianchi. Ma l’inchiostro nero allude anche a veleno e bile, melanconia e
distruzione. Le energie primordiali legate a schizzare, sputare, e alla distruzione, trasformano il tempo da
dimensione lineare a circolare; nuovi pensieri e nuovi connubi possono prendere forma attraverso
l’imprevedibilità del contesto. La bellezza è fatta da cicatrici, tracce, cavità.
Anastasia Ax
45
Sweden
Anastasia Ax works in several different mediums - drawing, sculpture, performance, sound - and very
often they mix and collide in the same works. This is one of the challenges of her brutal and sublime
transformations, how the utopian and destructive forces cooperate and create something new. One could
reference the Fluxus pieces of George Brecht, Joseph Beuys and the Gutai group, the pioneering
performance art by Chris Burden, Hannah Wilke and Vito Acconci, or the confrontational aesthetic of early
punk (especially its situationistic leanings). But there is something deeply personal and even historically
blank characterising her performances, a sort of whitewashing of the the membranes, that creates space
for the unexpected. Each performance is a new performance, this is essential. Each meeting between the
performer and the audience, each destruction of the material at hand, point towards a situation of
indeterminacy and free activity, where inner and outer can switch place. The role of ink in these activities
is double-edged. It belongs to the world of drawing, the physical acts of filling out the white spaces. But
the black ink has an element of poison and bile, melancholy and destruction as well. The raw energies
connected with the splashing, the spitting out, the havoc, transform time from linear dimensions into
circular moments: new thoughts and new communions can take shape, through the unpredictable
Courtesy
Anastasia Ax
openness of the situation. The beauty is a beauty of scars, traces, cavities.
The Kid Below, 2009-2011
Art Museum,
Reykjavik
Carnegie Art Award.
Pan theon, 2012
Moderna Musset,
Stockholm
46
47
The Kid Below, 2009-2011
Kunstnerernes Hus,
Oslo
Carnegie Art Award
Pan theon, 2012
Moderna Musset,
Stockholm
Rainbow Series #13, 1996
Photo under Plexiglass.
cm. 105 x 150
Candice Breitz usa la cultura di massa come strumento del proprio lavoro, focalizzandosi su come un
individuo riesca a diventare se stesso in relazione a una comunità più ampia, sia essa la comunità
immediata che si incontra all'interno di una famiglia o di una reale o immaginaria comunità che si forma
non solo da questioni di nazionale appartenenza, razza, sesso e religione, ma anche per l'influenza
sempre più indiscutibile dei media tradizionali, come televisione, cinema e musica. Secondo l’artista
infatti, immagini commerciali, serial televisivi, film, YouTube, videoclip rappresentano una forza capace di
annientare le diversità culturali, ma allo stesso tempo sono un terreno fertile in quanto patrimonio
consumato a livello globale. Prima di diventare un’artista riconosciuta a livello internazionale, a livello
locale ha acquisito notorietà concentrandosi su questioni di razza, genere e identità come in Rainbow
Series del 1996 unendo immagini pornografiche di donne bianche con immagini etnografiche di donne di
colore in abito tradizionale, causando grande scalpore. All’inizio della sua carriera, si concentra perciò
sulla fotografia inserendo anche immagini pubblicitarie all’interno del suo lavoro, ma manipolandole con
la tecnica del collage, mentre nelle successive istallazioni ricompone fotogrammi ‘rubati’ da serie
televisive, da film hollywoodiani per dimostrare che un culto può esistere solo finché qualcuno è disposto
a crederci. Che cosa sarebbe infatti Hollywood senza la sue star e allo stesso tempo cosa sarebbero le
star senza il sistema hollywoodiano? I divi diventano quindi i protagonisti anche delle sue opere come in
Babel Series e Soliloquy trilogy del 2000 e In Mother+Father del 2005 dove propone scene di attori famosi
nel ruolo di madre o padre, ma togliendoli dal loro contesto originale evidenziando quindi i cliché nel
cinema di Hollywood e incentrando quindi il suo lavoro sul tema dell’identità e la sua fragile espressione.
Candice Breitz
Margherita Fava
South Africa
Private collection,
Arezzo.
Courtesy
Candice Breitz.
Thanks to
Kaufmann Repetto Gallery,
Milano.
Photo Andrea Fondelli
49
Candice Breitz uses mass culture as a work tool, focusing on how an individual can become themselves
in relation to a wider community, whether it be the immediate community of a family, or a real or imaginary
community formed not only by belonging to a country, a race, a gender, or a religion, but also the
increasingly indisputable influence of traditional media like television, films, and music. Indeed, the artist
says that commercial images, TV series, films, YouTube, and music videos are a force strong enough to
annihilate cultural diversity, but at the same time are fertile terrain since they are a globally consumed
heritage. Before becoming an internationally recognized artist, Breitz gained notoriety at local level by
concentrating on issues of race, gender and identity. One example that caused a stir was her 1996
Rainbow Series, combining pornographic images of white women with ethnographic images of black
women in traditional dress. Early in her career she was therefore focused on photography, using
advertising images as part of her work, but manipulated with collage technique, while in subsequent
installations she reconstructed frames “stolen” from television series and Hollywood films, to prove that a
cult can only exist as long as someone is willing to believe in it. What is Hollywood without its stars and,
equally, what would stars be without the Hollywood system? The stars thus become the protagonists of
works like Babel Series and Soliloquy Trilogy, from 2000, and the 2005 In Mother+Father, where she
shows scenes of famous actors playing a mother or father, but removed them from their original context to
highlight the clichés of Hollywood films and hence focusing her work on the theme of identity and its
fragile expression.
Margherita Fava
50
51
Rainbow Series #13, 1996
Photo under Plexiglass.
cm. 105 x 150
Detail.
Rainbow Series #13, 1996
Photo under Plexiglass.
cm. 105 x 150
Detail.
Tania Bruguera
Libertad o muerte, 2003
Drawing on canvas.
cm. 200 x 250
Cuba
Private collection,
Arezzo.
Courtesy
Tania Bruguera.
Thanks to
Franco Soffiantino,
Contemporary Art,
Torino.
Photo Andrea Fondelli
Prediligendo l’uso del proprio corpo, Tania Bruguera conduce una ricerca su temi sociali e questioni
politiche, sottolineando il rapporto tra individuo e il suo contesto, spesso in riferimento a dinamiche di potere
e di costrizione. Mette in scena sentimenti quali paura e libertà, ma allo stesso tempo anche sottomissione e
obbedienza come strategie di sopravvivenza sociale. Le sue performance sono esperienze simultaneamente
fisiche e psicologiche, chiamando il pubblico a condividere uno stato di tensione e allo stesso tempo a
reagire agli avvenimenti con maggiore consapevolezza, come nella performance Tatlin Whisper #5 presso
Tate Modern nel 2008, nella quale due poliziotti a cavallo, fanno uso delle tecniche di controllo operate dalla
polizia, inibendo il pubblico senza un apparente motivo. Le sue performances, però, sono allo stesso tempo
esperienze effimere non solo perché legate all’uso dell’azione e alla fragilità dei materiali, ma soprattutto per
la condizione precaria di qualsiasi verità politica (secondo l’artista). Mette quindi in relazione linguaggi propri
del mondo della comunicazione, della politica, dell'arte e dell'informazione, come strumenti per cambiare il
reale - e qualsiasi medium, anche il più provocatorio, è adatto a esplorare, indagare, smascherare i
meccanismi del potere, della censura, della violenza, dell'autorità, della sottomissione. La storia del suo
paese e la sua esistenza diasporica sono stati certamente punti di partenza della sua analisi, ma il discorso
lambirà presto ambiti più generali, coinvolgendo la società e i comportamenti dell'essere umano in qualsiasi
contesto si trovi a vivere fra potere e politica. Tra i suoi attuali progetti a lungo termine, Immigrant Movement
International, movimento sociopolitico che si concentra sulle figure degli immigrati e i valori che condividono,
focalizzandosi su cosa significhi essere "cittadini del mondo".
Margherita Fava
53
Tania Bruguera prefers to use her own body to pursue her research into social and political issues, stressing
the relationship between the individual and their surroundings, often in reference to the dynamics of power
and constraint. She stages emotions such as fear and freedom but at the same time submission and
obedience as survival strategies. Her performances are simultaneously physical and psychological
experiences, inviting the public to share a state of tension and, at the same time, reacting to events with
greater awareness, as in the 2008 performance Tatlin Whisper #5, at the Tate Modern, in which two
policemen on horseback made use of police control techniques to obstruct the public without an apparent
reason. Her performances are, however, simultaneously ephemeral experiences not only linked to the use of
the action and the fragility of the materials, but particularly for the precarious condition of any political truth
(according to the artist). Thus she connects the languages typical of the world of communication, politics, art,
and information, as a means to change reality – and any medium, even the most provocative, is suitable for
exploring, investigating and exposing the mechanisms of power, censorship, violence, authority, and
submission. The history of her country and her diasporic existence were certainly a starting point for her
analysis, but the topic soon turned to more general areas, involving society and the behaviour of a human
being in any context where they are living between power and politics. Bruguera’s current long-term projects
include Immigrant Movement International, a socio-political movement that concentrates on the figure of
immigrants and the values they share, focusing on what it means to be “citizens of the world”.
Margherita Fava
Amy Cheung
Hero, 2013
Detail
Hong Kong
Courtesy
Amy Cheung. Thanks to
Philip Zimbardo,
Fanny Cheung,
Alan Chun, Nang Wong,
Alan Leung, Patrick Leung,
Terri Ng, Kwan Ng,
William Kwong, Eris Koo.
Patronage
Psychology Department of
the Chinese University of
Hong Kong,
Prince of Wales Hospital of
Hong Kong,
yU+co [lab] of Hong Kong
Il Professor Zimbardo ha acconsentito a collaborare con me entrando in
uno scanner fMRI dell'Ospedale Principe di Galles per l'opera Imagine
Hero. La scansione delle nostre onde cerebrali è stata effettuata per 4
minuti. La parte sinistra del pannello raffigura i dati raw della scansione
mentre stavo pensando all'Eroe Cinese per 4 minuti. La parte destra è
un'immagine derivante dal pensiero del Professor Zimbardo intento, per
4 minuti, ad immaginare il suo Eroe Americano. Il pannello centrale
vuole essere la combinazione dei nostri cervelli intenti nella costruzione
ideale dell’Eroe Platonico, l'essenza positiva dell'Eroe.
Amy Cheung
55
Professor Zimbardo agreed to collaborate with me and we went inside
an fMRI scanner at Prince of Wales Hospital to Imagine Hero. The fMRI
scanner recorded our brainwaves for 4 minutes. The left wing of the
panel was taken from the raw data directly from the scan while I was
thinking about a Chinese Hero for 4 minutes. The right wing of the panel
was an image produced by Professor Philip Zimbardo when he was
thinking about an American Hero. The central panel would be a
combined image of our brains, when we both were thinking of the
attributes of a Platonic Hero, the essential goodness of the Hero.
Amy Cheung
56
Hero, 2013
Triptych: wooden panels,
blood, gold leaves.
Left: cm. 80 x 40
Central: cm. 80 x 80
Right: cm. 80 x 40
Il mio eroe cinese ha detto:
L’eroe platonico di Amy e Phil ha detto:
L’eroe Americano di Phil ha detto:
Io non ho nemici, e non provo odio. Non
considero nessuno dei poliziotti che mi hanno
sorvegliato, arrestato e interrogato, dei pubblici
ministeri che mi hanno incriminato, o dei
giudici che mi hanno condannato come mio
nemico. Se da un lato non posso accettare la
vostra sorveglianza, l'arresto, l’accusa o la
condanna, dall’altro io rispetto le vostre
professioni e personalità, compresi Zhang
Rongge e Pan Xueqing che rappresentano al
momento l'accusa. Ero consapevole del vostro
rispetto e della sincerità nel vostro
interrogatorio del 3 dicembre. Perché l’odio
corrode la saggezza e la coscienza di una
persona; la cultura dell’odio del nemico può
avvelenare lo spirito di una nazione, istigare
lotte brutali di vita o morte, distruggere la
tolleranza di una società e dell'umanità e
bloccare il progresso di una nazione verso la
libertà e la democrazia. Spero quindi di essere
in grado di trascendere le mie personali
vicissitudini attraverso la comprensione del
maggior interesse per lo sviluppo dello stato e i
cambiamenti della società, per contrastare
l'ostilità del regime con le migliori intenzioni, e
disinnescare l'odio con l’amore... Non mi sento
in colpa per aver seguito il mio diritto
costituzionale alla libertà di espressione,
dando significato alla mia responsabilità
sociale di cittadino cinese. Anche se accusato
per questo, non mi lamento.
Cosa definisce l’eroismo? Cosa è
l’impressionabilità contemporanea (azione
eroica) quando la maggior parte delle persone
non hanno una religione, non hanno fiducia,
non sanno a cosa credere, come dare senso e
qual è il modo migliore per condurre la propria
vita? Come possono l’ideologia legittimizzata e
il sostegno sociale e istituzionale minare il
senso di “divino” con autorità e illusione? Come
potrebbe l’atea vita quotidiana di ognuno
trovare un’ancora emozionale, tranquillità della
mente e pace nel cuore senza la sicurezza
offerta dalla religione che in cambio
chiederebbe una disciplina nei comportamenti
virtuosa, fedele, amorevole perché Gesù è
morto per i nostri peccati ed è l’eroe più grande
che si è sacrificato portando la salvezza su
tutti. In altri termini come può un uomo normale,
che vive nel 2013, diventare un eroe, se lui/lei
non crede nell’esempio dell’eroismo medievale
(i.e. la religione) e tuttavia vuole ancora essere
buono?... o il diavolo offre un patto migliore
all’esistenza’. Mentre mi stavo facendo questa
domanda, ho incontrato il Professor Philip
Zimbardo e conosciuto il suo Progetto
sull’Immaginazione Eroica. Sebbene fosse
precedentemente conosciuto come Dottor
Demonio a causa del suo controverso
Esperimento della Prigione di Stanton del 1971,
in cui ha studiato come la contingenza può
influenzare persone normali e farli diventare “il
male” quando calate in una particolare
situazione. Ma può qualcuno essere calato in
una situazione che lo ispira a compiere azioni
straordinarie... e diventare davvero un eroe?
Ho il sogno che questa nazione un giorno si
solleverà e vivrà appieno il suo credo: “Noi
riteniamo queste verità di per se stesse
evidenti: che tutti gli uomini sono creati
uguali”. Io ho un sogno che un giorno sulle
rosse colline della Georgia i figli degli ex
schiavi e i figli degli ex proprietari di schiavi
potranno sedere insieme al tavolo della
fratellanza. Io ho un sogno che un giorno
persino lo stato del Mississippi, uno stato che
ribolle del calore dell’ingiustizia, che ribolle
del calore dell’oppressione, si trasformi in
un’oasi di libertà e giustizia. Io ho un sogno,
che i miei quattro bambini vivranno un giorno
in una nazione dove non saranno giudicati
per il colore della pelle ma per il loro valore.
Io ho un sogno oggi. Ho il sogno che un
giorno in Alabama, con i suoi pervertiti
razzisti, con il suo governatore dalle cui
labbra gocciolano le parole “interposizione” e
“annullamento”; un giorno proprio lì in
Alabama, bambini e bambine neri potranno
unire le mani con bambini e bambine bianchi
come fratelli e sorelle.
57
58
Hero, 2013
Detail
My Chinese Hero said:
Amy and Phil's Platonic Hero said:
Phil's American Hero said:
I have no enemies, and no hatred. none of the
What defines heroism? What is contemporary
I have a dream that one day this nation will
police who have monitored, arrested and
impressionability (heroic action) when most
rise up and live out the true meaning of its
interrogated me, the prosecutors who
people do not have a religion, do not trust, do
creed: "We hold these truths to be self-
prosecuted me, or the judges who sentence
not know what to believe, how to give and what
evident: that all men are created equal”.
me, are my enemies. While I’m unable to
is the best way to conduct one's life? How does
I have a dream that one day on the red hills of
accept your surveillance, arrest, prosecution or
legitimized ideology, social and institutional
Georgia the sons of former slaves and the
sentencing, I respect your professions and
support sabotage momentum of “goodness”
sons of former slave owners will be able to sit
personalities, including Zhang Rongge and
by authority and illusion? How would an
down together at the table of brotherhood. I
Pan Xueqing who act for the prosecution at
everyday person's atheist life find emotional
have a dream that one day even the state of
present. I was aware of your respect and
anchor, tranquility of mind, and peace at heart
Mississippi, a state sweltering with the heat of
sincerity in your interrogation of me on
without the security offered by religion, which
injustice, sweltering with the heat of
December 3. For hatred is corrosive of a
would then in exchange for and demand
oppression, will be transformed into an oasis
person’s wisdom and conscience; the mentality
disciplines' behavior to be virtuous, faithful,
of freedom and justice. I have a dream that
of enmity can poison a nation’s spirit, instigate
loving because Jesus died for our sins and he
my four little children will one day live in a
brutal life and death struggles, destroy a
is the ultimate hero who sacrificed and brought
nation where they will not be judged by the
society’s tolerance and humanity, and block a
salvation to all. In a way, how can an everyday
color of their skin but by the content of their
nation’s progress to freedom and democracy.
man, living in 2013 become a hero, if he/she
character. I have a dream today. I have a
I hope therefore to be able to transcend my
does not believe in the example of medieval
dream that one day, down in Alabama, with its
personal vicissitudes in understanding the
heroism (i.e. religion) and still want to be good?
vicious racists, with its governor having his
development of the state and changes in
Or evil offers a better deal to existence? While I
lips dripping with the words of interposition
society, to counter the hostility of the regime
was asking this question, I met Professor Philip
and nullification; one day right there in
with the best of intentions, and defuse hate
Zimbardo and encountered his Heroic
Alabama, little black boys and black girls will
with love... I do not feel guilty for following my
Imagination Project. Although he was known
be able to join hands with little white boys and
constitutional right to freedom of expression,
previously as Dr. Evil because of his infamous
white girls as sisters and brothers.
for fulfilling my social responsibility as a
Stanford Prison Experiment in 1971, whereby
Chinese citizen. Even if accused of it, I would
he studied how situation can influence regular
have no complaints.
folks and turned them into “evil” when they
were put into the situation. But can anyone be
put into situation that inspire them to do
extraordinary deed... and become hero?
59
Cinderella revealed, 2008
Various materials.
(var. dim.)
Soyeon Cho crea sculture e installazioni
sorprendenti. Cho si è concentrata
sull'utilizzo di materiali ordinari, come qtips, parti di mobili e forchette di plastica.
Insegna al suo pubblico la magia
nascosta e i mondi dentro gli oggetti
apparentemente più trascurabili. Questo
va in parallelo con la sua fondamentale
fede nell’unicità e capacità di ognuno di
creare la bellezza. Il suo lavoro ci ricorda
il valore intrinseco di ognuno di noi al di là
della nostra funzione nella società. In
ultima istanza ci mostra la capacità infinita
della mente umana di re-immaginare e riWithout doubt, 2013
Various materials.
cm. 150 x 150 x 150
creare il proprio mondo chiamato
"utopianlandscape" (paesaggio utopico).
Soyeon Cho
Soyeon Cho creates exciting sculptures
and installations. Cho has focused on
using everyday materials such as q-tips,
parts of furniture and plastic forks. She
teaches her audience about the hidden
magic and worlds within the most
seemingly negligible objects. This
parallels her fundamental belief in
everyone’s uniqueness and capacity for
creating beauty. Her work reminds us of
everyone’s intrinsic value beyond their
South Korea
function in society. Ultimately she shows
us the unending ability of the human mind
to re-imagine and re-create its own world
called "utopianlandscape".
Courtesy
Michela Rizzo Gallery,
Venezia
Cinderella castle, 2005
Various materials.
(var. dim.)
63
Wonderlandlust, 2005
Various materials.
(var. dim.)
Revelation, 2012
Archival print on photo
rag paper.
cm. 90 x 150
Considerando la natura del tempo come cosmologica e psicologica, e come fantasia e metafisica, le
mie opere sono un fluido strutturato di schizzi, fotografie, video, per la costruzione di complessi
montaggi monocromatici, basati sulla perfomance, che cercano costantemente di raggiungere o di
ritirarsi da un regno infinito di superfici e strati per creare contrasti tra tempo reale e percepito. Inoltre
utilizzando il riferimento del tempo come un concetto morale, dove il passato, il presente e il futuro si
fondono per comprendere la trasformazione del sé, il mio lavoro si rivolge alla nuova estetica della
bellezza, allontanandosi fortemente da ogni storicizzazione. Le opere trasmettono la profonda
complessità del tempo come uno stato, in cui si trova la redenzione dell'uomo. I montaggi che esploro
sono quelli delle immagini e dei concetti, a loro volta tratti in modo significativo dall'estetica del teatro.
Le opere sono stratificate in modo trasparente con gli elementi della performance e il figurativo è posto
nel mezzo temporale in relazione alla luce, al suono e alle occorrenze transitorie. Esploro strutture
narrative, tessendo guaine di fatti incidenti e di pensieri che vengono bloccati in un attimo fugace,
rendendo così l'effimero, l’eterno. I rimandi che ognuno sperimenta attraverso il mio lavoro si
intrecciano con ricordi privati e prospettive, generando storie personali e sociali che collidono.
La mia pratica si addentra nel regno psicologico della coscienza umana. Il processo creativo,
teatralizzato, concettualizza messe in scena dettagliate, durante le quali collaboro con artisti che
diventano i protagonisti dei miei lavori e disegni. La forma femminile ha una presenza particolarmente
forte nel mio lavoro, e rappresenta le qualità eterne e immutabili di rigenerazione, nutrimento ed
equilibrio. Le mie opere prevedono un nuovo ordine mondiale, definito da empatia e armonia, e
generato da una ri-definizione dell’equilibrio cosmico tra energie maschili e femminili.
Remen Chopra
Remen Chopra
India
Courtesy
Remen Chopra
and MK Search Art,
San Giovanni Valdarno.
Patronage
Associazione Italia-India
65
Understanding the nature of time as cosmological and psychological, and as fantasy and metaphysics,
my works are a structured fluid of sketches, photography, video, to construct complex monochromatic,
performance-based montages that are constantly reaching for and retreating from an endless realm of
surfaces and layers to create the contrasts of real and endorsed time. Further using the reference of
time as a moral concept, where the past, present and future merge to understand the transformation of
the self; my work addresses the new aesthetic of beauty, while drawing strongly from elements of
history. The works convey the deep complexity of time as a state, wherein, lies the redemption of man.
The montages i explore are those of imagery and concepts, which are drawn significantly from the
aesthetics of theatre. The works are transparently layered with elements of performance and the
figurative is placed in the medium of time in relation to light, sound and transient occurrences. I explore
narrative structures, weaving together sheaths of incidents and thoughts that are paused for a fleeting
moment, thereby making the ephemeral, eternal. The references that one experiences through my work
are interlaced with private memories and perspectives, causing personal and social histories to collide.
My practice delves into the psychological realm of human consciousness. Creating this through the
theatrical realm, my work conceptualizes detailed staged sets, during which I collaborate with
performers who become the represented subjects of my works and drawings. The feminine form has a
particularly strong presence in my work, and represents eternal and immutable qualities of
regeneration, nurturance and balance. My works envision a new world order, defined by empathy and
harmony, and engendered by a re-establishment of the cosmic balance between masculine and
feminine energies.
Remen Chopra
Beginning, 2012
Archival print on photo
rag paper and single channel
video projection.
cm. 150 x 90
66
Eternal transitions of
collective consciousness,
2012
Archival print on lambda
and plexiglass.
cm. 125 x 175
67
Lives within time if time lives
within it, 2012
Archival print on photo rag
paper.
cm. 120 x 185
Tamara Ferioli
Effimeri 2012
Pensils and hair on Japanese
paper mounted on canvas.
cm. 90 x 70 x 5
Italy
Courtesy
Tamara Ferioli.
Thanks to
Officine dell'immagine,
Milano
«I temi che affronta sono di carattere universale: la natura, la solitudine, l'amore,
il senso della caducità delle cose. Si appassiona al disegno e come in un
racconto visivo, Tamara Ferioli sa spargere i tanti pezzi di una storia per poi
ricomporne il puzzle man mano che le immagini si compongono, un tipo di
disegno, il suo, che a prima vista appare annebbiato, ma che in realtà ha un
proprio impianto ben definito, in grado di far avvicinare lo sguardo fin quasi a
cercare con l’opera un rapporto intimo. La storia adagio acquista corpo e
coinvolge opera per opera, si svelano lentamente numerosi dettagli e piccole
miniature, disegni e segni e tracce e impronte e passaggi di bellezza e di
mistero che si insinuano nell’incontro casuale tra fiori, capelli, tronchi, sassi,
insetti, foglie e segni. Lo sguardo di Tamara Ferioli sulla bellezza è uno sguardo
romanzesco, e come sempre nei grandi romanzi, è uno sguardo incrociato.
“The issues she deals with are of a universal nature, like loneliness, love, the
sense of the transience of things. She is passionate about drawing and like a
visual narrative, Tamara Ferioli sows the many pieces of a story then
reassembles the puzzle as the images come together. Her drawing might
appear hazy at first, but actually has its own well-defined system, able to attract
the eye as if almost seeking an intimate relationship with the work. The story
slowly takes shape and seduces, work by work, gently revealing many details
and tiny miniatures, drawings and signs and traces and prints and sweeps of
beauty and mystery that sneak into the random encounter of flowers, hair, logs,
stones, insects, leaves, and signs. Tamara Ferioli gazes on beauty with a
novelist’s eye and, as in great novels, it is a sidelong glance. The works of
Ferioli narrate a beauty that she has gathered in the alchemy that sometimes
è una bellezza, quella ‘raccontata’ nelle opere della Ferioli, che ha saputo cogliere quell’alchimia che
talvolta modifica e trasfigura, agli occhi del visitatore, i corpi e gli orizzonti in stati d'animo e gli stati
d'animo in corpi o in paesaggio. Questa capacità di trasmutazione è ciò che rende le immagini della
Ferioli poetiche, nelle sue opere si trova la traccia di un enigma che continua ad affascinare e a stupire, e
questo enigma è dato dalla contemporanea presenza di una solitudine dell’autore di fronte ad un
soggetto, sia esso un luogo o un individuo, o un fiore o un sasso, solitudine che diviene un incontro, che
diventa un rapporto. Questa dimensione poetica e romanzesca è sempre espressa dalle sue opere, tutti i
suoi soggetti sembrano esistere tramite una storia e da quel racconto alimenta e nutre le immagini stesse,
a cui si dà una nuova esistenza. Se la Giulietta shakespeariana è fatta della stessa materia di cui sono
fatti i sogni, Tamara Ferioli deve essere fatta della stessa materia di cui sono fatti gli incanti.(…) La
bellezza, quando non ci aggredisce, è paesaggio, cielo, ombra e luce, movimento, mani, albero, libri,
sassi, isole, foglie, erba, piedi e il mistero del corpo. è odore: un odore che cambia a seconda delle
situazioni, dei luoghi e dei corpi. Questa dimensione sensoriale nelle opere della Ferioli svolge un ruolo
centrale, diviene un modo per scoprire nelle sue immagini i molteplici dispositivi sensoriali, le sue figure
hanno il valore di scoperta, di invito, di sollecitazione alla riflessione, immagini dove l'emozione sembra
sedurre lo spettatore inducendolo all’avvicinamento.(...) Ed è questo l’orizzonte poetico che ci lascia
guardare Tamara Ferioli, un mondo di gesti e luoghi e penombre…tutto il repertorio emotivo in cui potersi,
finalmente, perdere.»
Francesca Alfano Miglietti
modifies and transfigures – in the eye of the viewer – bodies and horizons into moods and states of mind,
and states of mind into bodies and horizons. This transmutation is the ability that makes Ferioli’s images
poetic and her works contain the trace of an enigma that continues to fascinate and amaze. This enigma
comes from the simultaneous presence of the author’s solitude when dealing with a subject, be it a place
or an individual, or a flower or a stone, when solitude becomes a meeting and then a relationship. This
poetic and narrative dimension is always expressed in her works; all her subjects seem to exist through a
story and that tale feeds and nourishes the images themselves, giving them a new existence. If we are, as
Shakespeare says ‘such stuff as dreams are made on’, Tamara Ferioli must be made on the same stuff as
enchantments (...). Beauty, when it does overwhelm us, is landscape, sky, shadow and light, movement,
hands, tree, books, rocks, islands, leaves, grass, feet, and the mystery of the body. It is fragrance, a
fragrance that changes depending on situations, places, and bodies. This sensory dimension plays a
central role in Ferioli’s works, becoming a way of finding multiple sensory devices in her images, her
figures have the value of discovery, invitation, imploring reflection, images where emotion seems to
seduce the spectator and draws them close (...). And this is the poetic horizon that Tamara Ferioli allows
us to see, a world of gestures and places and shadows ... all the emotional repertoire in which we can
finally lose ourselves.”
Francesca Alfano Miglietti
70
71
1
2
Polittico:
Sleep start | spring 2012
Pensils and hair on Japanese
paper mounted on canvas.
cm. 40 x 50 x 5
Sleep start | winter 2012
Pensils and hair on Japanese
paper mounted on canvas.
cm. 40 x 50 x 5
3
4
Epifania del fuoco | spazio temporale 2012
Pensils, hair and watercolors on Japanese paper mounted on canvas.
cm. 90 x 120 x 5
Effimeri 2012
Pensils and hair on Japanese paper mounted on canvas.
cm. 90 x 70 x 5
5
Epifania del fuoco | arcobaleno razionale 2012
Pensils, hair and watercolors on Japanese paper mounted
on canvas.
cm. 90 x 120 x 5
6
7
Sleep start | autumn 2012
Pensils and hair on Japanese
paper mounted on canvas.
cm. 40 x 50 x 5
Sleep start | summer 2012
Pensils and hair on Japanese
paper mounted on canvas.
cm. 40 x 50 x 5
1
Miniature Serena, 2012
Oil on resin.
cm. 24 x 43 x 19
Il discorso scelto da Feuerman ci colloca all'intersezione delle
astrazioni della nostra cultura (frammentazioni) della realtà e della realtà
delle sue astrazioni. Riccamente suggestive di fantasiosi richiami, le
opere visualizzano, narrativizzano, situano, transano e descrivono. Esse
sono l’essenza di enormi finzioni culturali che sono lasciate allo
spettatore da dettagliare e tessere fino a completamento. La ricezione è
spesso taciuta dato che c'è una pubblica, se non addirittura privata,
disgiunzione tra la fantasia e le strutture narrative (regole o norme) che
rendono evidente perché sono tabù, in primo luogo. Lo spettatore viene
coinvolto non solo nell'atto di critica, ma nella gestione della critica e
(dove e a cosa dovrebbe essere applicata). Il ricevitore effettua queste
Carole A. Feuerman
distinzioni culturali sottili e le porta in un luogo inquieto di risoluzione e di
U.S.A.
irresolutezza, di abbraccio e di resistenza. La nostra fascinazione per
l’opera consiste, in parte, in queste anomalie cognitive, anomalie, va
aggiunto, che hanno dato sapore alla nostra tradizione del mito e che
rappresentano un persistente sub-testo per il nostro altrimenti noioso
classicismo.
Stephen C.Foster
Feuerman’s choice of a discourse centers us at the intersection of our
culture’s abstractions (fragmentations) of reality and the reality of its
abstractions. Richly suggestive in imaginative prompts, the works
display, narrativize, situate, transact and describe. They are the stuff of
huge cultural fictions that are left to the spectator to detail and weave to
completion. The reception is often unspoken since there is a public, if not
private, disjunction between the imagination and the narrative structures
(rules or norms) that account for why they are taboos in the first place.
The spectator becomes involved not only in the act of criticism but in the
management of criticism as well (where and to what it should be
applied). The receiver performs these subtle cultural distinctions and
Courtesy
1, 2, 4
Aria Art Gallery,
Firenze
3
Rarity Art Gallery,
Mykonos.
Thanks to
Paivihannele Tirkkonen,
Città di Arezzo.
Photo Alvaro Corzo
brings them to an uneasy place of resolution and irresolution in a case of
embrace and resistance. Our fascination with the work consists, in part,
in these cognitive anomalies; anomalies, it should be added that have
given spice to our traditions of myth and which represent a persistent
sub-text to our otherwise tiresome classicism.
Stephen C. Foster
2
Bubbles II with video
installation, 2011
Oil on resin, glass, video.
cm. 180 x 250 x 15.
74
4
nude Embrace, 2010
Oil on resin.
cm. 92 x 46 x 13.
75
3
Monumental Brooke with
Beach Ball, 2010
Oil on resin.
cm. 114 x 152 x 108
Vibha Galhotra
Orbis Unum, 2012
Wood, fabric, leather, metal.
(var. dim.)
India
Courtesy
Vibha Galhotra
and MK Search Art,
San Giovanni Valdarno.
Patronage
Associazione Italia-India
Orbis Unum - La pratica artistica di Vibha Galhotra affronta il trans-culturale nella specificità locale globale. Si concentra sul contesto, sullo spostamento, sulla nostalgia, sull'identità, sulla costruzione
dell'esistenza o la sua decostruzione, la banalità della cultura della negoziazione nel mondo in
cambiamento costante. L’opera tenta di intervenire per sostituire, decostruire e dissolvere il pensiero
esistenziale di un mondo di differenze, religioni, gerarchia, confini e potere. Galhotra si è ispirata alla
castità del bianco per ri-progettare le bandiere per One World, dove i simboli culturali e sociali di luoghi
geo-politici sono indicati, ma non differenziati. Utilizza una serie di media che vanno da video, a bandiere,
a suolo fino a ramoscelli / fronde in stratificazioni concettuali di questa opera.
Assenza Presenza - Cambiamenti climatici, riscaldamento globale, giungle di cemento che crescono,
risorse naturali che si vanno esaurendo. In questa epoca di fervente urbanizzazione, nuclearizzazione e
negoziazione, si tende a dimenticare (o ignorare) il nostro ambiente di vita, quello che sta rapidamente
scomparendo mentre si scivola verso la costruzione e la cementificazione. Stiamo smantellando il tesoro
che ci è stato dato. Il lavoro Assenza-Presenza esplora questo rapporto profondamente problematico con
la natura che incornicia la nostra utopia urbana. Questa utopia (o aumento di cosmopolitismo) scardina la
natura dall'ambiente, per poi tesorizzarla con simboli, fotografie e altri articoli consumabili. Il passero, che
è quasi scomparso dal mondo, ossessiona la nostra nostalgia...
Neo Mostro - Questo lavoro è la prosecuzione di una mezza decade di fidanzamento con la 'città'. La sua
reazione alla gigantesca urbanizzazione in rapida evoluzione tutto intorno a noi è stata di stupore e le
opere hanno esplorato questo timore, fascinazione, paura e ansietà. Le sue opere parlano della crescita,
dell'evoluzione e della trasformazione di una città in una identità globalizzata. Di solito utilizza materiali
non tradizionali per creare grandi pezzi, altamente tattili.
77
Orbis Unum - Vibha Galhotra's art practice addresses trans-cultural in the global local specificity. She
focuses on the context of displacement, nostalgia, identity, existence construction or deconstruction, the
banal cultural condition in, around environment of negotiations in the new constant changing world. The
work attempts to replace, deconstruct and dissolve the existential thought of the world of differences,
religion, hierarchy, borders and power. Galhotra has drawn from the chastity of white to re-design the flags
for One World, where the cultural and social symbols of geo-political places are denoted but not
differentiated. She involves series of medium that range from video, flags, soil and twigs/branches in
conceptual layering of this work.
Absence Presence - Climate changing, global warming concrete-jungles growing, natural resources
depleting. In these busy times of urbanization, nuclearisation, and of negotiation, we tend to forget (or
ignore) our living environment, one which is rapidly disappearing as we slip, through episodes of
construction and building. We are deconstructing our given boon. The work Absence-Presence explores
this deeply chasmed relationship with nature that frames our urban utopia. This utopia (or rise of
cosmopolitanism) discards nature from the environment, to later treasure it inemblems, photographs and
other consumable items. The sparrow, which has almost disappeared from the world, haunts our
nostalgia...
Neo Monster - This work is a continuation of a half a decade long engagement with the 'city'. Her reaction
to the fast changing gigantic urbanity all around us, has been that of awe and works explored this awe,
fascination, fear and anxieties. Her works speak of the growth, evolution and transformation of a city into a
globalised identity. She usually uses nontraditional materials to create large-scale, highly tactile pieces.
78
79
Absence Presence, 2011
1000 metal birds.
(var. dim)
neo-Monster, 2011
Inflatable sculpture, fabric,
blower, video projector.
cm. 1100 x 300 x 300
Installation view, 2011
Oil on straw panel.
cm. 193 x 133
Ximena Garrido-Lecca crea opere scultoree a partire da manufatti urbani e
immagini popolari che si trovano comunemente nelle regioni rurali del Perù, la
sua terra natale. Questi oggetti sono presentati come metafore della realtà sociale
e politica del paese e sono utilizzati quasi come vascelli per esplorare idee
diverse relative al consumismo, allo scontro di culture e a 'ciò che è essenziale
nella natura umana'. L'uso dell'arte come modello per esplorare temi socio-politici
sposta lo scopo stesso dell'arte da una traiettoria verso l'utopico grand-narrativo
al linguaggio più funzionale di tutti i giorni, portando con sé una maggiore
Ximena Garrido-Lecca
articolazione di ciò che questo può significare, con tutte le sue conseguenze.
Peru
Queste opere creano la suggestione di entrare in una stanza contenente
manufatti archeologici, vestigia di una civilizzazione, rovine urbane che
descrivono una cultura, ma allo stesso tempo il desiderio di un potenziale nuovo,
una cronaca visuale dello stato attuale del Perù. Puntano al futuro piuttosto che al
passato, e anche se possono suggerire malinconia o lutto, sono di fatto una
piattaforma e offrono un luogo liberato, inondato di nuove e inaspettate fioriture.
Ximena Garrido-Lecca creates sculptural works based on urban artefacts and
popular imagery commonly found in marginal regions of Peru, the artist’s native
home. These objects are presented as metaphors for the social and political
realities of the country and are used as vessels to explore different ideas related
to consumerism, clash of cultures and ‘what is essential in human nature’.
The use of art as a model to explore these socio-political subjects shifts its
purpose away from a trajectory of utopian grand-narrative to the more functional
language of the every day, carrying with it an articulation of what this may entail
and its consequences. These works impose a sense that one is entering a room
containing archaeological artefacts which can be seen as the remains of a
civilization, urban ruins that describe a particular culture and a desire for new
potential - a visual chronicle of Peru’s current state. They point to the future rather
than the past, and even though they hint at melancholy or mourning, they are in
fact a platform, proposing a liberated place awash with new and unexpected
Courtesy
Mimmo Scognamiglio
Contemporary Art,
Milano
blossomings.
Composition III, 2012
Raffia Bags.
cm. 400 x 300
Resistant shapes, 2012
Cans, wire and wood.
cm. 15 x 50 x 9
83
Steps, 2011
Metal and wood.
cm. 59 x 80 x 72
Mona Hatoum
Plotting Table, 1998
Wood, Mdf, UV rays,
fluo painting.
cm. 81 x 263 x 144
Lebanon
Private collection,
Torino.
Courtesy
Continua Gallery,
San Gimignano,
Beijing, Le Moulin.
Thanks to
Mario Cristiani
L'opera poetica e politica di Mona Hatoum è realizzata con una vasta e
spesso non convenzionale gamma di mezzi, dalle istallazioni alla
scultura, dal video alla fotografia, fino a lavori su carta. Mona Hatoum ha
iniziato la sua carriera realizzando video viscerali e performance negli
anni '80, concentrandosi con grande intensità sul corpo. Fin dall'inizio
degli anni '90 il suo lavoro si è spostato progressivamente verso
istallazioni su larga scala che mirano a coinvolgere lo spettatore con
emozioni contrastanti di desiderio e repulsione, paura e fascinazione.
Nelle sue singolari sculture Mona ha trasformato oggetti quotidiani,
familiari, domestici, come sedie, culle e utensili da cucina in oggetti
estranei, minacciosi e pericolosi. Persino il corpo umano viene reso
estraneo in lavori quali "Corps étranger" (1994) o "Gola profonda" (1996),
istallazioni che usano viaggi endoscopici attraverso il paesaggio
interiore del corpo stesso dell'artista. In Homebound (2000) e Sous
Tension (1999) Mona usa un assemblaggio di mobili casalinghi collegati
insieme da una corrente elettrica che si sente distintamente attiva combinando una sensazione di minaccia con un senso dell'umorismo
surreale per creare lavori che trascinano lo spettatore su un livello sia
emotivo che intellettuale. In sculture più piccole, come Traffic (2004) e
Twins (2006) Hatoum usa materiali di risulta, ricchi di patina e carichi di
risonanze personali, per creare lavori poetici, seducenti su una scala intima.
85
Mona Hatoum’s poetic and political oeuvre is realised in a diverse and
often unconventional range of media, including installations, sculpture,
video, photography and works on paper. Hatoum started her career
making visceral video and performance work in the 1980s that focused
with great intensity on the body. Since the beginning of the 1990s, her
work moved increasingly towards large-scale installations that aim to
engage the viewer in conflicting emotions of desire and revulsion, fear
and fascination. In her singular sculptures, Hatoum has transformed
familiar, every-day, domestic objects such as chairs, cots and kitchen
utensils into things foreign, threatening and dangerous. Even the human
body is rendered strange in works such as 'Corps étranger' (1994) or
‘Deep Throat’ (1996), installations that use endoscopic journeys through
the interior landscape of the artist’s own body. In Homebound (2000)
and Sous Tension (1999) Hatoum uses an assemblage of household
furniture wired up with an audibly active electric current - combine a
sense of threat with a surrealist sense of humour to create works that
draw the viewer in on both an emotive and intellectual level. In smaller
sculptures such as Traffic (2004) and Twins (2006) Hatoum uses found
materials, rich with patina and laden with personal resonance, to create
poetic, beguiling works on an intimate scale.
Nelle opere di Kaikkonen, gli oggetti si animano e ci parlano di storie, di
networking, 2010
Piazza de' Calderini,
Bologna
persone. Inoltre - e in particolare - parlano di lei. Evocano fragilità, ma anche
speranza e rigenerazione. Essi sembrano evocare negli spettatori
un’esperienza personale emozionale e al tempo stesso una sorta di mirroring,
un’identificazione nella comunità. Le grandi installazioni rappresentano una
comunità di voci passanti, in un dialogo con la natura e gli spazi sociali, nel
loro essere la storia di tutti e di ciascuno; una storia che trasmette
apertamente un sentimento universale in cui ognuno di noi può identificarsi, e
fare proprio ciò che è percepito più intensamente. Accanto alle
caratteristiche monumentali delle sue opere - sempre fortemente intrise degli
elementi ambientali e architettonici che li circondano - c'è anche un nucleo
legato alla impermanenza e fragilità dei materiali che punta in qualche modo
alla fragilità degli esseri umani. Il movimento di "Andare e venire" da qualcosa
Kaarina Kaikkonen
è un elemento formale ricorrente nell’opera dell’artista - come possiamo
Finland
vedere anche nei titoli dei lavori - contribuendo così a creare un ponte
temporale tra memorie del passato e la loro tensione verso il futuro.
Marina Dacci - Direttore Collezione Maramotti, Reggio Emilia
87
In Kaikkonen’s works, objects become alive and speak to us of stories, of
people. They also - and specifically - talk of her. They evoke frailness, but
also hope and regeneration. They seem to evoke in viewers an emotional,
personal experience, and at the same time a sort of mirroring, an
identification in the community. The big installations represent a community of
passing-through voices, in a dialogue with nature and social spaces, in their
being the story of each and every one; a story openly conveying a universal
feeling each of us may identify with, and draw what is perceived most
intensively. Alongside the monumental features of her works - always strongly
imbued with the environmental and architectural elements surrounding them there is also a core linked to the impermanence and frailty of materials
somewhat pointing back to the frailty of human beings. The movement of
“coming and going” from something is a recurrent formal element in the artist’s
Courtesy
Kaarina Kaikkonen,
Z2O Gallery,
Roma.
For ICASTICA works:
thanks to
Lebole,
support of
Eng. Alessandro Pinzuti work - as we can also see in the works' titles - thus contributing to create a
time bridge between past memories and their tension towards the future.
Marina Dacci - Director Collezione Maramotti, Reggio Emilia
Dialogos, 2012
MNBA, Santiago di Cile
A Connection, 2011
Pharos Arts Foundation,
Nicosia
89
Are We Still Afloat, 2013
Kennedy Center, Washington
L'horror film Alien (1979, by Ridley Scott) ha innescato consapevolezza nel
pubblico di mezzo mondo, circa il mostro umano. Il mostro può essere orribile, ma
mai privo di bellezza; tale creatura è la proiezione della nostra umanità, della parte
di noi che teniamo celata. E forse è soltanto vergogna! In arabo, per esempio, la
parola Ereeneh significa "ombra personale" e rende il concetto - come qualcosa
che ci segue ovunque… Ma in realtà è il nostro doppio. La paura del nostro "vero
io" può essere autodistruttiva, perché per vivere si deve superare, e spesso è
difficile. Allora, forse, il segreto sta nella memoria: nel suo non uso; occorre
dimenticare. Io, invece, mi sento ancora colpevole; non riesco a scordare di
Lebanon
Courtesy
Marya Kazoun.
Thanks to
Michela Rizzo Gallery,
Venezia
essere: perfino respirare è doloroso, per me. Il mio disagio mi spinge alla cura degli altri… Voglio
piangere per tutti! Consolarli, guarirli, confortarli. Questo è il senso del mio lavoro: la partecipazione
del mondo alla mia vita - come una pelle generale, globale, universale. La mia opera è un
abbraccio. L'arte è un parto; e il tessuto che uso è la mia espressione nel mondo. Mi vesto per
esistere nel tempi e nelle situazioni. La mia opera è indifesa senza me: a volte si sente debole e sola.
I miei pezzi esistono soltanto attraverso il cucito. E io sono felice quando si sentono indipendenti,
sebbene non possa stare io senza loro - io, principessa in mezzo ai miei bambini.
Marya Kazoun
91
Marya Kazoun
Time After Self - Portrait II
Performance 2012
Fabric, trash bags,
stuffing, thread
Beirut Exhibition Center
(var. dim.)
Time after self portrait 2009
(open performance)
Alien triggered a lot of awareness about the human monster. We fear it, our
monster, it can be hideous but not without beauty. These creatures represented in
movies are only our shadows, this part in us we have buried and hidden. What is
buried? Shame? The Ereeneh in Arabic is ‘personal shadow’. It follows us
everywhere. It is our double. Fear of our true selves can be auto-destructive. Why
do I still feel guilty. Even the simple act of breathing is hard and painful. It
motivates me to want to take care of everybody. I want to have all men cry in my
lap. I want to console them, to heal them and tell them it is okay. There is
temporary satisfaction is my work, in its organic forms, and the world made with skin like materials stitched
together. I am in physical pain because of the labor of their making and I embrace it, it is the labor of giving
birth. I dress up to fit times and situations. My work calls for me to participate and be in it. It’s sometimes feels
weak without me. They are stitched and given a physical and formal body, so they become grounded and
firm. I am happy when they are strong enough to stand on their own. These pieces are babies, my babies. I
nest and gestate.
Marya Kazoun
With you, i will never feel
lonely, 2007
Sewing Machine, Colours.
cm. 92 x 100 x 43
Il percorso artistico di Chen Ke ha tratto ispirazione dall'apparato iconografico
Chen Ke era alla ricerca di un mezzo più espressivo, poiché secondo l’artista i materiali possono esprimere
tipico della cartoon culture, a cui l’artista si sentiva attratta per la sua semplicità,
cose che l’immagine non può. Da piccoli oggetti di uso quotidiano come posate e ciotole, è arrivata
per il suo carattere fantasioso e irreale. Era affascinata dai fumetti per come
all’utilizzo di oggetti di maggior dimensione, scelti tra quelli regalatile, protagonisti della sua infanzia. ‘With
immagini e testo lavorassero insieme. Dai ricordi, dalla sua personale esperienza,
you I will Never Feel Lonely’ è testimonianza di questa continua ricerca di nuove sperimentazioni pittoriche,
si muove l’identità artistica di Chen Ke che, nei suoi lavori, sottolinea il senso di
dove però, a differenza dai primi lavori dell’artista, più semplici e diretti, veniamo immersi in un’atmosfera più
solitudine che caratterizzava la realtà di un’intera generazione di giovani cinesi,
cupa, misteriosa, che ci lascia sempre un senso di forte malinconia, legato alla trasformazione della società
nati in una ridotta struttura familiare come imponeva il regime del tempo. Bambine,
in cui viviamo. A metà strada tra la pittura e installazioni tridimensionali, questi lavori rappresentano una
introverse e depresse, caratterizzano sia le sue opere pittoriche, sia i suoi lavori
nuova fase nella ricerca di una delle maggiori artiste cinesi d’oggi, un’eroina contemporanea come la donne
più recenti, pitture su materiali diversi, come vecchi mobili e oggetti ritrovati. Non
che dipinge.
soddisfatta infatti dalla tela, sentendo la limitazione nell’uso di un unico medium,
Margherita Fava
Chen Ke
93
China
Private collection,
Arezzo.
Courtesy Chen Ke.
Thanks to
Marella Gallery, Milano.
Photo Andrea Fondelli
The artistic career of Chen Ke drew inspiration from the typical iconographic
was looking for a more meaningful medium, because the artist believes materials can express what the
apparatus of cartoon culture, to which the artist was attracted for its simplicity and
image cannot. From small everyday items like cutlery and bowls, she came to the use of larger objects,
imaginative, unreal nature. She was fascinated by the way images and text work
chosen from among those given to her as a child. With You I Will never Feel Lonely is the testimony of this
together in comics. Chen Ke’s artistic identity is inspired by her memories and
continuous search for new pictorial experimentation but, unlike her early work, it is simpler and more direct,
personal experience, and in her work she stresses the sense of solitude that
and we are immersed in a darker, more mysterious atmosphere, which always leaves us with a strong sense
characterized the way of life of an entire generation of young Chinese, born in a
of melancholy, linked to the transformation of the society in which we live. Midway between painting and
pared-down family structure imposed by the regime of the time. Introverted,
three-dimensional installations, these works represent a new phase in the research undertaken by one of the
depressed girls characterize both her paintings and her more recent works,
leading artists in China today: a contemporary heroine like the women she paints.
painted on different materials, like old furniture and retrieved objects. no longer
satisfied by the canvas, feeling the limitations of using a single medium, Chen Ke
Margherita Fava
Jennifer White Kuri
Soula, Lebanon, 2013
Acrylic and spray paint,
stencil, photo transfers,
markers, stitching on canvas.
cm. 208 x 208
U.S.A.
Courtesy
Jennifer White Kuri.
Thanks to
Paivi Hannele Tirkkonen.
Support of
FusionStorm,
Elixir Entertainment, Inc.,
Mood Designer Fabrics
Il Global Women Project è un ciclo in evoluzione di ritratti multimediali che viene
sviluppata nel corso di 10 anni e che, una volta completati, renderà la storia di tredici
donne influenti da ogni parte del mondo che stanno lavorando per migliorare i propri
contesti sociali, politici e fisici. Concepito da Jennifer White Kuri nel 2007, il Global
Women Project presenta queste donne con ricchezza pittorica e documentale mirata
a definirne le personalità e gli obiettivi professionali e spirituali. Influenzata dal suo
lavoro con Christo e Jeanne Claude, l’arte della neo-californiana Kuri trova le sue
basi nella pittura pura ma è sostanziata dalla pertinenza del processo sociale e dalla
significanza, così come dall’intento estetico. Di conseguenza, tutti i materiali e i
documenti coinvolti nella ricerca e nella composizione dei dipinti sono aderenti al
progetto come i dipinti stessi. Il processo di compilazione delle informazioni e la
trasposizione sulla tela è la chiave della concezione artistica di Kuri, così come della
sua produzione. Di conseguenza, il Progetto comprende dipinti terminati, annotazioni
e studi, e altri materiali preparatori. Ad oggi, il Global Women Project è composto da
quattro ritratti, a vari stati di completamento. Tutti e quattro, così come un autoritratto
dell’artista che documenta due anni di lavoro sul Global Women Project, fanno parte
dell’esposizione di Icastica.
Peter Frank
The Global Women Project is an evolving cycle of multimedia portraits being
developed over a 10 year period that, when completed, will chronicle thirteen
influential women from around the world who are working to improve their social,
political, and physical environments. Conceived by Jennifer White Kuri in 2007, the
Global Women Project presents these women in a pictorial and documentary manner.
Influenced by her work with Christo and Jeanne Claude, the art of the Californiabased Kuri may be grounded in pure painting, but is sustained by the pertinence of
social process and relevance as well as by aesthetic intent. Accordingly, all materials
and documents involved in research and composition of the paintings are as integral
to the project as are the paintings themselves. The process of compiling information
and translating it to canvas is key to Kuri’s overall conception as well as production.
As a result, the Project comprises finished paintings, notations and studies, and other
preparatory materials. To date, the Global Women Project comprises four portraits, in
various states of completion. All four of these portraits, as well as a self-portrait of the
artist documenting two years of her work on the Global Women Project, are part of
the ICASTICA exhibition. Peter Frank
Rossana, Panama, 2013
Digital sketch.
cm. 22 x 28
96
97
The Oceans, 2013
Digital sketch.
cm. 22 x 28
Tamara Kvesitadze
F=-F, 2011
Silicon, metal
and electric engine.
cm. 300 x 400 x 100
Georgia
Private collection,
Imola.
Courtesy
Tamara Kvesitadze
Tamara Kvesitadze tratta lo spazio degli ambienti con un'azione di
appropriazione sociale condivisa. L'artista usa il rapporto corpo privato / corpo
pubblico con la disinvoltura di un atto spontaneo, capace di apparire immediato
anche nel caso in cui sia stato analizzato, ponderato, meditato. L'installazione
F=-F simboleggia proprio tale stato di relazione: la modernità del vivere insieme e
velocemente - in modo risolutamente liquido - diventa il pretesto per stabilizzare
un'immagine ricorrente dell'umanità di oggi, tanto tecnologica quanto stressante.
Il ciclo del sentire di Kvesitadze risulta quindi denso di carattere consapevole e
deciso: la certezza dello "stare insieme" diviene il fastidio del condizionamento,
del dover trovare spazio, del fare posto ad altri - che sono gli altri. Resina
deformabile e meccanismi motorizzati per un effetto di transitorietà nella
localizzazione della presenza - in questo caso di volti che simboleggiano la
relazione: la difficoltà del contatto, dell'adattamento. Gli spazi di ognuno sono
determinati da quelli di tutti; e questa logica della compresenza fa sì che
l'individuo del Duemila sia presente al mondo in quanto pesante in società: a
regalare un nuovo ruolo all'essere umano contemporaneo, dibattuto perché
necessariamente condiviso. Tamara Kvesitadze indaga tale dimensione anche
coi mezzi della pittura... Il suo agire è evanescente, defilato, quasi perduto nel
desiderio di mascherarsi fra tutti. Anche dipingendo, l'artista manifesta tutto
l'apporto sociologico di un criterio decisivo dell'espressività; il linguaggio è
scomposto, irreale, salvifico per il tentativo del definire un destino umano
conquistato, eroico, in grado di trattenere la fuggevole versione di un'umanità
trasformata dal viatico del riassunto. Il senso del colore si confronta con quello di
volumi spesso apparenti e forse perfino smarriti.
Fabio Migliorati
99
Tamara Kvesitadze works with spatial environments by pursuing shared social
appropriation. The artist uses the personal body–public body relationship with the
ease of a spontaneous act, able to appear instantaneous even when it has been
analyzed, pondered, meditated. The installation F=-F symbolizes precisely this
state of relations: the modernity of living together and quickly – in a resolutely
liquid way – becomes the pretext for stabilizing a recurring image of humanity
today, as technological as it is stressful. Kvesitadze’s cycle of feeling is therefore
full of conscious and decisive character: the certainty of “being together”
becomes the nuisance of conditioning, of having to find space, make room for
others who are the others. Deformable resin and motorized devices give an effect
of transience in the localization of presence – in this case, faces that symbolize
the relationship: the difficulty of contact, of adapting. The spaces of each
individual are defined by those of all of us. This logic of shared presence means
that the Third Millennium individual is present in the world by weighing on society,
giving a new role to the contemporary human being, debated because
necessarily shared. Tamara Kvesitadze also investigates this dimension with the
medium of painting... Her hand is evanescent, understated, almost lost in the
desire to fade into the background. Even in her painting the artist reveals all the
sociological contribution of the decisive criterion of expressiveness: her language
is jumbled, unreal, its saving grace the attempt to define a seized, heroic human
destiny able to hold back the fleeting version of a humanity transformed by the
encouragement of the viaticum of synopsis. The sense of colour balances the
sense of the volumes that are often apparent and perhaps even astray.
Fabio Migliorati
Federica Marangoni
Art has no sex, 2013
Arezzo.
Red and blue neon,
cracked tube neon© red in
movement, barbed wire.
Site specific ICASTICA 2013 (var. dim.)
Italy
Courtesy
Federica Marangoni.
Thanks to
arch. Carlo Biasia
La visione del mondo di Federica Marangoni racconta di "Luoghi dell'Utopia", forme
di luce e cristalli di memoria, disegnando nel tempo e nello spazio dell'opera d'arte
la continuità di una scrittura dell'immagine. Il filo rosso che scrive la sua storia di
oltre trent'anni si snoda lungo il segno immobile, ma vibrante, della luce al neon, e il
segno mobile, ma freddo, del racconto elettronico. A livello metaforico, le è
congeniale la figura dell'ossimoro, dove i contrari diventano compossibili, come nei
lavori in cui l'artista racchiude onde di luce e forme di pensiero in geometrie solide,
cristallizzando affioramenti della memoria in scenari concreti di realtà. In questo
seducente viaggio tra reale e virtuale, l'artista coniuga l'inamovibile glacialità del
vetro alla mobilità pulsante di una narrazione visiva e di una poetica emozionale.
Federica Marangoni riesce, con un cumulo di frammenti di vetro colorato, a dare
simbolicamente immagine alle incrinature del reale, nel suo possibile confronto con
l'integrità utopica del sogno. Il suo viaggio nella trasparenza, nella luce e nel
colore, arriva da lontano: dalla cultura bizantina al colorismo veneto, dalla
secessione klimtiana al minimalismo di Dan Flavin, Donald Judd, Bruce Nauman,
fino al concettualismo di Joseph Kosuth.
Viana Conti
101
The vision of the world of Federica Marangoni recount "The Places of Utopia". In
forms of lights and crystals of memory, they design in the time and space of her art
the continuity of a written image. The main thread in the story of her work for these
past thirty years or more has run through an immobile, but vibrant sign of neon light
and through the mobile, but cold, sign of an electronic story. Metaphorically, the
oxymoron is congenial to her, with its jointly possible contrasts. There are works for
example, where she wraps waves of light and forms of thought in solid geometries,
and crystallizes the surfacings of memory in concrete scenarios of reality. In this
seductive journey between the real and the virtual, she combines the irremovable
iciness of glass with the throbbing mobility of a visual narration and emotional
statement. Using a heap of colored glass shards, Federica Marangoni symbolically
lends an image to the flaws of realty in its impossible confrontation with the utopian
fullness of dream. Her journey into transparency, light and color has come a long
way, from Byzantine culture to Venetian Colourism, from Klimt's Secession and the
Minimalism of Dan Flavin, Donald Judd, Bruce Nauman, to Joseph Kosuth's
conceptualism.
Viana Conti
Humanity, 2012
T.m. on canvassed paper
and neon.
cm. 160 x 80 x 5
Freedom, freiheit, libertà, 2010
Iron, Murano Glass and Neon.
cm. 120 x 120 x 120
102
103
People, 2005
Murano glass
and neon.
cm. 150 x 60 x 60
Biografias VI, 2012
Holland Paper Bienal.
Museum Meermanno.
The Hague,
m. 7,5 x 5,5 x 2,5
Oggetto familiare che da sempre la accompagna,
il libro per Alicia Martín non è soltanto un mezzo di
comunicazione attraverso il quale il sapere si codifica
e nel quale la cultura, nelle sue innumerevoli
declinazioni, forme e strutture, si specchia e si
riconosce. È anche tutto questo, certo, e non
potrebbe non esserlo. Per l’artista spagnola, infatti, la
scelta del libro non è casuale. Al contrario, è frutto di
una premessa consapevole. Deriva, cioè, da una
presa di posizione che, pur senza rifarsi a una teoria
sistematica ed esplicita, tende a negare la necessità
di archiviare, controllare e suddividere gli ambiti
della conoscenza; in fin dei conti, di segregare. Ed
enfatizza l’aspetto dinamico della cultura, il suo fluire
oltre i limiti del tempo e dello spazio.
Alicia Martín
Nicola Mariani
Spain
105
For Alicia Martín a book is a familiar object that she
always has with her and not only a means of
communication through which knowledge is encoded
and in which culture, in its many forms, shapes and
structures, is mirrored and identified. It is also all this,
of course, and how could it not be? Indeed, for the
Spanish artist, the choice of a book is not random.
On the contrary, it is the result of a conscious
premise. In other words, it drifts from a position which
does rely not on a systematic, explicit theory, but
nonetheless tends to negate the need to store,
control and divide fields of knowledge – which is to
segregate them. And emphasizes the dynamic
Courtesy
Museum Mermanno, Hague
Galica Gallery, Milano.
For ICASTICA works:
thanks to
Maretti Editore,
support of
Eng. Alessandro Pinzuti
aspect of culture, its flow beyond the limits of time
and space.
Nicola Mariani
Singularidad, 2011
Fundación Cidade
da Cultura, Galicia.
Santiago de Compostela.
m. 5,35 Ø
106
Parásitos, 2012
Holland Paper Bienal.
Museum Meermanno.
The Hague.
m. 3 x 2 x 2
107
Vórtice, 2010
Centro de Arte
de Alcobendas
Madrid.
m. 3 x 2,80
Proyectos de autismo, 2005
Le Creux de L'enfer.
Thiers.
100 m2
Type Theory, 2008
Wood, paper, polyurethane
resin and sintered nylon.
cm. 300 x 300 x 90
Detail
La Natura in Carla Mattii è coagulata secondo una versione epistemologica moderna.
L'artista indaga il mondo con la chiave della rivisitazione, incontro a un risultato estetico
evoluto ma ancora capace di rilasciare bellezza. Foglie e fiori sono bianchi: puliti, puri di
finzione, artificiosi, rifatti. Il confine naturale / artificiale è confuso… L'artista sa condurre la
propria lucidissima ossessione creativa per una via di limine in cui tutto si amalgama, pur
restando chiare le conseguenze: l'epoca contemporanea è stata capace di riprodurre
l'esistente. Tra verità e realtà sosta l'arte di Carla Mattii - tanto fedele al vero, quanto adatta
a definire il reale. L'arte si riferisce alla modalità umana del kit (lo stoccaggio dei pezzi di
cose, oggetti, giochi: componenti di un'unica struttura che deve essere montata); le parti,
qui, fanno sempre il tutto! Ma l'opera di Mattii non pretende ciò; l'assemblaggio è eventuale,
potenziale, inutile, infinito. L'umanità moderna ha rifondato la Natura, attraverso la citazione
della materia che, però, non è già più quella; il bianco l'ha cambiata: resa definibile,
disponibile, controllabile. La Natura adesso è chimica; non più viva allo stesso modo.
Adesso è idea, ricordo, servizio. E come un collezionista con modelli e istruzioni, l'artista si
concede di rilevarne le regole d'uso. Come l'alchimista, egli trasforma, attraverso fasi di
segreta biologia, la materia organica in copia pur senza copiarla. Ora quella materia è
ideale, e attende, perfetta, il dettaglio del proprio impossibile compimento. Carla Mattii e la
sua Natura: bella, paziente, innaturale.
Fabio Migliorati
Carla Mattii
109
Italy
Courtesy
1/9 Unosunove
Contemporary Art,
Roma.
Carla Mattii’s Nature coagulates in a modern epistemological key. The artist explores the
world as a revisitation that aims for an evolved aesthetic result still able to communicate
beauty. Leaves and flowers are white: cleansed, unadulterated pretence, fabricated,
retouched. The border between natural and artificial is blurred ... The artist knows how to
lead her most lucid creative obsession along a borderline where everything blends, while
the consequences remain clear: the contemporary period has been capable of reproducing
the extant. The art of Carla Mattii lingers between truth and reality, as faithful to the truth as it
is suited to defining reality. Her art refers to the human kit method (storage of pieces of
things, objects, games: components of a single structure to be assembled) in which the
parts are always the whole! Yet Mattii’s oeuvre does not demand this: assembly may occur,
it is possible, useless, endless. Modern humanity has re-established Nature through the
citation of matter that is no longer what it was, however. White has changed it and made it
definable, available, manageable. Nature is now chemistry, no longer alive in the same way.
Now it is concept, memory, service. And like a collector with models and instructions, the
artist allows herself to read the user instructions. Like an alchemist, through the stages of
secret biology she transforms organic matter into a copy without actually copying it. Now
that matter is ideal and awaits, perfect, the detail of its impossible completion. Carla Mattii
and her Nature: beautiful, patient, unnatural.
Fabio Migliorati
ST#9, 2009
Sintered Nylon, polyurethane
resin and iron.
cm 40x160x16,5
ST#10, 2009
Sintered Nylon, polyurethane
resin and iron.
cm. 40 x 160 x 16,5
110
111
Type Theory, 2008
Wood, paper, polyurethane
resin and sintered nylon.
cm. 300 x 300 x 90
ST#7, 2007
Sintered Nylon, polyurethane
resin and iron.
cm. 260 x 380 x 16,5
Sight of Memory, 2013
Stills from film recorded
in Syria
Nel video come nella pittura, Whitney McVeigh usa la suggestione del silenzio e della lentezza.
Tutto, nel suo lavoro, appare; tutto si trasforma, rivive. Lo sguardo come il colore definiscono
l'atmosfera, la dimensione di un linguaggio che è distanza e presenza insieme. Via, lontano: tanto
che, in fondo, si giunge all'origine, dentro tutti noi.
Fabio Migliorati
Whitney McVeigh
Fuori dalla materia informe del quadro emergono forme che ci ricordano gli esseri umani, forme
che suggeriscono le movenze di corpi che sono vivi con sentimenti e coscienza. Non sono dipinti
come se fossero a distanza - visti cioè nello spazio di un contesto visuale, l’immagine di un
soggetto in un ambiente. Sembrano invece vicini, quasi come impronte di corpi, ma ancora
abbastanza lontani da apparire come immagini. Questo leggero spostamento, tra il nudo, la
presenza fisica della pittura e l'intuizione di una figura umana, potrebbe essere visto come analogo
a quello leggero spostamento che esiste tra il corpo umano e l'essere umano.
Il lavoro di McVeigh è pieno di ritratti fotografici presi dalle riviste. Si tratta sempre di soggetti i cui
volti sono segnati e plastici. Sono innegabilmente solidi, carne e osse, eppure guardano la camera
con un’intensità d’espressione che si riconosce solo ad un altro essere umano. La questione in
gioco nelle immagini di McVeigh è la presenza, la possibilità che potremmo riconoscerne una che
corrisponde alla nostra nella visione della materia che è di fronte a noi.
United Kingdom
Courtesy
Whitney McVeigh
and Mimmo Scognamiglio
Contemporary Art,
Milano
© JJ Charlesworth
113
In the video-making, as in painting, Whitney McVeigh uses the suggestion of silence and slowness.
Everything in her work, appears, everything is transfigured and lives. The look as much as the color
defines the atmosphere, the size of a language which is both distance and presence. Away and
far: so much so that, in the end, we arrive at the origin, within us all.
Fabio Migliorati
Out of the formless matter of the paint emerge forms which remind us of human beings, forms
which suggest the gestures of bodies that are alive with feeling and consciousness. They’re not
painted as if they were at a distance - seen within the space of some visual surrounding, an image
of a subject in a setting. Instead, they seem up close, almost as imprints of bodies, but still just far
enough away to appear as images. This slight shift, between the bare, physical presence of the
paint and the intuition of a human figure, could be seen as analogous to that slight shift that exists
between the human body and the human being. McVeigh’s studio is full of portrait photographs
culled from magazines. They are always of people whose faces are full of shape and incident,
which are undeniably solid, flesh and bone, and yet looking at the camera with the intensity of
attention one accords another human being. The question at stake in McVeigh’s images is
presence; the possibility that we might recognise a presence that corresponds to our own in the
matter that is in front of us.
© JJ Charlesworth
Identity, 2010
Triptych, ink on paper.
cm. 38 x 28
Untitled III, 2009
Acrylic monoprint on paper.
cm. 122 x 153
114
115
Untitled IV, 2009
Acrylic monoprint on paper.
cm. 122 x 153
Auspiciously red, 2006
Wood, bronze,
Gouda Museum.
Detail
Auspicabilmente Rosso, installazione site-specific.
L'azione ripetitiva di avvolgimento con morbida lana per non perdere la forma originale del lampadario induce
la meditazione. Metaforicamente, parla del passato e della storia di questo luogo, la 'Casa delle Culture',
come è stata trasformata da convento a caserma dell'esercito. Il lampadario rivestito in lana rossa trasforma il
circostante dando efficace, calda sensazione di forza. La collocazione centrale, in basso, crea allusioni e
diffonde energia nello spazio. Questo oggetto storico stratificato diventa una rappresentazione / riflesso di noi
e del tempo trascorso. 'Red' si riferisce alla consapevolezza del sé come essere umano e al suo posto sulla
terra. È l'area della sopravvivenza e si riferisce ai nostri istinti umani fondamentali di lotta o fuga. Per icastica
2013, farò installare una serie di lampadari molto più bassi, in modo di averli all'altezza dello sguardo per
creare un dialogo con il pubblico.
In Determinazione, performance live.
Il recente orribile incidente nella mia città mi ha costretto a questa azione. L'azione di determinazione è una
azione di pulizia, un'azione di pace. In questo atto di "pulire" la violenza, continuo a pulire le macchie di
sangue con grande determinazione. Ho ideato questa performance non solo in riferimento ai fatti di sangue a
Mumbai o Delhi, ma alla violenza e alla guerra in tutto il mondo. Io uso la metafora di pulire le macchie di
sangue per cancellare idealmente il disonore, le cicatrici del disonore, la corruzione e lo spargimento di
sangue. Questa performance ha una forza struggente di cambiamento e di trasformazione. Noi, come esseri
umani, abbiamo la responsabilità di creare l'armonia e la pace nel mondo con consapevole determinazione.
Per Icastica 2013, la durata delle performance sarà da 30 a 40 minuti con un certo numero di attori coinvolti.
Monali Meher
Monali Meher
India
Courtesy Monali Meher
and MK Search Art,
San Giovanni Valdarno.
Photo Monali Meher
and NRLA, Glasgow.
Patronage
Associazione Italia-India
Auspiciously Red, Site-specific installation.
The repetitive action of wrapping with soft wool so as not to lose the original shape of the chandelier is
meditative. Metaphorically it talks about the past and history of this place, ‘Casa delle Culture’, how it was
converted from a monastery to barracks. The chandelier covered in red wool transforms the surroundings by
giving an effective, warm feeling of strength. Its central, low position creates various notions and energy in
the space. This layered historical object becomes a representation–reflection of us and processed time. ‘Red’
relates to self-awareness as human beings and our place on earth. It is the area of survival and relates to our
basic human instincts of fight or flight. For ICASTICA 2013, I will install a number of chandeliers much lower
down so they can be faced directly and to create a dialogue with public.
In Determination, Live performance.
The recent horrifying incident in my home city forced me to manifest this action. The action of determination is
an action of cleansing, an action of peace. In this act of cleansing violence, I keep cleaning the bloodstains
in strong determination. I forge this performance not just to relate to the incidents that took place in Mumbai
or Delhi, but for violence and war in the whole world. I use the metaphor of cleaning the bloodstains as the
action of erasing the disgrace, the scars of dishonour, corruption and bloodshed. This performance has a
poignant quality of change and transformation. We, as humans, have a responsibility to create the harmony
and peace in the world with meaningful determination. For ICASTICA 2013, the performance duration will be
30–40 minutes, with a number of actors involved.
Monali Meher
118
119
Auspiciously red, 2006
Wool, bronze.
Gouda Museum
(var. dim.)
In determination, 2010
Live performance,
duration 3 hours.
NRLA, Glasgow
Women of Allah, 1995
Gelatin silver print whit ink.
cm. 150 x 100
Mantenendo un forte distacco dai pregiudizi, sia da quelli del mondo Orientale, sia da quelli del mondo
Occidentale, ma senza rinnegare la sua duplice appartenenza, Shirin Neshat, esplora la complessità delle
condizioni sociali all’interno della cultura islamica, impostando un discorso figurativo altamente poetico,
capace di scuotere lo spettatore con immagini e muti racconti. Tra i suoi lavori più significativi, ricordiamo
Women of Allah, 1993-97, nato dall’esperienza del ritorno in patria e quindi dalla riflessione sulla cultura da
cui l’artista proviene e su quella a cui è ormai assimilata. Ed ecco quindi fotografie in bianco e nero che
ritraggono donne velate e primi piani di parti del corpo femminile, ricoperti da scritte che riportano e fanno
esplodere i controsensi della società, con la costante giustapposizione delle armi. Forte infatti è il gioco dei
contrasti, l’interesse verso il velo nasce proprio dalla sua natura ambigua nella cultura islamica e da come
quindi una donna possa esprimersi nonostante una tale limitazione. C’è la volontà di uscire dall’ovvietà di
discorsi su culture di cui in fondo non si conosce molto e sceglie il corpo, come superficie per trascrivere
segni forti, scritti direttamente sulla pelle: con la macchina fotografica in mano, ha lasciato che fosse il suo
corpo a parlare. Un corpo che non si può coprire con strati e strati di tessuto, ma che si scopre per
comunicare. Women of Allah tenta quindi di comprendere il cambiamento nel passaggio dalla Persia dello
scià al regime islamico, è il punto di vista di una donna iraniana che in soli pochi anni vive la realtà di un
paese radicalmente trasformato.
Shirin Neshat
Margherita Fava
Iran
Maintaining a powerful detachment from all prejudices, whether those of the East or of the West, while never
denying her dual belonging, Shirin Neshat explores the complexity of social conditions within the Islamic
culture, defining a highly poetic figurative dialogue, capable of rousing the spectator with images and silent
stories. Among her most significant works, Women of Allah (1993–97) was created from the experience of
returning to her homeland, therefore a reflection on the culture in which this artist originates and the other, in
which she has now become assimilated. Here are black and white photographs that portray veiled women
and close-ups of parts of the female body, covered in writings, which communicate and shatter the
contradictions of this society, and with the constant juxtaposition of guns. The play of contrasts is powerful;
her interest in the veil was born specifically out of its ambiguous nature in Islamic culture and the ways a
woman can express herself despite this sort of limitation. There is the willingness to escape the triviality of
discourses on cultures about which basically little is known, and she chooses the body as a surface to
transcribe powerful symbols written directly on the skin. Camera in hand, she lets her body speak for her, a
body that cannot be covered with layers and layers of fabric, but is uncovered in order to communicate.
Private collection,
Arezzo.
Courtesy
Shirin Neshat.
Thanks to
Noire Contemporary Art,
Torino.
Photo Andrea Fondelli
Women of Allah attempts to understand the change from the passing of the Persia of the Shah to the Islamic
regime; this is the point of view of an Iranian woman who, in just a few years, has experienced the reality of a
radically transformed country.
Margherita Fava
Yoko Ono, 2013
Yoko Ono
SPACE TRANSFORMER
Nutopia
Courtesy
Yoko Ono.
For ICASTICA works:
support of
Aboca.
Photo Kevin Mazur
© Yoko Ono
123
SPACE TRANSFORMER
SPACE TRANSFORMER
SPACE TRANSFORMER
In Icastica:
Ex It, 1997/2013
50 wooden coffins, living olive trees, sound.
(var. dim.)
Fly (installation version), 1970/2003
Film.
(var. dim.)
My mommy is beautiful, 2004/2013
Stretched and primed canvases.
(var. dim.)
Nina Papaconstantinou
Paul Eluard, Poems, 2011
Carbon copy, ink on paper.
cm. 40 x 30
Greece
Collection
Kerenidis Pepe, Parigi.
Courtesy
Nina Papaconstantinou
and Kalfayan Galleries,
Athens - Thessaloniki.
Il mio lavoro esplora la relazione tra segni, testo e tessitura. Nelle mie opere basate su testo affronto il testo
come un’immagine, quindi tento di minimizzare o eliminare ogni informazione che potrebbe servire
all’obiettivo autentico di comunicare significato tramite testo. Il testo passa attraverso varie trasformazioni per
diventare illeggibile, e quindi traccio o copio a mano un’immagine sfocata o una densa tessitura di esso, per
rivelare cosa il linguaggio in sé stesso genera: una rappresentazione elusiva. Parte del mio lavoro fa uso di
fotocopie ingrandite di testo o disegni, che in seguito traccio su carta. Vedo il tracciare come un processo di
riproduzione manuale di copie ingrandite, un processo che affonda nel tempo e inverte la procedura dal
manuale al digitale (scanner) o meccanico (fotocopiatrice). È un tentativo di tornare letteralmente alle origini
dei segni e all’inquietante sfondo o profondità dietro di essi. I disegni, vergando la pagina, sono una
combinazione di paesaggi di segni astratti semitrasparenti, grigi, vuoti spazi tra le lettere e contorni sfocati
dei caratteri tipografici tracciati accuratamente, o densi strati di testo scritto a mano attraverso un processo
che ricorda quello di una tappezzeria o di una tessitura. Certi disegni testuali fanno un riferimento più diretto
alla copia a mano tramite l’uso della carta copiativa per trascrivere interi libri su carta, riducendoli a una
singola superficie. Gli strati sovrapposti di testo rivelano quasi la forma del libro copiato e creano una nuova
superficie che converte il linguaggio da sistema di codici a informazioni indecifrabili. L’idea della copia scritta
o della riproduzione di testi allude allo scrupoloso lavoro degli amanuensi, invertendo ironicamente il risultato
finale visto che i disegni riflettono solo un’immagine del testo e non il testo stesso. In molti lavori non basati su
testo esploro le maniere per rivelare e nascondere l’immagine attraverso combinazioni di segni, con piccoli
segni di matita o di punteruolo, secondo temi legati a motivi di tappezzerie e cuscini, o incisioni del XIX
secolo per illustrazioni di libri. In questo caso, la mia investigazione è sulla percezione del disegno attraverso
una superficie intessuta piuttosto che la sua rappresentazione effettiva.
Nina Papaconstantinou
My work explores the relationship between marks and text and texture. In my text-based work I approach text
as an image, therefore I try to minimize or eliminate all information that would serve the very purpose of
communicating meaning through text. The text goes through different sorts of transformation in order to
become illegible, and then I trace or hand copy a blurred image or a dense texture of it, to reveal what
language itself generates: a deceptive imagery. Part of my work makes use of enlarged photocopies of text or
drawings, which I then trace on paper. I see tracing as a process of manual reproduction of enlarged copies,
a time-based process which reverses the procedure from manual to digital (scanner) or mechanical
(photocopier). It is an attempt to literally trace back to the origins of marks and the uncanny background or
depth behind them. The drawings on tracing paper are a combination of semi-transparent abstract
landscapes of marks, grays, empty spaces between letters and blurred typeface borderlines thoroughly
traced, or dense layers of handwritten text, through a process which resembles that of tapestry or weaving.
Certain text drawings make more direct reference to the handwritten copy, by using carbon paper to transcribe
entire books to paper, reducing them to one single surface. The superimposed layers of text reveal a certain
shape of the book copied and create a new surface that turns language as a system of codes back into
undecipherable information. The idea of the handwritten copy or the reproduction of texts alludes to the
painstaking labor of the monastic scribes, ironically reversing the outcome since the drawings only reflect an
image of the text and not the text itself. In several non text-based works I explore ways of revealing and hiding
the image through combinations of mark making, with tiny pencil marks, or puncturing, in themes related to
motifs of tapestries and cushions, or IXX century gravures for book illustrations. In this case, my investigation is
about the perception of drawing through a textured surface rather than the actual representation.
Nina Papaconstantinou
Aris Alexakis, 2010-2011
Part of 15 drawings, archival
ink on transparent paper.
cm. 40 x 30
Hush, 2009
Pin-pricks on paper.
cm. 79 x 59
130
131
Seven Bed Time Stories
(Justine) I, 2010
Pencil and pin-pricks
on paper.
cm. 32 x 26
Seven Bed Time Stories
(Brothers Grimm) I, 2011
Pencil on paper.
cm. 32 x 26
Carpet, 2010
Fabric.
(var. dim.)
L’opera Manto è basata su una collezione di piccoli pezzi di corallo che sono stati
composti per dare forma a un’entità più grande. Dopo una tempesta tropicale a
Panama, la costa era piena di migliaia frammenti di coralli, alghe e pesci morti. Ho
iniziato a raccogliere i coralli e quando sono tornata nel mio studio l’opera ha
cominciato a prendere forma. Manto è la riproduzione di un ampio tratto di mare
sospeso nel vuoto che tenta, tuttavia, di mostrare la vita esistente nel profondo
oceano. Lavoro con elementi di scarto naturali ormai da molti anni. Ho utilizzato
praticamente tutto ciò che ha attirato la mia attenzione. Tra le altre ho utilizzato
materia caduta da alberi o trovata in riva al mare, crisalidi abbandonate,
ramoscelli, nidi caduti, conchiglie, spine o radici secche.
Cecilia Paredes
Clarissa Pinkola Estés
Peru
Courtesy
Cecilia Paredes
and Michela Rizzo Gallery,
Venezia.
Thanks to
Michela Rizzo,
Fabio Migliorati,
Jay Reise
133
The work Manto is based on a small pieces of drift coral that I collected and sewed
together to form a larger entity. After a Caribbean tropical storm in Panama, the
coastline was covered with thousands of pieces of coral and algae, flotsam and
jetsam, and dead fish. I started to pick up the coral skeletons and when I got back to
my studio, the final work started to emerge. So Manto is a depiction of a large
stingray or sea creature that floats, but here suspended in the air and trying to convey
an existence that floats deep in the ocean. I have been working with discarded
elements of Nature for some years now and I pick up virtually everything that attracts
my attention that has fallen from a tree or is on the seashore or abandoned
chrysalises, twigs, fallen nests, shells, thorns, or dried roots, for instance.
Clarissa Pinkola Estés
134
135
Costarican landscape, 2006
Organic matter.
(var. dim.)
Void woven silver wire, 2009
Metallic wire.
(var. dim.)
Well of wishes, 2013
Paper.
(var. dim.)
Castaways, 2008
Mixed with found objects
from the coastlines of Ghana.
(var. dim.)
Surfacing, 2010
Artificial hair, wire.
(var. dim.)
"La strategia di Virginia Ryan, che afferma il diritto al suo proprio immaginario, fugge dalla logica del
dualismo estremistico: globalizzazione o tribalizzazione. Sceglie la strategia del nomadismo culturale per
sfuggire alle conseguenze perverse di un’identità tribale. Allo stesso tempo, sostiene la produzione
simbolica contro la mercificazione di un'economia ormai globale. In questo modo afferma il diritto alla
diaspora e a un viaggio multiculturale, transnazionale e multimediale. Elude così qualsiasi logica di
appartenenza attraverso una scelta di fondo che tende a negare il valore dello spazio, dell’habitat e
dell’antropologia circostante, in favore di un concetto di tempo condensato nella forma dell’opera".
Virginia Ryan
Achille Bonito Oliva
“The strategy of Virginia Ryan who states the right to her own imagery, fleeing the logic of dual extremism:
globalization or tribalization. She adopts the tactics of cultural nomadism to escape the perverse
consequence of a tribal identity. At the same time she claims symbolic production against the
commodification of a now global economy. In this way she states the right to the diaspora, to multicultural,
transnational and multimedia crossing. She thus eludes any logic of belonging through a fundamental
choice which tends to deny the value of space, habitat and the respective surrounding anthropology, in
favour of a value of time condensed in the form of the work.”
Achille Bonito Oliva
Australia
Courtesy
Virginia Ryan.
Thanks to
Achille Bonito Oliva,
Fabio Migliorati,
Paivi Tirkkonen,
Galerie Cecile Fakhoury
Topographies of the dark,
2007
Sculptural painting.
cm. 280 x 100 x 3
Vacuum, 2007
Two-channel video
installation, 17 minutes
Mi vedo in un paesaggio desertico, che aspiro la sabbia
del deserto. E' un processo infinito, mentre mi muovo
attraverso la sabbia in un gesto continuo di aspirazione,
come una contemplazione visiva sulla domanda: quanta
vita viene data e quanta viene presa?
Raeda Sa’adeh
Raeda Sa'adeh
Palestine
Courtesy
Sharjah Art Foundation.
Thanks to
kSd/cGr Art Profilers,
Karee Dahl,
Barjeel Art Foundation
139
I am seen in a desert landscape, vacuuming the sand of
the desert. It is an endless process, as I move across the
sands in a continuous vacuuming motion, as a visual
contemplation to the question of how much life is given
and how much is taken away?
Raeda Sa'adeh
140
141
Vacuum, 2007
Two-channel video
installation, 17 minutes
Vertigo, 2013
Horse hair, video
(room installation).
Detail
All'inizio degli anni 90 Belle Shafir realizzava principalmente sculture a partire da materiali naturali, e
istallava lavori ambientali di grandi proporzioni in cui sviluppava un linguaggio e una tecnica tutti propri,
che oscillavano tra il grezzo e l'artificiale, tra natura e cultura. In questi lavori e nei disegni o le pitture che li
accompagnavano Shafir esplorava la logica strutturale interna delle formazioni naturali, sviluppando una
sua immaginazione distintiva e persino delle tecniche personalizzate per trattare i materiali. Negli anni
seguenti, durante il primo decennio del 2000, il suo lavoro si è evoluto nel senso di una maggiore
introspezione, con l'enfasi che si spostava verso istallazioni per interni in cui il fisico e l'immaginario sono
intrecciati quasi inseparabilmente. Unità minuscole sono mescolate a formare complessi intricati in un
modo che ricorda aggregati molecolari che portano in sé le matrici profonde comuni sia alle sostanze
naturali che artificiali. Le particelle di vita che echeggiano nel suo lavoro alludono a processi nascosti che
formano segretamente mondi di realtà che giacciono tra i poli dell'integrazione da un lato e il
disorientamento dall'altro, crescita e distruzione, costruzione e de-sistenza. Belle Shafir esplora le tracce
della memoria impressa nelle vestigia della natura così come nei codici culturali, delineando le complesse
affinità tra la scrittura, il linguaggio e l'identità, sia privata che collettiva. Negli ultimi anni le discussioni su
mutazioni, genetica e clonazione hanno cominciato a infiltrare il suo lavoro. Belle si rivolge ai loro significati
esistenziali, etici e metaforici, scavando nelle loro implicazioni in contesti di autoidentità sottoposti a
cambiamento. Belle Shafir ha raggiunto grandi risultati nel campo dell'arte visuale. Ha tenuto numerose
esibizioni, monografiche e collettive sia in Israele che all'estero in diversi progetti artistici.
Belle Shafir
Ghila Limon - Herzliya Museum of Contemporary Art, Israele
Israel
Courtesy
Belle Shafir
Thanks to
Embassy of Israel
In the early 1990s Belle Shafir mainly sculpted from natural materials, and installed large-scale
environmental works in which she developed a technique and a language all her own, which oscillated
between the crude and the man-made, between nature and culture. In these works and in accompanying
drawings and paintings Shafir scrutinized the inner structural logic of natural formations, developing her
own imagery and even her own technique for treating her materials. In the ensuing years, during the 2000s,
her works grew more introspective, with the emphasis shifting to interior installations in which the physical
and the imaginary are intertwined almost inseparably. Tiny units are meshed together to form intricate
complexes in a manner reminiscent of molecular units comprising the depth structures of patterned
systems in nature and science alike. The enclaves of life echoing in her work allude to hidden processes
secretly shaping reality worlds which lie between the poles of integration and disorientation, growth and
destruction, construction and desistance. Shafir explores the traces of memory imprinted in nature vestiges
as well as in cultural codes, tracing the complex affinity systems between script, language, and identity,
both private and collective. In recent years, current dimensions pertaining to mutation, genetics, and
cloning have begun to infiltrate her work. Shafir addresses their existential, ethical, and metaphorical
meanings, delving into their implications in contexts of self-identity undergoing change. Belle Shafir
reached high achievements in the visual art field. She had lots of exhibitions, one man show & group
exhibitions in Israel & abroad and different art projects.
Ghila Limon - Herzliya Museum of Contemporary Art, Israel
Samsara, 2012
Horse hair.
(var. dim.)
144
145
Pins and Neddles, 2009
Horse hair and neddles.
(var. dim.)
Chiharu Shiota
1
State of being, kimono, 2012
Metal, kimono
and black wool threads.
cm. 150 x 100 x 80
Japan
Courtesy
1
Mimmo Scognamiglio
Contemporary Art,
Milano
2
Collection Hervé Lancelin,
Lussemburgo
3
Chiharu Shiota
Installation view in Francis Bacon e la
condizione esistenziale nell’arte
contemporanea (CCC Strozzina,
Firenze 5/10/2012 - 27/1/2013).
Photo ©_O'Mara_Mc Bride
4
Private collection,
Milano
Le opere di Chiharu Shiota stabiliscono con l'ambiente una sorta di relazione parassita. Pare che la
materia delle installazioni (di solito ambientali, giganti, ma anche sculture più immediate, quasi
bozzoli) assorbano lo spazio che occupano e se ne nutrano - come se dovessero vestire il già vestito
(quindi rivestire un contenuto primigenio, sia esso spazio od oggetto). Si tratta di istallazioni di filo nero
che sembrano impossessarsi di tutto ciò che ricoprono: figure, abiti, superfici). Tutto ciò perde infatti la
sua specificità, trasformandosi in supporto contaminato, ristabilito, quasi ammorbato di severa
creatività orientale. Dell'est si nota la caratterizzazione segnica, qui dichiarata graficamente attraverso
il simbolo del tessuto che così scrive nello spazio o intorno a esso. Shiota trasferisce energia che
emana da un imprecisato fulcro di "attività spontanea", cimentandosi nella produzione di stoffe
magiche e forse anche tetre, bensì capaci di risolvere il rapporto architettura / spazio in modo
possente e sconvolgente - a estendere forse il corpo essenziale dell'artista. L'opera di Chiharu Shiota
si propaga senza mai definire; è in grado d'inondare un territorio (connaturato o no) della visione
concettuale dell'artista, determinando nuove strutture e nuovi legami di appartenenza. Si rivelano
allora nuove possibilità: l'intreccio conferma la natura stessa dell'arte: trama oggettuale che diventa
umana; discorso individuale e soggettivo che si fa sociale e teso all'oggettività. Il paragone corre cioè
all'esistenza, alla vitalità surreale, al design, al positivo ricorrere dell'umanità a se stessa che però è
Natura. Densità, trasparenze, ritmo, poesia materiale... a conquistare la perdita conveniente delle
coordinate di certezza e sicurezza proprie dell'illusorietà umana. Il rimando aracnoide è facile, troppo
facile: strumenti musicali, vestiti di bambole, scarpe, letti - sono invece segnali dimentichi di loro
stessi, che tuttavia recuperano una finalità infinita estranea perfino all'identità manifestata.
The works of Chiharu Shiota establish a sort of parasitic relationship with the environment. The
materials of these installations (usually gigantic and environmental, but some also more immediate
sculptures, almost cocoons) absorb and feed off the space they occupy – as if they had to dress the
already dressed (and therefore clothe a primordial content, whether this be space or object). These
installations of black thread seem to take possession of all they cover: figures, clothes, and surfaces.
All this loses its specificity and becomes transformed into a support that is contaminated, reestablished, almost infected by a severe oriental creativity. The symbolic characterization of the East
can be seen, here graphically stated through the symbol for fabric written in space or around itself.
Shiota transfers the energy that emanates from an indeterminate fulcrum of “spontaneous activity,”
undertaking the production of cloth that is magical and perhaps dark as well, capable of resolving the
architecture-space relationship in a powerful and disturbing way – to perhaps extend the essential
body of the artist. The work of Chiharu Shiota spreads without ever becoming defined; it is capable of
inundating the territory (innate or not) of the artist’s conceptual vision, establishing new structures and
new connections of belonging. Thus new possibilities are revealed; the web confirms the nature of the
art; this objective weave becomes human; this individual and subjective discourse becomes social
and aimed toward objectivity. Therefore comparisons run to existence, to surreal vitality, to design, to
the positive return of humanity to itself, which is however Nature. Density, transparency, rhythm,
material poetry... to attain the convenient loss of the co-ordinates of certainty and safety precisely from
human illusoriness. The reference to spiders is easy, too easy: musical instruments, baby clothes,
shoes, and beds – these are instead symbols oblivious of themselves, yet which nevertheless restore
an infinite finality extraneous even to the manifested identify.
3
In Between, 2012
site specific installation.
black wool threads, football
net, wooden doors
2
State of being, children
dress, 2012
Metal and painted dress.
cm. 100 x 125 x 100
4
State of being, railway
signal, E, 2011
Metal and railway signboard,
wool threads.
cm. 30 x 30 x 30
Terra Mariana, 2013
Photographs, pigment print.
cm. 57 × 40
Essere una bionda (in Estonia) ha un certo significato. Capelli lunghi e biondi, unghie lunghe e tacchi
alti sono tutte prove di una vera donna, una bellezza, le cui chance nella vita sono superiori alla
media. Almeno è così che le riviste femminili estoni e i forum femminili su internet interpretano
l'argomento. Ho chiesto a una dozzina di bionde locali di posare per una serie fotografica. Prima della
sessione i loro visi sono stati dipinti secondo lo stile delle donne indigene della tribù Caduveo in
Brasile, così come il fenomeno fu registrato nel 1935 da Claude Levi-Strauss (Tristi Tropici). Le donne
Caduveo eccellevano nello stile non figurativo delle decorazioni facciali, che si tramandavano da
secoli. Secondo Lévi-Strauss, lo stile di queste pitture ricorda il design dei semi delle carte da gioco;
possono riferirsi alla topografia del villaggio come avere un intento erotico. Le foto realizzate da LéviStrauss mi hanno stregato, a me spettatrice contemporanea. I caduceo dipingevano i loro volti (e i loro
corpi) per affermarsi culturalmente, in opposizione alla natura. Mi sono subito domandata come
apparirebbero le bionde donne estoni se le decorazioni non simmetriche, simil-arabescate dei
Caduvei venissero trasferite sulle loro facce. Il loro capitale erotico acquisirebbe valore aggiunto così
da essere più performanti nella scalata sociale? Il nome Terra Mariana si riferisce all'Estonia come
Terra di Mary, data all'Estonia nel XIII secolo durante la crociata livoniana.
Liina Siib
Liina Siib
Estonia
Thanks to
Maria Ader,
Päivihannele Tirkkonen
To be a blond (in Estonia) has certain significance. Long blond hair, nail extensions and high heels
are all proof of a real woman, a beauty, whose chances in life are better than average. At least this is
how Estonian women’s magazines and the internet women’s forums interpret the topic. I asked a
dozen or so local blonds to pose for my photographic series. Before the session, their faces were
painted after the facial paintings of the indigenous women in the Caduveo tribe in Brazil, just as the
phenomenon was recorded in 1935 by Claude Lévi-Strauss (Tristes Tropiques). Caduveo women
excelled in the style of non-figurative face decoration, which was preserved through centuries.
According to Lévi-Strauss, the manner of these paintings resembles the design elements of playing
cards; this can refer to the village topography, most certainly containing a measure of erotic purpose.
The photographs of Claude Lévi-Strauss of the women with painted faces cast a strange spell over
me as a contemporary viewer. The Caduveo painted their faces (and bodies) in order to be cultured,
to oppose nature. I suddenly wondered what the Estonian blond women would look like if the
Caduveo-style non-symmetrical, arabesque-like ornamentation would be transferred to their faces. Is
their ‘erotic capital’ going to acquire an added value so they could be more efficient on the social
stage? The name Terra Mariana refers to Estonia as the Land of Mary given to Estonia in the 13th
century during the Livonian crusade.
Liina Siib
Terra Mariana, 2013
Photographs, pigment print.
cm. 57 × 40
153
Come Forth, 2011
Ink and colored pencil
on Nepalese paper.
cm. 195 x 148
Kiki Smith è una figura di spicco tra gli artisti che si rivolgono agli aspetti filosofici, sociali
e spirituali della natura umana, la cui carriera si dipana ormai su tre decenni. Dalle opere
trasgressive della metà degli anni '80 che si confrontavano con la mortalità, la
dissoluzioni dei corpi e il decadimento fino alle sue esplorazioni del mondo naturale e
della "domesticità", il suo lavoro è stratificato di significati e metafore. Kiki impiega
un'ampia gamma di materiali non convenzionali, che vanno dal latex alla cera d'api e
all'oro, fino a esprimersi attraverso mezzi diversi che includono pittura, fotografia,
creazione di libri, scultura, disegno e stampa. Ha anche lavorato con il vetro per oltre 20
anni. Tra le sue ultime opere in vetro è compresa una monumentale finestra di vetro
dipinto, disegnata in collaborazione con l'architetto Deborah Gans per la Sinagoga di
Eldridge street (un punto di riferimento della Storia Nazionale che si trova a New York,
nella Lower East Side) e Pilgrim (2007-10), un viaggio ciclico narrato attraverso immagini
di donne, comprensivo di 30 pannelli di vetro colorato (istallata in Kiki Smith: Lodestar at
The Pace Gallery nel 2010). Nel 2012, il Fondo per la Produzione dell'Arte ha inaugurato
una grande istallazione realizzata da Kiki nello spazio progettuale The Last Lot, situato
tra la 46ma Strada e l'Ottava Avenue.
Kiki Smith
155
U.S.A.
Courtesy
Continua Gallery,
San Gimignano,
Beijing, Le Moulin.
Thanks to
Mario Cristiani.
Photo Ela Bialkowska
Kiki Smith is a leading figure among artists addressing philosophical, social, and
spiritual aspects of human nature, whose career spans more than three decades. From
Smith’s transgressive works of the mid-80s that dealt with mortality, bodily dissolution
and decay to her explorations of the natural world and domesticity, her work is layered
with meaning and metaphor. Smith employs a wide range of non-traditional materials
ranging from hair and latex to beeswax and gold to a diverse body of work that includes
painting, photography, bookmaking, sculpture, drawing, and printmaking. She has also
worked with glass for more than twenty years. Smith employs a wide range of nontraditional materials ranging from hair and latex to beeswax and gold to a diverse body
of work that includes painting, photography, bookmaking, sculpture, drawing, and
printmaking. She has also worked with glass for more than twenty years. Her recent work
in glass includes a monumental stained glass window designed in collaboration with
architect Deborah Gans for the 1887 Eldridge Street Synagogue, a National Historic
Landmark located on New York’s Lower East Side, and Pilgrim (2007-10), a cyclical
journey narrated through the images of women, comprised of 30 stained-glass panels
(installed in Kiki Smith: Lodestar at The Pace Gallery in 2010). In 2012, the Art
Production Fund unveiled a major installation by Smith in The Last Lot project space,
located on 46th Street and Eighth Avenue.
Come Forth, 2011
Ink and colored pencil
on Nepalese paper.
cm. 195 x 148
Detail
136
156
157
Listen, 2010
Ink and colored pencil
on Nepalese paper.
cm. 180 x 170
Marianna Uutinen
Memoryfun, 2009
Acrylic on canvas.
cm. 240 x 200
Finland
Courtesy
Marianna Uutinen
Marianna Uutinen ha introdotto innovazioni senza precedenti nei templi dell'Arte fin dal suo
debutto nel 1989. La sue immagini radicali (o la loro assenza), i colori lividi e le tecniche di pittura
non convenzionali hanno creato un marchio che l'ha portata fino alla Biennale di Venezia (1997) e
ad altri eventi internazionali, alla cattedra di professore in Finlandia e a molte retrospettive
personali. Le opere di Marianna Uutinen sono un mix originale e stimolante dei materiali sintetici
della pop-art e delle macchie subliminali di inchiostro dell'informalismo. Gli sfondi nelle sue tele
sono dipinti con sfumature al neon brillante di rosa e verde, la loro luce artificiale resa sudicia
intingendo i pennelli nel nero. Sono presenti citazioni a grandi artisti del passato, ad esempio i
drappeggi lussuosi di Rubens e le superfici tagliate o strappate di Fontana. Come quegli artisti
nel loro tempo, Uutinen sfida la nostra concezione della bellezza, mentre testa i limiti i limiti di ciò
che è male o non ammissibile, chiamando in gioco i nostri più alti ideali. Tutta la sua arte ruota
intorno alla pittura e sull'espanderne le possibilità; è ricerca fatta dall'interno, rispettando la
tradizione, le tele rettangolari. Talvolta possono apparire immagini e simboli riconoscibili, come en
passant. Un cuore, ad esempio, questo abusato cliché dell'amore, è mostrato come segno vuoto,
un residuo carbonizzato di emozione stampata su uno stanco rosa pallido. Il senso del tempo,
nelle opere di Marianna Uutinen mi ricorda Andy Warhol. Quello a cui assistiamo è la brevità del
momento estesa all'infinito, un'immagine senza futuro né passato. Un'immagine in cui possiamo
riconoscere il nostro mondo e il nostro tempo.
Timo Valjakka
159
Marianna Uutinen has been overturning tables in the temples of Fine Art ever since her debut in
1989. Her radical images (or lack of them), poisonous colours and unorthodox painting
techniques have made a mark that has taken her to the Venice Biennale (1997) and other major
events, and brought her professorships and retrospective exhibitions in her native Finland.
Uutinen’s works are an original and enticing blend of the synthetic materials of pop art and the
unconscious ink stains of informalism. The backgrounds in her canvases are painted in bright
neon shades, pinks and greens, their artificial sheen made grubby using ordinary paint rollers and
house-painting brushes dipped in black. There are references to older art, for instance, to the
lavish draperies of Rubens and the slashed and ragged surfaces of Fontana. Like those artists in
their day, Uutinen challenges our notions of beauty, while testing out the limits of the bad and the
permissible, and calling our high ideals into question. Her art is about painting and about
expanding its possibilities; it is research done from the inside, respecting the basic premise of the
tradition, the rectangular canvas. Occasionally, recognizable signs and images may appear, as if
in passing. A heart, for instance, that clichéd symbol of love, is shown as an empty sign, a
charred remnant of emotion stamped on tired pale pink. The concept of time in Uutinen’s paintings
reminds me of Andy Warhol. What we are witnessing is a very brief moment stretched into infinity,
an image with neither future nor past. An image in which we can recognize our world and our time.
Timo Valjakka
Love, 2009
Acrylic on canvas.
cm. 200 x 240
160
161
M. Butterfly, 2009
Acrylic on canvas.
cm. 240 x 200
Untitled, 2010
Acrylic on canvas.
cm. 240 x 210
Mardin Biennale, 2010
Remagen
Silicon.
cm. 680 x 340
Heike Weber risale all'antico per presentare
all'attualità il proprio codice espressivo. Significa
che, guardando indietro e ad Oriente, il tempo e
la geografia diventano coordinate utili a scoprire
un nuovo modo di svelare il proprio mondo
personale, privato, interiore. E tale concezione
riguarda, però, direttamente il rapporto col
presente, perché il valore oggettivo del lavoro di
Weber si esplicita intorno al criterio relazionale
dell'arte, quindi dell'opera che si conquista
considerazione spaziale; Weber usa il silicone, il
filo di tessuto, il colore… verso una tipicità della
comunicazione che tende all'oggettività
espressiva, all'uniformazione estetica, alla
spersonalizzazione dell'identità autoriale proprio
mediante la padronanza di una "tecnica". Tutto,
per realizzare opere di derivazione iconografica
(kilim: in persiano ‫ میلگ‬gelim) o ambientale
(decorazione: di solito circolare o comunque non
ortogonale, oppure realistica), con l'energia del
gusto e dunque ancora del bello. L'artista usa la
Heike Weber returns to the ancient to introduce
his own expressive code to the present day. This
means that, looking backward and to the Orient,
time and geography become useful coordinates
in discovering a new world to reveal his own
private, personal, inner world. This concept
directly regards the relationship with the present
nonetheless, because the objective value of
Weber’s work is expressed around the relational
criteria of art, and therefore of work that attains
spatial considerations; Weber uses silicone, cloth
thread, and colour … moving toward a typical
quality of communication that tends toward
expressive objectivity, aesthetic uniformity, and
the depersonalization of the author’s identity
precisely via the mastery of a “technique.” All this
creates works of a derivation that may be
iconographic (kilim: in Persian ‫ میلگ‬or gelim) or
environmental (decoration: usually circular or in
any case with no right angles, or instead
realistic), with an energetic gusto and thus still
Heike Weber
163
Germany
Courtesy
Heike Weber
semplificazione dell'immediatezza linguistica,
della struttura d'arte che accoglie, del sistema
tecnico riconoscibile, per definire l'arte quale
risorsa da recuperare in termini di design e di
protesi architettonica, secondo analisi realistica
iconica (le figure di filo) o aniconica (i tappeti o le
ipotesi astratte orizzontali e verticali). Weber lega
così l'antico all'ambientale, per una soluzione del
contemporaneo fatta di stilemi ripresi ma
rielaborati; il suo è un modo raro del fare arte: si
riconosce per caratterizzazione di prodotti che
risolvono, e si conosce per immersione in contesti
che accolgono - il tappeto propone citazioni per
lo spazio, e la decorazione stabilisce relazioni per
l'uomo. Entrambe sono propagazioni individuali di
un destino creativo che diviene architettonico,
liberandosi come un virus estetico nell'ambiente.
Fabio Migliorati
something beautiful. The artist uses the
simplification of linguistic immediacy, the structure
of an art that welcomes, and a recognizable
technical system, to define art as a resource to be
recovered in terms of design and architectural
prosthesis, according to realistic analyses that are
either iconic (the thread figures) or non-iconic (the
carpets or vertical and horizontal abstract
hypotheses). Thus Weber links the ancient to the
environmental, for a contemporary solution made
up of stylistic elements that are appropriated yet
reworked; his is a rare way of making art,
recognizable for characterizations of products
that resolve and are known for immersion in
welcoming contexts – the carpet presents quotes
for the space, and the decorations establish
relationships for humanity. Both are individual
transmissions of a creative destiny that becomes
architectural, thus released into the environment
like an aesthetic virus.
Fabio Migliorati
Arp Museum, 2012
Silicon.
cm. 760 x 600
164
Museum Moderne Kunst
Kärnten, 2012
Silicon.
cm. 1050 x 540
165
Innocence series,
starting 2007
Live performance.
(var. dim.)
Le perle
Nel 2006, la mia vita era un deserto. Tutti sembravano occupati, attivi, vivi, mentre
io ero prigioniera nel mio appartamento. Nella mia vita non succedeva nulla e io mi
sentivo un oggetto come quelli nel mio appartamento. Un giorno ho ricevuto un
pacchetto di argilla da un amico. Ho iniziato con le mani a formare piccole palline
di porcellana, così senza pensare. Ma erano graziose. Per sfuggire dalla mia
letargia ogni sera lavoravo l'argilla e facevo palline, come Penelope che tesse la
tela in attesa di Ulisse, tranne che nella mia vita non c'era nessun Ulisse. Messe
insieme, tutte le perle formarono una collana lunga alcuni metri; molto bella,
Andrée Weschler
pesante, anche molto rigida. Questo succedeva alcuni anni fa e per me sarebbe
Singapore
impossibile ripetere quel processo creativo. Perché tutto è cambiato da allora: gli
altri… e anche io. Tuttavia il simbolismo insito nelle perle è rimasto e si è evoluto.
Questa volta la collana peserà 50 chili e rappresenterà i miei 50 anni di vita. È stata
un'idea nata spontaneamente, che ho abbracciato con gioia; 50 sembra un numero
contenuto, ma realizzare 50 chili di porcellana è un processo lungo e noioso.
167
The pearls
In 2006, my life was a desert. Everybody seemed busy, active, alive, while I was a
prisoner in my own apartment. Nothing was happening in my life, and I felt I was a
thing among others in my home. One day I received from a friend a pack of clay. I
started to roll small pearls of porcelain from the clay for no reason. They were cute.
To escape from my lethargy, every night I rolled pearls made of porcelain, like
Penelope weaving her tapestry while waiting for Ulysses, except that in my story
there was no Ulysses. All the pearls together became a very long necklace of a
few metres; very beautiful, very difficult to move, very heavy. This was some years
ago and for me it is now impossible to repeat that work. Everything has changed
Courtesy
Andrée Weschler.
Thanks to
Patricia Ong.
Support of National Arts
Council, Singapore
International Foundation,
Francis Poon of Occasions.
Photography and
videography
Anita Vozza,
Stefan Hugentobler since then: the others... and I. Therefore the symbolism of the pearls has evolved
as well. This time the necklace will weight 50 kg to embody my 50 years of life. It
was a spontaneous idea that I had, which I expressed the idea with joy; 50 is a
number so easily said but 50 kg of porcelain can be tedious and laborious.
La stringa - Passo tutte le mie giornate facendo perline. Le perle sono piccole
quando ho pazienza ed è notte, ma quando tu stai riposando e io sono stanca
diventano sempre più grandi. Creare ogni perla è un processo intimo. Farle è
stancante e terapeutico al tempo stesso. Dapprima la creazione delle perle, una
per una; quindi appena iniziano ad asciugare, ma non troppo, la bucatura con un
bastoncino satai. Ma è un piacere sempre vivo. Le dita sono stanche; il processo
titilla la mente, che rivive gli ultimi 50 anni, non sempre piacevoli. Dopo la cottura le
perle hanno perso il 30% del loro peso iniziale! Bisogna farne altre. Dopo ore,
settimane, mesi mi sono autonominata – con un neologismo di mia invenzione "La Perleuse". Una volta cotte anche le nuove, la sfida è infilarle tutte su un unico
filo. La difficoltà non sta tanto nell'infilarle nel filo da pesca, ma nel farle scorrere
lungo il filo per fare spazio a quelle ancora da infilare. In una parola, è un lavoro
infinito e io lo adoro.
Il vestito - I miei genitori vivono nella campagna francese. Ogni volta che torno da
loro mi rifugio in soffitta a frugare alla ricerca di tesori nascosti. Una volta ho
trovato una scatola con i vestiti di mia nonna. Si chiamava Louise Brenner. Da
dove vengo io le famiglie hanno spesso nomi tedeschi. C'erano vestiti, borse e
scarpe. E mi stavano bene! Ho preso tutte le sottane e da allora le indosso alle mie
performance. Un giorno me le hanno rubate, tutte, tranne quella che indosso ora,
l'ultima rimasta, con cui farò le mie performance d'ora in poi.
Andrée Weschler
168
Innocence series,
starting 2007
Live performance.
(var. dim.)
169
He string - I am spending all my days ‘pearling’. The pearls are small when I am
patient and late in the night, when you are resting and I am getting tired, the pearls
get bigger and bigger. Rolling each pearl is an intimate process. The process of
making them is draining and therapeutic at the same time. First, there is the rolling
of each pearl one by one; then when they are a bit dry, but not too much, I poke
them with a satay stick. It is an indefatigable pleasure each time. The fingers are
tired; the process tickles the mind, reviewing the past 50 years not always glorious.
After the pearls were fired, they lost 30% of their weight! Oh no! I had to roll some
more. After hours, weeks and months of making, I named myself with the
neologism “La Perleuse”. Once the pearls are fired, the next challenge is to thread
all of them onto a single string. The difficulty does not consist so much of passing
the fishing line through the holes of the pearls, but of making the existing pearls
move down the string in order to make space for the new pearls to come. Simply
said, that is a lot of work and I love it.
The Dress - My parents live in the French countryside. Every time I go back there, I
enjoy rummaging in the attic, hunting for forgotten treasures. Once I found a box
containing my grandma’s clothes. Her name was Louise Brenner. Where I come
from, most families have German surnames. There were clothes, bags and shoes.
They fitted me! I took all the underdresses with me. Since then I had been
performing in them. One day they were all stolen from me, except this one, the last
one that remains, which makes it precious. I will perform in it.
Andrée Weschler
Sanjie, 2003
Photography.
cm. 50 x 300
Nata negli anni 70, Cui Xiuwen cresce in un ambiente sociale relativamente
aperto e la sua opera si muove attraverso il territorio proibito del ‘sesso’, che
segna un nuovo corso di sviluppo per le artiste cinesi. I suoi primi lavori, dipinti
audaci e controversi, lasciano spazio nel 2000 alla scoperta da parte dell’artista
delle possibilità illimitate del video come mezzo d’ arte. Con una videocamera
nascosta presso il bagno di un nightclub pechinese riesce a catturare l’intimità
delle frequentatrici di certi locali e quindi con il video Ladies’ Room, il bagno
diventa spazio segreto in cui le donne possono cambiare la loro identità. Questo
video è stato censurato alla Triennale di Guangzhou e ha portato alla prima
causa in storia dell’arte contemporanea cinese, ma nonostante ciò, Cui continua
nel suo lavoro, ma dal radicale criticismo sociale si è sviluppato un nuovo
interesse per la sfera femminile e per le problematiche legate ad essa. Nella
serie One day in 2004, fotografie realizzate a computer, vengono invece riprese
le tematiche già presentate dall'artista nel precedente lavoro SanJie del 2003
dove veniva riproposta l'immagine dell'Ultima Cena di Leonardo attraverso la
figura ripetuta di una bambina cinese col fazzoletto rosso al collo e la camicia
bianca, simboli degli anni 50 ed emblemi, rispettivamente, di patriottismo e
purezza. Nell'ultima serie, riappaiono queste bambine, ora però ricoperte di
lividi e ferite, reduci forse dalla repressione e dal duro controllo che hanno
segnato gli anni 70. L'analisi si sposta quindi su un piano politico e se da una
parte la stessa artista si rivede in quelle bambine, dall’altro riaffiora la storia
collettiva cinese e gli sconvolgimenti che l’hanno caratterizzata. Un lavoro
complesso che esprime il sentire profondo dell'essere umano e la
consapevolezza civica di un intero paese.
Margherita Fava
Cui Xiuwen
171
China
Private collection,
Arezzo.
Courtesy
Cui Xiuwen.
Thanks to
Marella Gallery,
Milano.
Photo Andrea Fondelli
Born in the 1970s, Cui Xiuwen grew up in a relatively open social environment,
and her work moves through the forbidden territory of “sex”, which marks a new
path of development for Chinese artists. Her earliest works, audacious and
controversial paintings, left room in 2000 for the artist to discover the limitless
possibilities of video as an art medium. In her video Ladies’ Room, with a
camera hidden camera in the restroom of a Beijing nightclub she managed to
capture the intimacy of girls who frequented these venues. The restroom
becomes a secret space where women can change their identity. This video
was censured at the Guangzhou Triennial and led to the first lawsuit in the
history of Chinese contemporary art. Despite this, Cui Xiuwen continued her
work, but this progressed from radical social criticism to a new interest in the
feminine sphere and related issues. The series of computer generated
photographs, One Day in 2004, returns to the themes already introduced by the
artist in her previous 2003 work SanJie, in which the image of Leonardo’s Last
Supper was reworked using the repeated figure of a Chinese girl with a red
scarf around her neck and a white blouse, emblems from the 1950s and
symbols of patriotism and purity, respectively. In the latest series, these girls
reappear, now however covered in bruises and wounds, perhaps survivors of
the repression and rigid controls that marked the 1970s. Thus the analysis is
shifted to a political plane and although, on the one hand, the artist sees herself
in these girls, on the other hand collective Chinese history resurfaces along with
its characteristic upheavals. This complex work expresses the profound feeling
of being human and the civic awareness of an entire country.
Margherita Fava
Shoes, 1998
Shoes, photos, boxes.
(var. dim.)
Realizzazione artistica intimamente autobiografica sotto forma di foto-installazione è Shoes (1998), per cui
Xiuzhen ritaglia fotografie di varie età della sua esistenza e le cuce con ago e filo all’interno delle suole di
scarpe che le sono appartenute: 10 paia di puxie (scarpe di pezza tipiche dell’epoca di Mao e della sua
infanzia). Compie tali gesti assieme alla madre (che in gioventù aveva lavorato in un calzaturificio) - come a
ritornare al tempo trascorso e al significato che esse hanno avuto durante il suo percorso esistenziale.
Ricordi, esperienze, storia, riuso… ricreano un’atmosfera personale che l’artista mette a disposizione degli
altri, invitandoli alla riflessione e alla partecipazione della sua visione del mondo. Già agli esordi, materiali e
detriti venivano riutilizzati dall’artista come componimenti creativi, abbandonati a terra a memoria futura, a
volte con fotografie di residenti senza più dimora, a volte temporaneamente inseriti in nuovi contesti artistici come in Harp (1995), fili legati ad alberi e ancorati al suolo con pietre che formano una specie di strumento
eolico; o in Living Water (1996), sugli altipiani tibetani, sequenza di sacchi di plastica contenenti acqua, su pali
di legno, a ricordare le enormi bacchettine che gli orientali usano per mangiare (kuaizi); o anche in Shoes with
butter (1996), decine e decine di vecchie scarpe, abbandonate a lato di un laghetto tibetano, sono state
riempite di burro di yak con al centro stoppini per candele; oppure in Cemented Shoes (1995), 25 paia di
scarpe, rappresentative degli anni 60, fino ad allora calzate da uomini e donne di età differenti, sono adesso
colmate di cemento liquido e appese con una corda, al soffitto - bilance fanno da contrappeso. Tale criterio
espressivo offre una panoramica efficace del cambio dei tempi, e della relazione tra le persone e la società.
Yin Xiuzhen
Rosario Scarpato
China
Private collection,
Arezzo.
Courtesy
Yin Xiuzhen.
Thanks to
Officina Beijing, Beijing.
Photo Andrea Fondelli
Shoes (1998) is an intimately autobiographical artistic creation in the form of a photo-installation for which
Xiuzhen cut out photographs from various ages of her existence and sewed them with a needle and thread
into the insoles of her own shoes: ten pairs of puxie (fabric shoes typical of the Mao period and her
childhood). She made this work with her mother (who worked in a shoe factory in her youth) – as if returning
to times past and the meaning these had during her existential progress. Memories, experiences, history,
reprocess … They create a personal atmosphere the artist makes available to others, inviting them to
consider and participate in her vision of the world. From her very beginnings, materials and detritus were
recycled by this artist as creative components, abandoned to the earth of a future memory, at times with
photographs of residents now homeless, at times temporarily inserted into new artistic contexts – as in Harp
(1995), threads tied to trees and anchored to the ground with stones that form a sort of wind instrument; or
Living Water (1996), on the high Tibetan plains, arrays of plastic sacks containing water on wooden poles that
recall enormous chopsticks used as cutlery in the Far East (kuaizi); or also Shoes with Butter (1996), dozens
and dozens of old shoes, abandoned on the side of a Tibetan lake and filled with yak butter with candle
wicks in the centre; also in Cement Shoes (1995), twenty-five pairs of shoes, representative of the 1960s, until
then worn by men and women of different ages, are now filled with liquid cement and hung from a cord;
scales hung from the ceiling serve as counterweights. This expressive language offers an effective panorama
of changing times and the relationships between people and society.
Rosario Scarpato
Shoes, 1998
Shoes, photos, boxes.
(var. dim.)
175
Biographies
Biografie
177
Marina Abramovic
Macedonia
Marina Abramović (Belgrado, 1946) studia presso
Marina Abramović (Belgrade, 1946) studied at Belgrade
l'Accademia di Belle Arti di Belgrado dal 1965 al 1970;
Academy of Fine Art from 1965 to 1970, and completed
completa la sua formazione all'Accademia di Belle Arti di
her training at Zagreb Academy of Fine Art in 1972. From
Zagabria nel 1972. Dal 1973 al 1975 insegna
1973 to 1975 she taught at the Academy of Fine Art in
all'Accademia di Belle Arti di Novi Sad, e realizza le sue
Novi Sad, and realized her first works. In 1976 she left
prime installazioni. Nel 1976 lascia la Jugoslavia per
Yugoslavia for Amsterdam, while beginning a
Amsterdam, dove inizia la collaborazione - e la relazione,
partnership with German artist Ulay that lasted for twelve
per dodici anni - con l'artista tedesco Ulay. Viaggia in
years. She travelled in Australia, in the Thar and Gobi
Australia, nei deserti di Thar e del Gobi, in Cina; dal
deserts, in China. Since 1992 she has been holding
1992 tiene workshop, conferenze, esperienze espositive
workshops, conferences, and exhibition events
in tutto il mondo. Nel 1997 viene premiata con il Leone
worldwide. In 1997 her Balkan Baroque won the Leone
d'oro alla XLVII Biennale di Venezia per “Balkan
d'Oro at the 47th Venice Biennale. In the four-day
Baroque": quattro giorni in cui l'artista scarnifica una
performance the artist stripped the flesh from a mountain
montagna sanguinolenta di ossa di animale, cantando
of bloody animal bones, chanting litanies and intoning
litanie e intonando lamenti, tra video che celebrano la
laments, against a backdrop of videos celebrating her
sua appartenenza a un paese che in quegli anni è
belonging to a country that was torn by the war at that
dilaniato dalla guerra; nel 2003 vince il Niedersächsischer
time. In 2003 she won the Niedersächsischer Kunstpreis
Kunstpreis e il New York Dance and Performance Award.
and the New York Dance and Performance Award.
Ritratto di Marina Abramovic, 2012
Portrait of Marina Abramovic, 2012
©ORE Cultura S.r.l. and ©Laura Ferrari
©ORE Cultura S.r.l. and ©Laura Ferrari
179
180
Tatiana Akhmetgalieva
Russia
Shaikha Al Mazrou
United Arab Emirates
Tatiana Akhmetgalieva (1983, Kemerovo), si è laureata
Tatiana Akhmetgalieva (1983, Kemerovo), graduated
Nata negli Emirati Arabi nel 1988, Shaikha Al Mazrou ha
Born in the UAE in 1988, Shaikha Al Mazrou received a
all’Università regionale di Arte di Kemerovo, con
from Kemerovo regional art college, Department of
compiuto i suoi studi d'arte presso il College of Fine Arts
Bachelor' s degree in Fine Arts at the College of Fine
specializzazione in Design, e all’Istituto Pro Arte di San
Design, and from Pro Arte Institute of St. Petersburg Art
and Design, University of Sharjah nel 2010. Il suo lavoro
Arts and Design, University of Sharjah in 2010. Her work
Pietroburgo, corso di Arte e Cultura (corso "Nuove
and Culture fund (course "New technologies in modern
indaga l'uso dei rifiuti di prodotti di massa elettronici
investigates the use of mass-produced electronic waste
Tecnologie nell’Arte Moderna") e presso l’Accademia
art") and from St. Petersburg State Academy of Arts and
come materiale di base per la creazione di opere d'arte
as appropriated ready-mades for the creation of
Statale delle Arti e dell’Industria con A. Shtiglitz, nel
Industry by A. Shtiglitz, Department of Fine Textiles.
che esplorano colore, forma e interazione. A partire dal
artworks that deal with colour, form and interaction.
Dipartimento di Tessili Preziosi, Vite e Opere in San
Lives and works in St.Petersburg and Moscow.
2006 ha partecipato a varie esposizioni, malgrado la
Since 2006 she took part in variuos exhibitions, despite
Pietroburgo e Mosca.
Solo exhibitions: Freud Museum of Dreams,
giovane età. Ha esposto in patria e all'estero, tra cui lo
her young age. The artist has exhibited both nationally
Esposizioni monografiche: al Museo Freud dei Sogni di
Saint-Petersburg (2012); Turku Biennal, Aboa Vertus &
Shariah Art Museum (UAE), la Sharjah National Art
and internationally including at Shariah Art Museum
th
San Pietroburgo (2012); biennale di Turku, Museo Aboa
Ars Nova Museum, Finland, Turku (2011); The first Ural
Gallery (UAE), la House 44 alla Art Dubai in 2011, la 14
(UAE) at Sharjah National Art Gallery (UAE), at House 44
Vertus & Ars Nova, Finlandia, Turku (2011); la prima
Industrial Biennale of Contemporary art, The Sverdlovsk
Asian Art Biennale in Dhaka nel 2010 e negli USA al
and Art Dubai in 2011, at the 14th Asian Art Biennale in
Biennale industriale di arte contemporanea degli Urali,
Wool Spinning Mill, Ekaterinburg (2010); Center for
Tenri Cultural Institute di New York, alla Al Kafh Gallery in
Dhaka in 2010 and in the USA at Tenri Cultural Institute
The Sverdlovsk Wool Spinning Mill , Ekaterinburg (2010);
Contemporary Art Winzavod; The Platform for the Young
Palestina e alla ACU Gallery in Australia.
of new York, at Al Kafh Gallery in Palestin and ACU
il Centro di Arte Contemporanea di Winzavod; la
Artists, 3 Moscow Biennale of Contemporary Art,
Piattaforma per i Giovani Artisti, Biennale di Arte
Moscow (2009).
Contemporanea di 3 Moscow, Mosca (2009).
Group exhibitions: MMOMA, Moscow Exhibition
Esposizioni collettive: MMOMA, Moscow Exhibition
Feminism, Manege, Moscow (2013); Loft Project,
Feminism, Manege, Mosca (2013); Loft Project, San
St. Petersburg (2012); Museum of Dreams, 4th Moscow
Pietroburgo (2012); Museo dei Sogni, Quarta Biennale di
Biennale of Contemporary Art, Moscow, Calvert 22
Arte Contemporanea di Mosca, Calvert 22 Foundation,
Foundation, London, 7th Moscow International Festival,
Londra, 7th Festival Internazionale di Mosca, Mosca
Moscow (2011); Central Arts House, Moscow, 2nd
(2011); Casa Centrale delle Arti, Mosca, 2nd Moscow
Moscow International Biennale for Young Art,
International Biennale for Young Art, Mosca, The State
Photobiennale, Moscow, The State Hermitage Museum,
th
Hermitage Museum, San Pietroburgo (2010); 1 Moscow
Saint-Petersburg (2010); 1th Moscow International
International Biennale for Young Art, Mosca; Center for
Biennale for Young Art, Moscow, Center for
Contemporary Art Winzavod, Moscow, MMOMA, Mosca
Contemporary Art Winzavod, Moscow, MMOMA,
nd
(2008); ProArte Institute, Museum of Russian, 2
Moscow (2008); ProArte Institute, Museum of Russian, 2
Moscow Biennale of Modern Art, Mosca (2007); Kuzbass
the Moscow Biennale of Modern Art, Moscow (2007);
State Filarmonic, Kemerovo (2006); Central Arts House,
Kuzbass State Filarmonic, Kemerovo (2006); Central Arts
Mosca (2004).
House, Moscow (2004).
Gallery in Australia.
181
182
Maddalena Ambrosio
Italy
Anastasia Ax
Sweden
Maddalena Ambrosio inizia dalla Quadriennale di Roma
Maddalena Ambrosio’s debut was at the Rome
Anastasia Ax (1979, Stoccolma) vive e lavora a
Anastasia Ax (1979, Stockholm) lives and works in
del 2003. Poi il Museo Beelden Aan Zee di
Quadriennale, in 2003. Then the Dutch Museum Beelden
Stoccolma. Le sue esposizioni più recenti comprendono:
Stockholm. Her recent solo exhibitions include Pan
Scheveningen, Olanda, acquista una sua opera esposta
Aan Zee (Scheveningen) purchased one of her works for
Pan Theon, Fondazione Joan Miró, Barcellona, 2012;
Theon, Joan Miró Foundation, Barcelona, 2012; Bring
in modo permanente, finché sarà la volta di Ipermercati
permanent display. She then showed at the Ipermercati
Bring New Life to Death, in collaborazione con Marja-Leena
New Life to Death, in collaboration with Marja-Leena
dell’Arte, curata da Omar Calabrese nel 2004, al Palazzo
dell’Arte, curated by Omar Calabrese in 2004; at the
Sillanpää, Bonniers Konsthall, Stoccolma, 2012; Pan
Sillanpää, Bonniers Konsthall, Stockholm, 2012; Pan
delle Papesse di Siena, di Something Happened alla
Palazzo delle Papesse in Siena; Something Happened at
Theon, Moderna Museet, Stoccolma, 2012; Step into the
Theon, Moderna Museet, Stockholm, 2012; Step into the
Slovan National Gallery di Bratislava, curata da Lorand
Bratislava’s Slovan National Gallery curated by Lorand
current, AM art-space, Shanghai, 2012; Katarsis, in
current, AM art-space, Shanghai, 2012; Katarsis, in
Heghy, e del Premio Roger Dubuis Foundation di
Heghy; and the Roger Dubuis Foundation in Geneva. In
collaborazione con Lars Siltberg, Göteborgs Konsthall,
collaboration with Lars Siltberg, Göteborgs Konsthall,
Ginevra. Nel 2006 prende parte ad Arterritory, Musei
2006 she took part in Arterritory, in the Musei Capitolini e
Göteborg, 2012; Exile, Way out West, Göteborg, 2011;
Göteborg, 2012; Exile, Way out West, Göteborg, 2011;
Capitolini e Centrale Montemartini, Roma; due anni dopo
Centrale Montemartini, Rome; two years later she was
An Experimental Conference on Art and Science,
An Experimental Conference on Art and Science,
è la “Biennale di Carrara” curata da Francesco Poli, e
invited to show at the Carrara Biennale, curated by
Moderna Museet, Stoccolma, 2011; Reactor, Luleå
Moderna Museet, Stockholm, 2011; Reactor, Luleå
subito Regards Croise mostra in cui la Banca per gli
Francesco Poli; immediately afterwards there was
Konstmuseeum, Luleå, 2011; Trunk, Göteborgs
Konstmuseeum, Luleå, 2011; Trunk, Göteborgs
Investimenti Europei espone la propria collezione con
Regards Croisés where the European Investment Bank
konstmuseum, Göteborg, 2010; The Kid Below, Taidihalli,
konstmuseum, Göteborg, 2010; The Kid Below, Taidihalli,
tre opere fotografiche dell'artista (unica italiana a
showed a collection that included three photographic
Helsinki, 2010; L&A in collaborazione con Lars Siltberg,
Helsinki, 2010; L&A in collaboration with Lars Siltberg,
progettare un’opera per la Banca del Lussemburgo).
works by the artist (the only Italian to design an artwork
Galleri Verkligheten, Umeå, 2010; 2010, Göteborgs
Galleri Verkligheten, Umeå, 2010; 2010, Göteborgs
Nel 2011 e 2012 espone a Milano: Museo Pecci e
for the Bank of Luxembourg). In 2011 and 2012 she
Konstmuseum, Göteborg; 2010, The Kid Below,
Konstmuseum, Göteborg; 2010, The Kid Below,
Università Bocconi. Nel 2013 è invitata a Perugia,
exhibited in Milan at the Museo Pecci and the Bocconi
Reykjavik Art Museum, 2010; The Kid Below,
Reykjavik Art Museum, 2010; The Kid Below,
Palazzo della Penna, per "L'arte è un romanzo a cura di
University. In 2013 she was invited to show at Perugia’s
Konstakademin, Stockholm, 2010; Exile, Galleri Christina
Konstakademin, Stockholm, 2010; Exile, Galleri Christina
Luca Beatrice. La prima personale di Ambrosio risale al
Palazzo della Penna, for L’arte è un romanzo, curated by
Wilson, Copenhagen, 2010 e New Drawings and
Wilson, Copenhagen, 2010 and New drawings and
2004, dalla Galleria Scognamiglio di Napoli; nel 2009 è
Luca Beatrice. Ambrosio’s first solo show was in 2004, at
Sculptures, Natalia Goldin Gallery, Stoccolma, 2009.
sculptures, Natalia Goldin Gallery, Stockholm, 2009. In
ancora alla Galleria Scognamiglio di Napoli con
the Galleria Scognamiglio in Naples, returning to the
Nel 2010, Ax è entrata in finale per il Carnegie Art Award
2010, Ax was shortlisted for the Carnegie Art Award
Attention Please, mentre nel 2011 alla Maddox Arts
gallery with Attention Please, while in 2011 she was
2010. Le sue opere sono in mostra in diversi musei e
2010. Her works are on display at several museums and
Gallery di Londra con Zero Point. Un anno fa espone
invited to the Maddox Arts Gallery in London with Zero
gallerie d’arte, quali: Moderna Museet, Göteborgs
arthalls such as: Moderna Museet, Göteborgs
alla Galerie Placido di Parigi e alla Galleria
Point. Last year she exhibited at the Galerie Placido
Konstmuseum, Carnegie Art Award collection e Gävle
Konstmuseum, the Carnegie Art Award collection and
Scognamiglio di Milano.
(Paris) and the Milan branch of the Galleria
Konstcentrum.
Gävle Konstcentrum.
Scognamiglio
183
184
Candice Breitz
South Africa
Tania Bruguera
Cuba
Candice Breitz (1972, Johannesburg) attualmente vive e
Candice Breitz (Johannesburg, 1972) currently lives and
Tania Bruguera (1968, L'Havana) è tra le più note artiste
Tania Bruguera (Havana, 1968) is among the best-known
lavora a Berlino. Due anni dopo la laurea nel 1993
works in Berlin. In 1993 she graduated from the
contemporanee nel panorama internazionale. Nasce a
contemporary artists on the international scene. She was
presso la University of the Witwatersrand, consegue un
University of the Witwatersrand and two years later was
Cuba e attualmente vive e lavora tra Chicago, Parigi e la
born in Cuba and currently lives and works in Chicago,
primo master in storia dell’Arte presso l’Università di
awarded her first master’s degree in art history, from the
propria città natale. Dopo aver frequentato la Escuela de
Paris and Havana. After attending the Escuela de Artes
Chicago ed un secondo nel 1997 presso la Columbia
University of Chicago, followed by another in 1997, from
Artes Plàsticas San Alejandro e l’istituto Superior de
Plàsticas San Alejandro and the Instituto Superior de
University. Dal 2007 insegna Arti Visive presso
Columbia University. Since 2007 she has been teaching
Arte, a Chicago consegue il master of Fine
Arte, in Havana, she received a Master of Fine Arts in
l’Università delle Arti di Braunschweig e in questo stesso
Visual Arts at the University of the Arts in Braunschweig,
Art-Performance presso la School of Art Institute.
performance at the School of the Art Institute of Chicago.
anno riceve il Premio Internazionale d’Arte
and that same year she received the Prince Pierre of
Fondatrice e direttrice dell’Arte de Conducta (arte del
She is the founder and director of “Arte de Conducta”
Contemporanea Fondazione Principe Pierre di Monaco.
Monaco Foundation International Prize of Contemporary
comportamento), primo programma di studio dello
(“behaviour art”), the first study program for theatrical
Negli ultimi anni mostre personali del suo lavoro sono
Art. In recent years, her solo exhibitions have been
spettacolo teatrale nell’America Latina, insegna anche
performance in Latin America; she also teaches at the
state ospitate da, tra gli altri, il Temporäre Kunsthalle di
hosted, among others, by the Berlin Temporäre
all’Università IUAV di Venezia e all’University of Chicago.
IUAV University of Venice and the University of Chicago.
Berlino, il Palais de Tokyo di Parigi, De Appel ad
Kunsthalle, the Palais de Tokyo in Paris, De Appel in
Ha partecipato a Documenta 11 di Kassel, Performa a
She participated in Documenta 11 in Kassel, Performa in
Amsterdam, il San Francisco Museum of Modern Art e il
Amsterdam, the San Francisco Museum of Modern Art,
New York e a diverse Biennali in tutto il mondo: Venezia,
NYC and at several biennials worldwide: Venice,
White Cube a Londra. Esplorando il terreno della
and White Cube in London. Exploring the medium of
Kwangju, San Paolo, Shanghai, Havana e Santa Fe. Nel
Kwangju, Sao Paulo, Shanghai, Havana, and Santa Fe.
rappresentazione, Candice Breitz impiega una varietà di
representation, Candice Breitz employs a series of
2008 ha ricevuto il Prince Claus Award per la
In 2008 she received the Prince Claus Award for the
tattiche umoristiche ma allo stesso tempo inquietanti per
humorous but equally disquieting tactics for striking
rappresentazione del suo corpo come arena politica, per
representation of her body as a political arena, for the
colpire stereotipi e convenzioni visive, presentate e
stereotypes and visual conventions, presented and
la reintroduzione della performance art nella cultura
reintroduction of performance art in Cuban and Latin
accettate dai media e dalla cultura popolare.
accepted by media and popular culture.
americana cubana e latina e per il suo ruolo ispiratore
American culture, and her inspirational role in Cuban art.
nell’arte cubana.
185
186
Amy Cheung
Soyeon Cho
Hong Kong
South Korea
Amy Cheung (1973, Hong Kong) è un’artista concettuale
Amy Cheung (1973, Hong Kong) is a conceptual artist
Soyeon Cho (Seul, South Korea, 1974) è originaria della
Soyeon Cho (Seoul, South Korea, 1974) originally comes
che vive e lavora a Hong Kong. Nel 1996 ha ottenuto il
that lives and works in Hong Kong. In 1996 she gained
Corea, ma attualmente vive e lavora a New York e
from Korea and currently lives and works in New York
suo BA in Storia dell'Arte & Fine Art presso il Goldsmiths
her BA in History of Art & Fine Art from Goldsmiths
Toronto. Ha due lauree MFA, una dall’Università
and Toronto. She has two MFA degrees, one from Seoul
College di Londra e nel 1998 il suo MFA alla Slade
College in London and in 1998 her MFA from the Slade
Nazionale della Corea di Seul e una dalla School of
National University Korea and one from School of Visual
School of Fine Arts dell'Università di Londra.
School of Fine Arts of the University of London. Since
Visual Arts USA. Ha esposto le sue opere sia in patria
Arts USA. She has exhibited her work both nationally
Successivamente, ha realizzato numerose opere
graduation, she has initiated numerous city interventions
sia all’estero. Le sue istallazioni museali più recenti sono:
and internationally. Her most recent museum shows are
cittadine e progetti di arte pubblica sia a livello locale
and public art projects both locally and abroad. She was
The basic Utensils (MASS MoCA nello spazio bimbi,
The basic Utensils (MASS MoCA at kidspace, North
che all'estero. Ha ottenuto il Beck New Contemporaries
named one of Beck's New Contemporaries in the Uk and
North Adams USA 2011) Second Lives (Museum of Arts
Adams USA 2011) Second Lives (Museum of Arts and
nel Regno Unito e le è stato assegnato il Premio
was awarded the UNESCO Ascherberg Prize by the
and Design, NY 2008-2009), Artists in New York (Seoul
Design, NY 2008-2009), Artists in New York (Seoul Arts
UNESCO Ascherberg dal Fondo Internazionale per la
International Fund for the Promotion of Culture. She
Arts Center, Korea, 2007) e Altre Lilith, (Le Vestali
Center, Korea, 2007) and Altre Lilith, (Le Vestali dell’Arte,
dell’Arte, Frascati, Italia, 2006). Ha esposto un pezzo per
Frascati, Italy, 2006). She had shown on a piece for
promozione della cultura. Ha rappresentato Hong Kong
th
represented Hong Kong in 2007 in the 52 Venice
rd
nel 2007 alla Biennale di Venezia e nello stesso anno ha
Biennale and in the same year she received the
Glasstress, (53 Venice Biennale, Venezia, 2009).
Glasstress, (53rd Venice Biennale, Venice, 2009). Her
ricevuto l’”Outstanding Young Artist Award'' dalla Honk
''Outstanding Young Artist Award'' from the Hong Kong
Le sue monografiche più recenti sono presso: The Soul
most recent solo shows are The Soul Garden (Gallery
Kong Arts Development Council. Nel 2010 ha ricevuto il
Arts Development Council. She has been awarded a Lee
Garden (Gallery b'ONE,Seul 2012) SKL Gallery (Spagna,
b'ONE,Seoul 2012) SKL Gallery (Spain, 2009),
riconoscimento "Lee Hysan Foundation Fellowship" dal
Hysan Foundation Fellowship in 2010 by the Asian
2009), Ecological Collage 3 (Gallery HYUNDAI, Seul,
Ecological Collage 3 (Gallery HYUNDAI, Seoul, 2008),
Consiglio culturale asiatico che le ha consentito di
Cultural Council to participate in an international
2008), Alice in Hsin-Chu (Hsin-Chu International Glass
Alice in Hsin-Chu (Hsin-Chu International Glass Art,
partecipare ad un programma di residenza
residency program in New York and to meet artists and
Art,Taiwan, 2006) e Wonderlandlust (Galleria Michela
Taiwan, 2006) and Wonderlandlust (Galleria Michela
internazionale a New York e di incontrare artisti e curatori
curators around the United States beginning in
Rizzo, Venezia, 2005). Ha anche ottenuto borse di studio
Rizzo, Venice, 2005). She has also participated in
in giro per gli Stati Uniti a partire da settembre 2011.
September 2011.
a New York, compresa la Chashama Residency, Henry
residencies in New York including Chashama Residency,
Street Settlement Artist in Borsa di studio Program e al
Henry Street Settlement Artist in Residency Program and
Project Studio Program presso PS122.
Project Studio Program at PS122 .
187
188
Remen Chopra
India
Tamara Ferioli
Italy
Remen Chopra (1980, New Delhi). BFA in Fine Art dal
Remen Chopra (1980, New Delhi). BFA, Fine Art from
Tamara Ferioli (1982, Legnano), dopo aver studiato
Tamara Ferioli (1982, Legnano), after studying at Lyon’s
College of Art, New Delhi. MFA in Fine Art dal College of
College of Art, New Delhi. MFA Fine Art from the College
all'Ecole des Beaux Arts de Lyon, si diploma presso il
Ecole des Beaux Arts, she graduated from the painting
Art, New Delhi. Corsi di specializzazione: The School Of
of Art, New Delhi. Additional Studies: The School Of
Dipartimento di Pittura dell'Accademia di Belle Arti di
department of Brera Academy of Fine Art, Milan. She
Visual Art, New York.
Visual Art, New York.
Brera, Milano. Attualmente vive e lavora a Milano. Ha
currently lives and works in Milan. Ferioli has had
Monografiche selezionate: MK Search Art, San Giovanni
Selected Solo shows: MK Search Art, San Giovanni
all'attivo numerose mostre personali e collettive nazionali
numerous solo and group exhibitions, both nationally
Valdarno (2012); Sakshi Gallery, Mumbai (2011).
Valdarno (2012); Sakshi Gallery, Mumbai (2011).
e internazionali. Si segnalano: Idola, a cura di Francesca
and internationally, including: Idola, curated by
Collettive selezionate: Casa Masaccio, San Giovanni
Selected Group shows: Casa Masaccio, San Giovanni
Alfano Miglietti, Galleria Officine dell’Immagine, Milano;
Francesca Alfano Miglietti, Galleria Officine
Valdarno, Birla Art Foundation, Calcutta, India, Kerela
Valdarno, Birla Art Foundation, Calcutta, India, Kerela
Mekanema, Studio d'arte Cannaviello, Milano; Anni 10,
dell’Immagine, Milan; Mekanema, Studio d’arte
Biennale, Exhibit 320, New Delhi (2012); BMB and
Biennale, Exhibit 320, New Delhi (2012); BMB and
State Intitute of Culture, Sofia-Salon du Dessin
Cannaviello, Milan; Anni 10, State Institute of Culture,
Contemplate Art Gallery, Mumbai (2011); Essl Museum,
Contemplate Art Gallery, Mumbai (2011); Essl Museum,
Contemporain, Carrousel du Louvre, Parigi; Rolli Days,
Sofia; Salon du Dessin Contemporain, Carrousel du
Vienna, BMB, Mumbai, Palette, New Delhi (2010); The
Vienna, BMB, Mumbai, Palette, New Delhi (2010); The
Palazzo Balbi 2, Genova; Ketos.2.1, Acquario Civico,
Louvre, Paris; Rolli Days, Palazzo Balbi 2, Genoa;
Guild, New York, Gallery Espace, New Delhi, Aakriti Art
Guild, New York, Gallery Espace, New Delhi, Aakriti Art
Milano; BAC 10.0, Festival Internacional de Arte
Ketos.2.1, Acquario Civico, Milan; BAC 10.0, Festival
Gallery, Calcutta (2009); At Westerhuis, Amsterdam
Gallery, Calcutta (2009); At Westerhuis, Amsterdam
Contemporáneo de Barcellona; 10° Premio Cairo,
Internacional de Arte Contemporáneo de Barcelona; 10th
(2008); Bodhi, Mumbai (2007); India Habitat Centre,
(2008); Bodhi, Mumbai (2007); India Habitat Centre,
Palazzo della Permanente, Milano-Ciboh, Palazzo Reale,
Cairo Prizze, Palazzo della Permanente, Milan; Ciboh,
New Delhi (2006).
New Delhi (2006).
Milano; Arte e Industria, Triennale di Milano.
Palazzo Reale, Milan; Arte e Industria, Milan Triennale.
Foto di Annalisa Pirovano
Photo by Annalisa Pirovano
189
190
Carole A. Feuerman
U.S.A.
Vibha Galhotra
India
Carole A. Feuerman ha avuto sei retrospettive museali, è
Carole A. Feuerman has had six museum retrospectives,
Vibha Galhotra (1978, Kaithal), ha ricevuto il suo BFA dal
Vibha Galhotra (Kaithal, 1978), received her BFA from
stata inclusa in esposizioni della Biennale di Venezia,
has been included in exhibitions at the Venice Biennale,
Government College of Arts, Chandigarh and Masters di
the Government College of Arts in Chandigarh and
della Smithsonian Gallery, dello State Hermitage, della
the Smithsonian Gallery, The State Hermitage, The
Kala-Bhavan, Santiniketan. L’arte di Vibha Galhotra ha
master’s degree from Kala-Bhavan, Santiniketan. Vibha
Fondazione di Palazzo Strozzi, del Kunstmuseum Ahlen
Palazzo Strozzi Foundation, the Kunstmuseum Ahlen and
respiro trans-culturale, pur nella specificità globale
Galhotra’s art addresses the transcultural in globalized
e del Circulo de Bellas Artes. Riconoscimenti di prestigio
the Circulo de Bellas Artes. Notable honors she has
locale. Ha esposto monograficamente sia in biennali che
local specificity. She has presented in biennials as well
ricevuti comprendono il Premio Amelia Peabody, il
received include the Amelia Peabody Award, the Betty
in esposizioni nazionali e internazionali, anche in
as in national and international solo and group
Premio Betty Parsons, il Premio Lorenzo de Medici, i
Parsons Award, the Lorenzo de Medici Prize, first prizes
collaborazione. Le opere di Galhotra si concentrano sul
exhibitions. Galhotra’s work focuses on the context of
primi premi della Biennale Austriaca e della Biennale di
at the Austrian Biennale and the Florence Biennale, and
contesto dello spiazzamento, della nostalgia, della
displacement, nostalgia, identity, existence construction
Firenze e il Best in Show della Biennale di Pechino e,
Best in Show at the 2008 Beijing Biennale, and the 2013
costruzione o destrutturazione dell’identità, della banalità
or deconstruction, the banal cultural condition in an
ultimo solo in ordine di tempo, il Save the Arts Museum’s
Save the Arts Museum’s Choice Award. She has a solo
della condizione culturale dentro e intorno all’ambiente
environment of negotiations in the new and constantly
Choice Award 2013. Ha un’esposizione monografica
exhibition at Jim Kempner Fine Art in New York City and
delle mediazioni in un’atmosfera urbana in costante
changing urban context. Her work crosses the
presso il Jim Kempner Fine Art a New York e opere in tre
works in three locations during this year’s 2013 Venice
cambiamento. Il suo lavoro attraversa le dimensioni
dimensions of art, ecology, economy, science,
luoghi della Biennale di Venezia 2013. Sue opere
Biennale. Her work can be seen at Palazzo Bembo and
dell’arte, dell’ecologia, dell’economia, della scienza,
spirituality, and activism. Though she claims to be an
possono essere ammirate a Palazzo Bembo e nei
in Giardini at In Paradiso. Feuerman has been exhibited
della spiritualità e dell’attivismo. Sebbene si definisca
artist but not an activist, I feel there is a hint of activism
Giardini In Paradiso. La Feuerman espone a livello
internationally for over 30 years. Public collections
un’artista e non un’attivista, io ritengo ci sia in lei una
or should I say social responsibility. Galhotra works in
internazionale da oltre 30 anni. Le collezioni pubbliche
include: Chrysler Corporation, S. Miller, Detroit, Malcolm
sfumatura di attivismo, o meglio di responsabilità
varied media through photography, animation, recovered
comprendono: Chrysler Corporation, S. Miller, Detroit;
Forbes Magazine Art Collection; Brandeis University,
sociale. Galhotra si esprime con vari mezzi, attraverso la
objects, performanc objects, installations, and
Malcolm Forbes Magazine Art Collection; Brandeis
Waltham; Museum of Art Fort Lauderdale; Bass Museum
fotografia, l’animazione, oggetti ritrovati, oggetti
sculptures to create experiential spaces. She has won
University, Waltham; Museum of Art Fort Lauderdale;
of Art, Miami; Amarillo Museum of Art, Amarillo; El Paso
performativi, istallazioni e sculture per creare spazi
the Inlaks Foundation Award, HRD National Scholarship,
Bass Museum of Art, Miami; Amarillo Museum of Art,
Museum of Art, El Paso; Gorbachev Foundation,
sperimentali. è stata insignita dei premi: Inlaks Foundation
Artist Under 30 Award, Chandigarh State Lalit Kala
Amarillo; El Paso Museum of Art, El Paso; Gorbachev
Moscow; Vin & Spritcentralen Museet, Stockholm; Art-st-
Award, HRD National Scholarship, Artist Under 30Yr
Academy award, as well as a number of residencies,
Foundation, Mosca; Vin & Spritcentralen Museet,
Urban, Lucerne; NetApp, Sunnyvale.
Award, Chandigarh State Lalit Kala Academy award e un
with solo and group shows in India and abroad.
certo numero di borse di studio, mostre monografiche in
Galhotra’s work is versatile and her ability for
India e all’estero. è versatile nel suo lavoro. Si può notare
experimentation is seen in her installations, sculptures,
la sua abilità nello sperimentare nelle sue istallazioni,
photography, paintings, and graphics.
Stoccolma; Art-st-Urban, Lucerna; NetApp, Sunnyvale.
sculture, fotografie, dipinti e stampe grafiche.
191
192
Ximena Garrido-Lecca
Peru
Mona Hatoum
Lebanon
Ximena Garrido-Lecca (1980, Lima) ha studiato presso la
Ximena Garrido-Lecca (1980, Lima) studied at
Mona Hatoum (1952, Beirut) è nata in una famiglia
Mona Hatoum (1952, Beirut) was born into a Palestinian
Univeridad Católica del Perú e ha completato un corso di
Univeridad Católica del Perú and completed a Post
palestinese in Libano e ora vive tra Londra e Berlino. Ha
family in Lebanon, and now lives and works in London
specializzazione, seguito da un Master of Arts presso la
Graduate Course followed by an MA at Byam Shaw
partecipato a numerose esposizioni collettive, compresi
and Berlin. She has participated in numerous important
Byam Shaw School of Art di Londra. Le sue esposizioni
School of Art, London. Her solo exhibitions include
The Turner Prize (1995), la Biennale di Venezia (1995
group exhibitions including The Turner Prize (1995),
monografiche includono: Paisaje Antrópico, Max Wigram
Paisaje Antrópico, Max Wigram Gallery, London (2012),
and 2005), il Documenta XI, Kassel, 2002 e la Biennale
Venice Biennale (1995 and 2005), Documenta XI,
Gallery, Londra (2012), un progetto monografico presso
a solo project at MIMA (Middlesborough Institute of
di Sydney (2006). Le personali includono: il Centre
Kassel, 2002 and Biennale of Sydney (2006). Solo
il MIMA (Middlesborough Institute of Modern Art) (2012),
Modern Art) (2012), El Porvenir, Mimmo Scognamiglio,
Pompidou, Paris (1994), il Museum of Contemporary Art,
exhibitions include Centre Pompidou, Paris (1994),
El Porvenir, Mimmo Scognamiglio, Milano, Italia (2011),
Milan, Italy (2011), a solo project presentation at Frieze
Chicago (1997), The New Museum of Contemporary Art,
Museum of Contemporary Art, Chicago (1997), The New
un progetto monografico alla Frieze Art Fair, Londra, con
Art Fair, London, with Revolver Gallery, Peru (2011) and
New York (1998), il Castello di Rivoli, Turin (1999), la Tate
Museum of Contemporary Art, New York (1998), Castello
la Revolver Gallery, Peru (2011) e The Followers, at Civic
The Followers, at Civic Room, London (2010). Her recent
Britain, London (2000), l'Hamburger Kunsthalle,
di Rivoli, Turin (1999), Tate Britain, London (2000),
Room, Londra (2010). Le sue esposizioni collettive più
group exhibitions include Latin American Roaming Art,
Kunstmuseum Bonn, il Magasin 3, Stockholm (2004) e il
Hamburger Kunsthalle, Kunstmuseum Bonn, Magasin 3,
recenti includono: Latin American Roaming Art, NC Arte,
NC Arte, Bogotá (2013), Remesas: flujos simbólicos /
Museum of Contemporary Art, Sydney (2005), lo UCCA,
Stockholm (2004) and Museum of Contemporary Art,
Bogotá (2013), Remesas: flujos simbólicos / movilidades
movilidades de capital, Centro Fundación Telefónica,
Beijing (2009), la Fondazione Querini Stampalia, Venice
Sydney (2005), UCCA, Beijing (2009), Fondazione
de capital, Centro Fundación Telefónica, Lima (2012),
Lima (2012), The Curator’s Altera Pars, Anthony
(2009), il Beirut Art Center, Beirut (2010), la Fundaciòn
Querini Stampalia, Venice (2009), Beirut Art Center,
The Curator’s Altera Pars, Anthony Reynolds Gallery,
Reynolds Gallery, London (2012), What?, Mimmo
Marcelino Botìn, Santander (2010). Tra le ultime mostre
Beirut (2010), Fundaciòn Marcelino Botìn, Santander
Londra (2012), What?, Mimmo Scognamiglio, Milano
Scognamiglio, Milan (2011), No Color in Your Cheeks
citiamo: "You are still here", Arter Space for Art, Istanbul
(2010). Recent exhibitions include "You are still here",
(2011), No Color in Your Cheeks Unless the Wind Lashes
Unless the Wind Lashes Your Face, curated by Timothée
(2012), "Projection", Joan Miro Foundation, Barcellona
Arter Space for Art, Istambule (2012), "Projection", Joan
Your Face, curata da Timothée Chaillou (2011),
Chaillou (2011), Newspeak: British Art Now, The Gallery
(2012), "Mapping", Centre d'art des Pénitiers noirs,
Miro Foundation, Barcelona (2012), "Mapping", Centre
Newspeak: British Art Now, The Gallery of South
of South Australia, Adelaide (2011), Newspeak: British
Aubagne, Francia (2013). Mona Hatoum nel 2011 è stata
d'art des Pénitiers noirs, Aubagne, France (2013). Mona
Australia, Adelaide (2011), Newspeak: British Art Now,
Art Now, Saatchi Gallery, London (2010) and Identity
insignita del prestigioso premio Joan Miró.
Hatoum has been awarded the prestigious 2011 Joan
Saatchi Gallery, Londra (2010) e Identity Theft, Mimmo
Theft, Mimmo Scognamiglio, Milan (2010).
Scognamiglio, Milano (2010).
Miró Prize.
Foto di Joe Kesrouani © 2010
Photo by Joe Kesrouani © 2010
193
194
Kaarina Kaikkonen
Finland
Marya Kazoun
Lebanon
Kaarina Kaikkonen (1952, Lisalmi).
Kaarina Kaikkonen (1952, Lisalmi).
Marya Kazoun (Beirut, 1976) vive e lavora a New York e
Marya Kazoun (Beirut, 1976) lives and works in New
Esposizioni monografiche: 2013 - Fabrica, Brighton;
Solo exhibitions: 2013 - Fabrica, Brighton; Museo de la
Venezia. Nel 1984 la sua famiglia è sfuggita alla guerra
York and Venice. In 1984 her family fled the war by
Museo de la Memoria, Santiago; Museo Nacional de
Memoria, Santiago; Museo Nacional de Bellas Artes,
rifugiandosi in Svizzera e in seguito emigrando a
moving to Switzerland and later emigrating to Montreal,
Bellas Artes, Santiago; The Kennedy Center,
Santiago; The Kennedy Center, Washington. 2012 -
Montreal, Canada. Ha completato gli studi di Architettura
Canada. She completed degrees in Interior Architecture
Washington. 2012 - MAXXI , Roma; Collezione
MAXXI , Roma; Collezione Maramotti, Reggio Emilia.
di Interni e Arte al LAU di Beirut. Nel 2001 si è spostata
and Fine Arts at LAU Beirut. In 2001 she moved to New
Maramotti, Reggio Emilia. 2011 - Fondazione Pastificio
2011 - Fondazione Pastificio Cerere, Roma. 2009 - Oulu
su NY e ha completato un Master in Fine Arts all’SVA.
York and completed an MFA at the SVA. Her work is
Le sue opere sono interdisciplinari e basate su
interdisciplinary, mainly installation and performance
istallazioni e performance. Molto spesso sono una
based, often combining both. Every work has its own
combinazione di entrambe. Ogni opera ha la sua propria
narrative. Kazoun inhabits her works and plays a central
narrativa. Marya vive dentro le sue opere e ci gioca un
role. Her performances are process-based and often
ruolo centrale. Le sue performance sono basate sul
interact with the audience. Her pieces have been shown
processo creativo e spesso interagiscono con il
in major shows worldwide and she will be showing at
pubblico. I suoi lavori sono stati esposti nelle più
the 55th Venice Bienniale.
Cerere, Roma. 2009 - Oulu Art Museum, Oulu;
Art Museum, Oulu; Tampere Museum of Contemporary
Tampere Museum of Contemporary Art, Tampere.
2008 - Örebro Konsthall, Örebro; Korjaamo Culture
Factory, Helsinki, Finland. 2008 - Espal, Le Mans,
France; Norrtälje Konsthall, Norrtälje. 2007 - The State
Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia. 2006 Bass Museum of Art, Miami; Jyväskylä Art Museum,
Art, Tampere. 2008 - Örebro Konsthall, Örebro;
Korjaamo Culture Factory, Helsinki, Finland. 2008 Espal, Le Mans, France; Norrtälje Konsthall, Norrtälje.
2007 - The State Hermitage Museum, St. Petersburg,
Russia. 2006 - Bass Museum of Art, Miami; Jyväskylä
Jyväskylä; Charlottenborg, Copenhagen; Rochester
Art Museum, Jyväskylä; Charlottenborg, Copenhagen;
importanti mostre al mondo. Sue opere sono presenti
Cathedral, Rochester. 2005 - Helsinki Kunsthalle,
Rochester Cathedral, Rochester. 2005 - Helsinki
nell’attuale 55ma edizione della Biennale di Venezia.
Helsinki. 2002 - Rastatt Schloss, Rastatt. 2000 -
Kunsthalle, Helsinki. 2002 - Rastatt Schloss, Rastatt.
Helsinki Cathedral, Helsinki.
2000 - Helsinki Cathedral, Helsinki.
Esposizioni collettive: 2013 - Gl Holtegaard,
Group Exhibitions: 2013 - Gl Holtegaard, Copenhagen.
Copenhagen. 2011 - Collateral Event Venice Biennale.
2011 - Collateral Event Venice Biennale. 2010 -
2010 - Liverpool Biennial; Vancouver Biennale. 2010 -
Liverpool Biennial; Vancouver Biennale. 2010 - Espace
Espace culturel Boris Vian, Les Ulis; Biennale du lin,
culturel Boris Vian, Les Ulis; Biennale du lin, Quebec.
Quebec. 2008 - Palazzo delle Arti, Napoli; Cairo 11
th
Biennale; Echigo-Tsumari Art Triennial, Niigata. 2006 Biennale Balticum, Rauma, Finland. 2003 - 8th Havana
Biennial, Havana, Cuba.
2008 - Palazzo delle Arti, Napoli; Cairo 11th Biennale;
Echigo-Tsumari Art Triennial, Niigata. 2006 - Biennale
Balticum, Rauma, Finland. 2003 - 8th Havana Biennial,
Havana, Cuba.
195
196
Chen Ke
China
Jennifer White Kuri
U.S.A.
Chen Ke (1978, Tonjiang) è considerata un’esponente
Chen Ke (Tonjiang, 1978) is considered a supporter of the
Jennifer Kuri White è nata a Syracuse, New York;
Jennifer Kuri White born in Syracuse, New York; currently
della “80’s generation”, termine con cui si definisce un
“80s generation”, a term used to define a group of artists
attualmente vive e lavora a Los Angeles, California. Kuri
lives and works in Los Angeles, California. Kuri received
gruppo di artisti cresciuti a pane e fumetti, cartoni animati
raised on bread and comics, cartoons and the Internet. In
ha completato corsi di diploma e laurea all’Università
undergraduate and graduate degrees from the
e internet. L'artista Chen Ke, in realtà, con essi condivide
reality all the artist Chen Ke shares with them is her
della California, Berkeley, dove ha studiato con i pittori
University of California, Berkeley where she studied with
solo un background di crescita. In Cina ha studiato alla
childhood background. In China she studied at Sichuan
leader della Scuola Figurativa dell’Area della Baia di San
leading painters of the San Francisco Bay Area
Sichuan Fine Art Institute dove ha conseguito un Master
Fine Art Institute where she earned a Master’s Degree;
Francisco, quali Joan Brown ed Elmer Bischoff.
Figurative School, including Joan Brown and Elmer
Degree e dal 2005 vive e lavora a Pechino, città che ha
since 2005 she has lived and worked in Beijing, a city that
Attingendo a un panorama culturale e geografico
Bischoff. Drawing from a diverse cultural and
influenzato molto la sua arte. Tra le sue mostre ricordiamo
has influenced her art. Chen Ke’s exhibitions include the
diverso, il lavoro di Kuri spesso prende un approccio
geographic landscape, Kuri’s work often takes a diaristic
nel 2007 With You, I Will Never Feel Lonely presso Star
2007 With You, I Will Never Feel Lonely at the Star Gallery
diaristico. L’artista attinge dallo spazio tra il
approach. She thrives in the space between the
Gallery di Pechino e presso Marella Gallery di Milano
in Beijing and Marella Gallery in Milan (solo exhibition),
rappresentativo e il concettuale, che le permette di
representational and the conceptual, allowing her to
(solo exhibition) e numerose mostre in tutta Europa. È
and numerous exhibitions throughout Europe. Her works
sfruttare scartamenti contestuali e percettivi. Kuri ha
exploit contextual and perceptual shifts. Kuri has
straordinario il modo in cui, attraverso le sue opere,
are extraordinary in making the viewer realize how
esposto negli Stati Uniti e in Europa, in numerose
exhibited in the United States and Europe, in numerous
riesce a far sentire lo spettatore, la spontaneità, la
spontaneous and natural she is in conveying feelings.
monografiche e collettive, ivi compresi il Museum of Art
solo and group shows including the Los Angeles County
naturalezza con cui riesce a trasmettere sentimenti.
What makes Chen Ke so special is a combination of
della Contea di Los Angeles, e l’Art Basel in Miami.
Museum of Art and Art Basel in Miami. Her work has also
Ciò che rende Chen Ke così speciale è la combinazione
willpower, motivation, and the tireless reinvention and
Il suo lavoro è stato anche immortalato nella serie
been featured on the HBO television series Six Feet
di forza di volontà, motivazione, continuo reinventare e
developing of her work.
televisiva HBO Six Feet Under e si può trovare in varie
Under, and can be found in numerous private
collezioni private.
collections.
Foto di Vici Cano-Mooradian
Photo by Vici Cano-Mooradian
sviluppare il suo lavoro.
197
198
Tamara Kvesitadze
Georgia
Federica Marangoni
Italy
Tamara Kvesitadze (1968, Tbilisi). Studia tra il 1985 e il
Tamara Kvesitadze (Tbilisi, 1968). From 1985 to 1990
Federica Marangoni, artista veneziana attiva
Federica Marangoni, an internationally active venetian
1990 presso il Dipartimento di Architettura dell’Università
she studied at the Architectural Department, Technical
internazionalmente, è stata pioniera negli anni Sessanta
artist, was a pioneer in the Sixties of the research in the
di Tbilisi, e ottiene un Master of Art in Architettura.
University in Tbilisi, Georgia for her MA in Architecture.
della ricerca nei cosiddetti nuovi materiali - materie
so-called “new materials” - plastics, neon, video.
Nell'arco di quattro anni, fra il 1996 e il 2000, lavora negli
From 1996 to 2000 she worked in the USA, making
plastiche, neon, video. Professore aggiunto alla New
Assistant professor at New York University, Art
USA, realizzando bambole magiche, di magnetica
magic dolls, with an astonishing comunicative capacity.
York University Art Department dal 1976 al 1990, ha
Department, from 1976 to 1990, she also lectured in
capacità comunicativa. Espone alla galleria CFM di New
Was exhibited at the CFM Gallery in New York and, in
tenuto lectures in alcune università degli Stati Uniti, dove
several US universities and worked with important
York e, nel 2000, fonda Tamara Studio, insieme con
2000, she founded Studio Tamara, together with Paata
ha lavorato con importanti gallerie e installato per
galleries. In 2009 she installed a public work in
Paata Sanaia. Si avvicina in questo periodo alle strutture
Sanaia and started working on mechanical sculptures. 3
esempio nel 2009 un’opera pubblica a Manhattan. Ha
Manhattan and also produced urban relational artworks
meccaniche, e tre anni più tardi mostra le proprie
years later, in 2003, she shows them at the N Gallery of
realizzato inoltre opere relazionali urbane a Siviglia,
in Seville, Barcelona, Tenerife, Madrid, and in Italian
realizzazioni alla N Gallery di Koln. Del 2007 è la
Koln. In 2007 she was among the artists of the Venice
Barcellona, Tenerife, Madrid e in parchi di scultura in
sculpture parks. She exhibited at the Italian Pavilion for
partecipazione alla Biennale e a OPEN 10, Venezia. Due
Biennale and OPEN 10, also in Venice. Two years later
Italia. Il ciclo delle performances con pezzi di corpo in
the 54th Venice Biennale International Art Exhibition
anni dopo lavora con Holster Project, Londra, e nel 2011
she works at the Holster Project, London and in 2011 she
cera lavorati a fiamma ossidrica è culminato con invito al
(2011), she was invited to expose at the New York
rappresenta il Padiglione Georgia alla Biennale di
represents the Georgian Pavillon at the Venice Biennale.
MoMA di New York e alla Biennale di Venezia. L'uso del
MoMA. The use of raw glass for fusing, as well as mirror,
Venezia. Dal 2012 al 2013 è all'Atelier Visconti di Parigi,
From 2012 until 2013 she exhibits at the Atelier Visconti
vetro grezzo per la fusione, dello specchio o della lastra
industrial plate coupled with neon or TV screen,
alla Galleria Comunale d'Arte Contemporanea di Arezzo,
in Paris, at the Arezzo’s GCAC and at the Kornfeld
industriale accoppiata con neon o schermo TV,
produces a cold light technology and an illusory mobility
alla Galleria Kornfeld di Berlino.
Gallery in Berlin.
determina una fredda luce tecnologica e un'illusoria
of images - perfect metaphor of the artist's thought.
mobilità delle immagini - perfetta metafora del pensiero
Conceptuality and anti-monumentality, the ephemeral of
dell’artista. Concettualità e antimonumentalità, l’effimero
light is a symbol of continuing freedom. Light becomes
della luce è emblema di libertà continua. La luce diventa
a central element of life.
elemento centrale della vita. 199
200
Alicia Martín
Spain
Carla Mattii
Italy
Tra le più interessanti figure del panorama artistico
Alicia Martin, born in Madrid in 1964, one of the most
Carla Mattii (1971, Fermo) si è diplomata presso
Carla Mattii (Fermo, 1971) graduated from Macerata
attuale, l'artista Alicia Martín, nata a Madrid nel 1964,
interesting artists of the contemporary art world, literally
l’Accademia d’Arte di Macerata nel 1994. Attualmente
Academy of Art in 1994. She currently lives and works in
porta letteralmente l'arte in strada, soprattutto con le sue
brings the art in the street, especially with her site-
vive e lavora tra Montegiorgio e Milano. Tra le principali
Montegiorgio and Milan. Her main solo exhibitions have
installazioni site specific. Le sue opere più recenti
specific installations. Her recent works make sculptures
mostre personali, si ricordano quelle al Belgrade
been at Belgrade Cultural Centre (2009); Galleria
assumono infatti la forma di sculture di libri dalle
from books, but on a monumental scale. Nonetheless,
Cultural Benter (2009); Galleria Marconi, Cupramarittima
Marconi, Cupramarittima (2007); Symphonia Arte
dimensioni monumentali, ma si è cimentata sin dalla
since child she expressed herself through drawing,
(2007); Symphonia arte contemporanea, Milano (2006);
Contemporanea, Milan (2006); Fabio Paris Art Gallery,
giovane età con il disegno, la fotografia, il video e le
photography, video and video installations. We
Fabio Paris Art Gallery, Brescia (2005). Tra le principali
Brescia (2005). Key group exhibitions include 1/9
video-installazioni. Ricordiamo i video 'Polìglotas'
remember the videos 'Polìglotas', presented on the
mostre collettive, quelle alla 1/9 Unosunove Arte
Unosunove Arte Contemporanea, Rome (2005); PAN-
presentati sulla facciata dell'edificio de La Casa
facade of La Casa Encendida in Madrid, and then
Contemporanea, Roma (2005); Pan, Palazzo delle Arti,
Palazzo delle Arti, Naples (2006); Fondazione
Encendida di Madrid, e poi presentati anche a Milano e
presented in Milan and Rome, or the books exploding
Napoli (2006); Fondazione Ambrosetti, Brescia (2006);
Ambrosetti, Brescia (2006); Biennale Giovani di Villa
Roma e libri che esplodono dalle finestre, libri che
from windows, books made “alive” in the streets of
Biennale Giovani di Villa Reale, Monza (2007); Musée
Reale, Monza (2007); Musée d’art contemporain, Saint-
manifestano vita, per le strade di Madrid e non solo, con
Madrid, or the installations 'Biografias' at the Palacio de
dʼArt Contemporain, Saint-Etienne; Accademia
Etienne; Accademia d’Ungheria, Rome; Arge Kunst
le installazioni 'Biografias', presso il Palacio de Linares,
Linares, at the Molino San Antonio Cordova and
dʼUngheria, Roma; Arge Kunst Galerie Museum,
Galerie Museum, Bolzano; Palazzo Forti, Verona;
presso il Molino San Antonio di Cordova e il Meermanno
Meermanno Museum of the Hague. Martin’s works were
Bolzano; Palazzo Forti, Verona; Mediations Biennale,
Mediations Biennale, Poznan, Poland; Casa delle
Museum dell'Aia. L'artista ha preso parte a numerose
included in numerous events such as the Third Book
Poznan, Poland; Casa delle Letterature, Roma (2008);
Letterature, Rome (2008); Museo Internazionale e
manifestazioni come ad Alessandria d'Egitto per la III
Bienal del Artista, in Alexandria, Egypt, but also in Italy
Museo Internazionale e Biblioteca della Musica,
Biblioteca della Musica, Bologna; DOCVA -
Bienal del Libro del Artista ma anche in Italia presso la
at the Galica Gallery in Milan and at the Auditorium
Bologna; DOCVA - Documentation Center for Visual
Documentation Centre for Visual Arts, Milan (2009).
Galleria Galica a Milano e presso l'Auditorium Parco
Parco della Musica in Rome.
Arts, Milano (2009).
della Musica a Roma.
201
202
Whitney McVeigh
Monali Meher
United Kingdom
India
Whitney McVeigh (1968, New York), ha studiato presso
Whitney McVeigh (1968, NY) studied at Sotheby’s and
Monali Meher è laureata in Arte (BFA 1990) presso la
Monali Meher graduated with a BFA in 1990 from
Sotheby e l'Edinburgh College of Art. Ha esposto
Edinburgh College of Art. She has exhibited widely in
Scuola d’Arte di Bombay. Nel 1998 ha ricevuto la borsa
Mumbai School of Art. In 1998 she was awarded the
ampiamente nel Regno Unito e all'estero, con recenti
the UK and abroad, with recent solo shows including
di studio ‘Unesco-Aschberg’ a Vienna; 2000-2001
UNESCO- Aschberg residency in Vienna; in 2000−01 at
mostre personali tra cui: Dialogue at David Krut
Dialogue at David Krut Projects, New York (2011),
Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam;
the Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam;
Projects, New York (2011), Archaeology of Memory at
Archaeology of Memory at Nirox Projects, Arts on Main,
nel 2012 borsa di studio ‘Casa Masaccio’ e MKSA,
in 2012 a residency at Casa Masaccio and MKSA, San
Nirox Projects, Arts on Main, Johannesburg (2011),
Johannesburg (2011), Archaeology of Memory at SMAC
San Giovanni Valdarno. Meher ha tenuto performance
Giovanni Valdarno. Meher has produced a number of
st
Archaeology of Memory at SMAC Gallery, Cape Town
Gallery, Cape Town (2011) and New Work at A
presso: Tate Modern, Londra, 1 Sinop Biennale,
performances, including for the Tate Modern, London;
(2011) e New Work at A Foundation, London (2009).
Foundation, London (2009). She was artist in residence
Turchia, Rijksmuseum Twenthe, Khoj Live New
First Sinop Biennial, Turkey; Rijksmuseum Twenthe; Khoj
È stata artista residente presso l'All Visual Arts di Londra
at All Visual Arts, London in 2012, Centro de Las Artes,
Delhi, DaDao Pechino, Art Dubai, mostra ‘Rebelle’,
Live New Delhi; DaDao Beijing; Art Dubai, Rebelle
nel 2012; il Centro de Las Artes, San Augustin, in
San Augustin, Mexico in 2008 and NY Arts Beijing,
MMKA Museum Arnhem, NRLA Glasgow, bLA
exhibition; MMKA Museum Arnhem; NRLA Glasgow;
Messico nel 2008 e il NY Arts Beijing, in Cina nel 2007.
China in 2007. Her work has been included in group
Amsterdam, Museo MAXXI Roma, Guangzhou Live 11
bLA Amsterdam; MAXXI in Rome; Guangzhou Live 11
Le sue opere sono state esposte in mostre collettive
exhibitions at The Drawing Room, London, Mimmo
Cina, Infr’action Sete, Francia, Art Chennai India e LA 7
China; Infr’action Sete, France; Art Chennai India; and
presso il Drawing Room di Londra; Mimmo Scognamiglio,
Scognamiglio, Milan, Royal Academy of Arts, London
Gothenburg, Svezia. Ha ricevuto LIVE Funds 2009 dal
LA 7 Gothenburg, Sweden. She received LIVE Funds
Milano; Royal Academy of Arts di Londra e il Museum of
and Museum of Modern Art, Salzburg and was featured
BKVB Amsterdam, nel 2011 parte della Biennale di
2009 from BKVB Amsterdam and in 2011 she was part of
th
Modern Art di Salisburgo. È presente nel documentario
on the BBC 4 documentary Where is Modern Art Now?
Praga 5 Crossroads: India Escalate e ha manifestato
the Fifth Prague Biennial Crossroads: India Escalate, and
realizzato dalla BBC Where is Modern Art Now? del
in 2009. In 2013, Whitney McVeigh will participate in
The Bridge Is Open, istallazione su luogo pubblico,
create the site-specific The Bridge is Open public
Willem’s bridge, Amsterdam. Meher ha esposto in un
installation for Willem’s Bridge, Amsterdam. Meher has
certo numero di mostre monografiche e collettive, così
exhibited in number of important solo and group shows
come in fiere. Dal 2000 vive e lavora ad Amsterdam.
as well as in art fairs. In 2000 she moved to Amsterdam
2009. Nel 2013, parteciperà al Glass stress White Light /
White Heat, nell'ambito della 55
ma
Biennale di Venezia.
Glass Stress White Light/White Heat as part of the 55
Venice Biennale.
th
to live and work.
Foto di Monali Meher - NRLA, Glasgow
Photo by Monali Meher - NRLA, Glasgow
203
204
Shirin Neshat
Yoko Ono
Iran
Nutopia
Fotografa e visual-artist, Shirin Neshat, nasce a Qazvin,
Photographer and visual artist Shirin Neshat was born in
Yoko Ono (Tokyo, 1933), fa parte di Fluxus dai primi anni
Yoko Ono (Tokyo, 1933), is part of Fluxus since the early
Iran, paese che lascia a soli 17 anni per gli Stati Uniti,
Qazvin, Iran, a country she left when she was just
Sessanta, e si esprime attraverso performance e
sixties, expressing herself through performance and
negli anni della rivoluzione iraniana. Proseguiti i suoi
seventeen, at the time of the Iranian revolution. She
conceptual art. Di questo periodo è, per esempio, Cut
conceptual art. During the sixties, for example, she
studi presso l’Università di Berkeley e stabilitasi poi a
moved to the United States and continued her studies at
Piece, durante la quale sta seduta su un palco e invita il
performed Cut Piece, during which she sat on a stage
New York, dove inizia a lavorare presso il Storefront for
the University of California, Berkeley, later settling in New
pubblico a tagliare con delle forbici i vestiti che indossa,
and invited the audience to cut her clothes with scissors,
Art and Architecture, in America si forma non solo come
York, where she began working at the Storefront for Art
fino a restare nuda. Dirige film sperimentali: 16 fra il 1964
to the point of being naked. She directed 16
artista, ma anche e soprattutto come donna. Tornata in
and Architecture. In America she developed not only as
e il 1972. Nel 2001, Yes Yoko Ono, retrospettiva di 4 anni
experimental movies between 1964 and 1972. In 2001,
patria nel 1990, la constatazione della sua radicale
an artist, but also and especially as a woman. She
del suo lavoro, riceve il prestigioso premio americano
the exhibition Yes Yoko Ono, a 4-year retrospective of
trasformazione influenza l’artista e la sua ricerca che si
returned to her homeland in 1990 and the radical
dell'Associazione Internazionale dei Critici d'Arte come
her work, won the prestigious American award of the
incentrerà sul rapporto tra i generi all’interno della
transformation she discovered affected her as an artist
miglior mostra svoltasi in un museo di New York. Nello
International Association of Art Critics for the best
cultura islamica. La sua opera ha ricevuto molti
and her research, which then focused on the relationship
stesso anno, Ono ottiene una laurea Honoris Causa in
exhibition to have taken place in a New York museum. In
riconoscimenti: il Primo Premio Internazionale alla
between genders within Islamic culture. Her work has
Legge dall'Università di Liverpool. Nel 2002 le viene
that same year, Ono received an honorary Law degree
Biennale di Venezia nel 1999, il Gran Premio alla
received many awards: First International Prize at the
offerta la laurea in Belle Arti dal Bard College; e ancora
from the University of Liverpool. In 2002 she was offered
Biennale di Kwangju del 2000 e il Lilian Gish Prize nel
1999 Venice Biennale; the Grand Prix at the 2000
del 2002 è la Skowhegan Medal per le sue opere in
a degree in Fine Arts from the Bard College, and again
2006. Nel 2009 ha poi vinto il Leone d’Argento al 66°
Kwangju Biennale; the Lilian Gish Prize in 2006. In 2009
diversi media. Tre anni più tardi conquista il "Lifetime
in 2002 she received the Skowhegan Medal for her work
her first feature film won the Leone d’argento at the 66
Achievement Award" dalla Società Giapponese di New
in diverse media. Three years later she won the "Lifetime
Venice Film Festival.
York. Nel 2009 vince il Leone d'Oro alla Biennale di
Achievement Award" from the Japanese Society in New
Venezia, e del 2010 è Wish Tree, installazione allo
York. In 2009 she won the Golden Lion at the Venice
Sculpture Garden del MoMA di New York.
Biennale. In 2010 she exposed her Wish Tree sculpture,
Festival di Venezia per il suo primo lungometraggio.
th
in the Sculpture Garden of the New York MoMA.
Foto by Kevin Mazur © Yoko Ono
Photo by Kevin Mazur © Yoko Ono
205
206
Nina Papaconstantinou
Greece
Cecilia Paredes
Peru
Nina Papaconstantinou è nata ad Atene, dove vive e
Nina Papaconstantinou was born in Athens, Greece,
Cecilia Paredes (Lima, 1950) è membro della
Cecilia Paredes (Lima, 1950) is a Rockefeller
lavora. Ha studiato letteratura greca all’Università di
where she lives and works. She studied Greek Literature
Fondazione Rockefeller dal 1988. Paredes ha esposto i
Foundation Fellow since 1998. Paredes exhibited her
Atene (1992) e Arti Visive - Disegni al Camberwell
at the University of Athens (1992) and Visual Arts -
suoi lavori presso: Museo d’Arte del Costa Rica, World
work at the Art Museum of Costa Rica, World Bank
College of Arts, Londra (2001).
Drawing at Camberwell College of Arts, London (2001).
Bank Washington DC, IILA Institute Roma, Museum of
Washington DC, IILA Institute Rome, Museum of
Monografiche: 2011 National Museum of Contemporary
Solo show: 2011 National Museum of Contemporary Art,
Contemporary Art a Panama, Museum of Modern Art in
Contemporary Art in Panama, Museum of Modern Art in
ma
Art, Atene; 2007 Art Gallery, Atene; 2004 Els Hanappe
Athens; 2007 Art Gallery, Athens; 2004 Els Hanappe
Guatemala. Nelle collettive ha partecipato a: 51
Guatemala. Collectively she has been part of the 51st
Underground, Atene.
Underground, Athens.
Biennale di Venezia, L’Havana Biennial, Biennale of
Venice Biennale, Havana Biennial, Biennale of
Collettive: 2012 Martine Aboucaya gallery, Parigi;
Group show: 2012 Martine Aboucaya gallery, Paris;
Architecture and Art delle Isole Canarie, Open Maps a
Architecture and Art of the Canary Islands, Open Maps
Fondation Hippocrène, Parigi; Fine, Tint gallery,
Fondation Hippocrène, Paris; Fine, Tint gallery,
Madrid e Barcelona, the Ev + A Project in Irlanda, The
in Madrid and Barcelona, the Ev + A Project in Ireland,
Tessalonica; Elika gallery, Parigi; 2011
Thessaloniki; Elika gallery, Paris; 2011 Jewish Museum of
Floating Land nel Queensland, Bilbao, Pechino; Fine
The Floating Land in Queensland, Bilbao, Beijing; Fine
Jewish Museum of Thessaloniki; Tounta Contemporary
Thessaloniki; Tounta Contemporary Center, Athens; 2010
Arts Museum, Bienal del Sur, Panama 2013, Fotografica
Arts Museum, Bienal del Sur, Panama 2013, Fotografica
Center, Atene; 2010 Cabinets of Miracles, Zone D,
Cabinets of Miracles, Zone D, Athens; Katakouzinos
Bogota come artista ospite nel 2013. I premi
Bogota as Guest Artist in 2013. Awards include National
Atene; Katakouzinos Museum, Atene, Grecia;
Museum, Athens, Greece; Fondazione Puglisi
comprendono: il National Engraving Award ICPNA, Lima,
Engraving Award ICPNA, Lima, Francisco Amighetti
Fondazione Puglisi Cosentino, Catania; 2009 State
Consentino, Catania; 2009 State Museum of
il Francisco Amighetti Award, Primo Premio Scultura,
Award, First Prize Sculpture Biennial Cerveceria Costa
Museum of Contemporary Art, Atena; 2008 State
Contemporary Art, Athens; 2008 State Museum of
Biennial Cerveceria Costa Rica, Central American
Rica, Central American Biennial First Mention. Her work
Museum of Contemporary Art, Tessalonica; Cosmos of
Contemporary Art, Thessaloniki; Cosmos of Culture,
Biennial, Menzione Speciale. Il suo lavoro è parte delle
is part of the collection of the Museum of San Antonio,
Culture, Atene; Margaris Foundation, Amfilochia;
Athens; Margaris Foundation, Amfilochia; National
collezioni di: Museo di San Antonio, Costa Rican Art
Costa Rican Art Museum, Museum of Contemporary Art
National Museum of Contemporary Art, 798 Space,
Museum of Contemporary Art, 798 Space, Beijing; 2007
Museum, Museum of Contemporary Art a Panama,
in Panama, Museum of Contemporary Art and Design in
Pechino; 2007 Museum of Contemporary Art, Lissone;
Museum of Contemporary Art, Lissone; Thessaloniki
Museum of Contemporary Art and Design in Costa Rica,
Costa Rica, University of San Antonio, World Bank,
Thessaloniki Biennial; Alatza Imaret, Tessalonica; 2006
Biennial; Alatza Imaret, Thessaloniki; 2006 The
University of San Antonio, World Bank, Deutsche Bank,
Deutsche Bank, IILA Rome.
The apartment, Athens; Sheffield Hallam University,
apartment, Athens; Sheffield Hallam University, Sheffield;
IILA Roma.
Sheffield; 2004 Zina Athanassiadou Art Gallery,
2004 Zina Athanassiadou Art Gallery, Thessaloniki; Els
Tessalonica; Els Hanappe Underground, Madrid; Larissa
Hanappe Underground, Madrid; Larissa Contemporary
Contemporary Art Centre; 2003 DomoBaal
Art Centre; 2003 DomoBaal Contemporary Art, London;
Contemporary Art, Londra; 2001 Camberwell College of
2001 Camberwell College of Arts, London.
Arts, Londra.
207
208
Virginia Ryan
Australia
Raeda Sa’adeh
Palestine
Virginia Ryan nasce in Australia e si laurea nel 1979 al
Virginia Ryan was born in Australia and graduated from
Raeda Sa’adeh (1977, Um El Fahem) ha conseguito il
Raeda Sa’adeh (1977, Um El Fahem) received her BFA
National School of the Arts a Canberra. Artista, attivista,
Canberra National School of the Arts (1979). Ryan is an
BFA ed il MFA presso la Bezalel Academy of Arts and
and MFA from Bezalel Academy of Arts and Design in
viaggiatrice. Dal 2001 il lavoro di Ryan è strettamente
artist, activist and traveller who has lived in Egypt, Brazil,
Design di Gerusalemme. È stata la vincitrice della prima
Jerusalem. She was the winner of the first Young Artist
connesso con la realtà africana. In Ghana, dove ha
Scotland, Ex-Yugoslavia, and Ghana. From 2001 Ryan’s
edizione dello Young Artist of the Year organizzato dalla
of the Year Award organised by the A.M.Qattan
vissuto dal 2001 al 2008, ha realizzato l’imponente
work is closely associated with African events. In Ghana,
A.M.Qattan Foundation nel 2000. I suoi lavori fotografici,
Foundation in 2000. Her work in photography,
Castaways (2003-2008), installazione di duemila moduli
where she lived from 2001 to 2008, she produced the
in video e come performance, sono stati esposti
performance and video has been exhibited widely
creati dall’assemblaggio di oggetti/frammenti restituiti
impressive Castaways (2003-08), an installation of two
ampiamente a livello internazionale, in Europa e negli
internationally in Europe and the US. Recent exhibitions
dal mare e trovati sulle spiagge del paese. Le
thousand modules created by assembling
Stati Uniti. Mostre recenti includono “Re-Orientations”
include ‘Re-Orientations’ at the European Parliament,
'Sculptural Paintings' Topographies of the Dark, il lavoro
objects/fragments washed up by the sea and found on
presso il Parlamento Europeo di Bruxelles; ‘No Man’s
Brussels; ‘No Man’s Land’, at the GEMAK Museum, The
fotografico Exposures: A White Woman in West Africa
the country’s beaches; the “sculptural paintings”
Land’, presso il museo GEMAK, L’Aia, Olanda; ‘In Transit’,
Hague, Holland; ‘In Transit’, House of World Culture,
(2001-2006). Ad Accra è stata co-fondatrice della
Topographies of the Dark; the photographic work
House of World Culture, Berlino; ‘Biennal Cuvee’, OK
Berlin; ‘Biennal Cuvee’, OK Centre, Lens, Austria (all
Foundation for Contemporary Art, mentre ad Abidjan è
Exposures: A White Woman in West Africa (2001-06). In
Centre, Lens, Austria (tutte 2008); Infr’action Festival
2008); Infr’action Festival International d’Art
stata l’ideatrice di L’Esprit de l’Eau alla Fondazione
Accra she was co-founder of the Foundation for
International d’Art Performance, Se’te, Francia; e ‘About
Performance, Se’te, France; and ‘About Time 2’,
Donwahi (2011), criterio di un progetto presente ad
Contemporary Art. In Abidjan (Ivory Coast) she was the
Time 2’, Kunstmuseum, Danimarca (2007). Sue opere
Kunstmuseum, Denmark (2007). Her work was included
Festival
creator of L’Esprit de l’Eau at the Donwahi Foundation
sono state incluse nella Biennale di Sydney del 2006 e
in the Sydney Biennial of 2006 and the Sharjah Biennial
Internazionale di Spoleto, e all'evento collaterale della
(2011), a project involving African and Western artists
nella Biennale Sharjah, 2007. Vive e lavora a Gerusalemme.
8, 2007. She lives and works in Jerusalem.
Biennale di Venezia 2010, 'Pino Pascali: Ritorno a
which we see evoked again in her current installation in
Venezia'. Presente anche alla Biennale di Dakar e di
Arezzo, Surfacing. She was guest artist at the 51st
Malindi 2010; invitata alla prima S.I.A.P.A. in Costa
Spoleto International Festival and she was present at a
D'Avorio dopo la guerra civile del 2011. Presidente
side event of the 2010 Venice Biennale in Pino Pascali:
dell’ONG 'Make Art Not War' (2013) in Bassam.
return to Venice. She was also present at the Dakar
Arezzo, con 'Surfacing'. Artista invitata al 51
mo
Biennial (Dakar OFF), invited by the curator Yacouba
Konate, and at the 2010 Malindi Biennial; guest artist at
the first SIAPA held in Ivory Coast since the civil war of
2011. She is the current president of the NGO “Make Art
Not War” (2013), in Bassam.
209
210
Belle Shafir
Israel
Chiharu Shiota
Japan
Belle Shafir è nata in Germania ed è emigrata a
Belle Shafir was born in Germany and immigrated to Tel-
Chiharu Shiota (1972, Osaka), si forma presso la Kyoto
Chiharu Shiota (Osaka, 1972), trained at Kyoto Seika
Tel-Aviv, Israele. Sta lavorando come Artista Visuale, in
Aviv, Israel where she works as a visual artist, with
Seika University, e conduce i propri studi a livello
University, and pursued her studies at international
istallazioni, disegno e pittura. I suoi lavori sono stati
installations, drawings and paintings. Her work has been
internazionale, inizialmente con un soggiorno, tra il 1993
level, initially at the Canberra School of Art of the
esposti sia in monografiche che in collettive, ad
shown in solo and group exhibitions, including:
e il 1994, alla Canberra School of Art della Australian
Australian National University (1993-94), then later in
esempio: Celebrating Kindred Spirits and Strange Bed
Celebrating Kindred Spirits and Strange Bedfellows, AIR
National University, successivamente in Germania
Germany at the Braunschweig Hochschule für
Fellows, A.I.R. Gallery, Brooklyn, NY; Cabinets of Wonder
Gallery, Brooklyn, NY; Cabinets of Wonder in
presso la Hochschule für Bildende Künste di Brunswick
Bildende Künste and the Universität der Künste in
in Contemporary Art, Museum of Contemporary Art,
Contemporary Art, Museum of Contemporary Art,
e la Universität der Künste di Berlino. Conferma di
Berlin. The artist’s cosmopolitan inclination was
Herzliya, Israele; Ferility and Vegetativeness, Museum
Herzliya, Israel; Fertility and Vegetativeness, Museum
quest’attitudine cosmopolita dell’artista è il suo lavoro
confirmed by her work as a guest professor at Kyoto
Ein-Harod, Israele; Eugenics, Municipality Gallery,
Ein-Harod, Israel; Eugenics, Municipality Gallery,
come guest professor alla Kyoto Seika University e, dal
Seika University and, from 2011, at California College
Ra'anana, Israele; Insitu, Artists' House, Tel-Aviv, Israele;
Ra’anana, Israel; Insitu, Artists’ House, Tel-Aviv, Israel;
2011, al California College of the Arts. Le sue prime
of the Arts. Her first European solo show was in
Close-up, Artist's House, Herzlya, Israele; Venus
Close-up, Artists’ House, Herzlya, Israel; Venus
personali europee sono ad Amburgo nel 1995. Negli
Hamburg in 1995. In 2000 the artist’s monographic
verspinnt, Gallery b.i.b., Hannover, Germania; A
verspinnt, Gallery b.i.b., Hannover, Germany; A women’s
anni 2000 le esposizioni monografiche dell’artista hanno
exhibitions increased significantly: Kunstraum
women’s work is never done, A.I.R. Gallery, Brooklyn, NY;
work is never done, AIR Gallery, Brooklyn, NY; Not
subito un incremento considerevole: Kunstraum
Maximilianstrasse, Munich (2000); Württembergischer
Not Necessarely Feminine (?), Pyramida Gallery, Haifa,
Necessarily Feminine (?), Pyramida Gallery, Haifa, Israel;
Maximilianstrasse, Monaco (2000); Württembergischer
Kunstverein, Stuttgart, and Ujazdowski Centre for
Israele; Memory of the Future, Cite internationale des
Memory of the Future, Cite internationale des arts, Paris,
Kunstverein, Stoccarda, Centre for Contemporary Art
Contemporary Art, Warsaw (2003); City Museum of
arts, Parigi; Second Croatian Biennale of Illustration,
France; Second Croatian Biennale of Illustration,
Ujazdowski, Varsavia (2003); City Museum of
Contemporary Art, Hiroshima (2004); Haus am
Klovicevidvori Gallery, Zagabria, Croazia. Ha ottenuto
Klovicevidvori Gallery, Zagreb, Croatian. She has been
Contemporary Art, Hiroshima (2004); Haus am
Lützowplatz, Berlin (2005); National Museum of Art,
borse di studio, workshop, ed è stata artista ospite in
awarded residencies, workshops, visiting artist Bursaries
Lützowplatz, Berlino (2005); National Museum of Art,
Osaka (2008); Kenji Taki Gallery, Nagoya (2009);
Australia, Italia, India, Francia, U.S.A.
in Australia, Italia, India, France, and the USA.
Osaka (2008); Kenji Taki Gallery, Nagoya (2009); Haunch
Haunch of Venison, London (2010); Maison Rouge,
of Venison, Londra (2010); Maison Rouge, Parigi (2011);
Paris (2011); Kunsthalle, Kiel, Haunch of Venison, New
Kunsthalle, Kiel, Haunch of Venison, New York (2012).
York (2012). Her group shows include the
Tra le collettive quella al Kunstmuseum, Bonn (2000); al
Kunstmuseum, Bonn (2000); Haus der Kulturen der
Haus der Kulturen der Welt e alla Neue Nationalgalerie,
Welt and Neue Nationalgalerie, Berlin; National
Berlino, al The National Museum of Modern Art, Tokyo
Museum of Modern Art, Tokyo (2006); MART, Trento;
(2006); al MART, Trento, e al Museum of Contemporary
Kiasma Museum of Contemporary Art, Helsinki; Third
Art Kiasma, Helsinki, alla III Biennale di Arte
Biennial of Contemporary Art, Moscow; Museum on the
Contemporanea di Mosca, al Museum on the Seam,
Seam, Jerusalem (2010); al Century Museum of
Gerusalemme (2010); al Century Museum of
Contemporary Art, Kanazawa, and the Irish Museum of
Contemporary Art, Kanazawa e al Irish Museum of
Modern Art, Dublin (2011).
Modern Art, Dublino (2011).
211
212
Liina Siib
Estonia
Kiki Smith
U.S.A.
Liina Siib è nata a Tallinn, Estonia, nel 1963, dove
Liina Siib was born in 1963 in Tallinn, Estonia, where
La carriera artistica di Kiki Smith (1954, Norimberga) è
Kiki Smith (1954, Nuremberg) artistic career began in the
attualmente vive e lavora. Ha studiato grafica e
she currently lives and works. She studied graphic art
iniziata negli anni 70 con la sua partecipazione al
70s with her involvement in the artist’s collective Colab.
fotografia All’Accademia d’Arte Estone dove ha
and photography at the Estonian Academy of Arts,
collettivo di artisti Colab. Da allora è stata protagonista di
She has since been the subject of more than 150 solo
conseguito il Master of Art in fotografia. Le sue opere
where she also earned an MA in photography. Her
più di 150 mostre monografiche in tutto il mondo. Le sue
exhibitions internationally. Her work has also been
più recenti esplorano aspetti diversi della femminilità
recent works examine different aspects of femininity,
opere sono state incluse più volte nella Biennale Whitney
included multiple times in the Whitney Biennial (1991,
alle prese con lo spazio sociale e la soggettività. Ha
dealing with social space and subjectivity. She has had
(1991, 1993, 2002); la Biennale di Firenze (1996,1997,
1993, 2002); la Biennale di Firenze (1996,1997,1998);
ottenuto trenta monografiche in Estonia, Germania,
thirty solo exhibitions in Estonia, Germany, Belgium,
1998); e la Biennale di Venezia (1993,1999, 2005, 2009),
and la Biennale di Venezia (1993, 1999, 2005, 2009),
Belgio, Francia, Finlandia e Lituania. Le sue opere sono
France, Finland and Latvia. Her works have been
dove nel 2011, ha partecipato alla collettiva Glasstress a
where in 2011, she participated in the group exhibition
state presentate in innumerevoli mostre in tutto il mondo.
presented at a number of exhibitions worldwide. Her
Palazzo Cavalli Franchetti (2011). I lavori di Kiki Smith
Glasstress at the Palazzo Cavalli Franchetti (2011).
Sono presenti anche tra le collezioni del Museo d’Arte
works are in the collections of the Art Museum of
sono presenti in cinquanta collezioni pubbliche
Smith’s work is held in fifty important public collections
Estone, il Tartu Art Museum, il Moderna Museet in
Estonia, the Tartu Art Museum, the Moderna Museet in
internazionali. I suoi molti riconoscimenti comprendono il
internationally. Smith’s many accolades include the Theo
Stoccolma, il Neues Museum für Kunst und Design a
Stockholm, the Neues Museum für Kunst und Design in
Theo Westenberger Women of Excellence Award (2010);
Westenberger Women of Excellence Award (2010);
Norimberga etc. Nel 2011 Liina Siib ha rappresentato
Nuremberg etc. In 2011 Liina Siib represented Estonia
il Nelson A. Rockefeller Award, Purchase College School
Nelson A. Rockefeller Award, Purchase College School
at the 54 Venice Biennale with the project A Woman
of the Arts (2010); il Women in the Arts Award, Brooklyn
of the Arts (2010); Women in the Arts Award, Brooklyn
Takes Little Space.
Museum (2009); il 50° Edward MacDowell Medal (2009);
Museum (2009); 50th Edward MacDowell Medal (2009);
il Medal Award, School of the Museum of Fine Arts,
Medal Award, School of the Museum of Fine Arts, Boston
Boston (2006); l’Athena Award for Excellence in
(2006); Athena Award for Excellence in Printmaking,
Printmaking, Rhode Island School of Design (2006), e la
Rhode Island School of Design (2006), and the
Skowhegan Medal per la Scultura (2000). Smith è stata
Skowhegan Medal for Sculpture (2000). Smith was
accolta come membro della Academy of Arts and
elected a member of the American Academy of Arts and
Letters, di New York.
Letters, New York.
l’Estonia alla 54
ma
Biennale di Venezia con il progetto A
Woman Takes Little Space.
Foto di Reimo Võsa-Tangsoo
th
Photo by Reimo Võsa-Tangsoo
213
214
Marianna Uutinen
Finland
Heike Weber
Germany
Marianna Uutinen (1961, Pieksämäk) è uno dei nomi più
Marianna Uutinen (1961, Pieksämäk) is one of the
Heike Weber (Siegel, 1962), dopo studi di Graphic
Heike Weber (Siegel, 1962), studied graphic design at
importanti per l’arte contemporanea in Finlandia. È
leading names in contemporary art in Finland. She is
Design al FH Aachen, continua al Departement of
the FH Aachen, continued her training at Glasgow
originaria della Finlandia centrale, ma si è trasferita a
originally from Central Finland, but moved to Helsinki to
Environmental Art all a Glasgow School of Art e
School of Art’s Department of Environmental Art. She
Helsinki per proseguire gli studi. Oltre a studiare alla
pursue her art studies. In addition to studying at The
collabora attualmente con Galleries Rasche Ripken di
currently works with Galleries Rasche Ripken in Berlin;
Fine Arts Academy in Helsinki nel periodo 1980-85, ha
School of Fine Arts Academy in Helsinki in 1980-85, she
Berlino, Martina Detterer di Francoforte, con Lisi
Martina Detterer in Frankfurt; and Lisi Hämmerle in
studiato anche all’Institute des Hautes Etudes en Arts
studied at Institute des Hautes Etudes en Arts Plastiques
Hämmerle di Bregenz. Dal 1993 espone in solo show
Bregenz. Since 1993 she has had solo shows hosted by
Plastiques di Parigi nel periodo 1991-92. Ha anche
in Paris in 1991-92. She has also worked for extended
alla Transmission Gallery di Glasgow, alla Kunstverein di
the Transmission Gallery, Glasgow; the Kunstverein in
lavorato per periodi prolungati in Italia e negli Stati Uniti.
periods in Italy and the United States. Uutinen now lives
Arnsberg, al Kunstmuseum di Bonn, al Museum
Arnsberg; Bonn Kunstmuseum; Leverkusen’s Museum
Marianna ora vive a Berlino. La sua prima importante
in Berlin. Uutinen’s first major solo exhibition took place
Morsbroich di Leverkusen, alla Kunsthalle di Vienna;
Morsbroich; and the Vienna Kunsthalle. Since 2007 she
esposizione monografica ebbe luogo nel 1989 e da
in 1989 and she has had regular solo exhibitions ever
dal 2007 al Dorotheum di Vienna, al Wilhelm Lehmbruck
has shown at the Dorotheum in Vienna; the Wilhelm
allora ne ha tenute con regolarità, soprattutto in Finlandia
since, particularly in Finland and Sweden, but also in
Museum di Duisburg, al Goethe Institut di Toronto, al
Lehmbruck Museum in Duisburg; the Goethe Institut in
e Svezia, ma anche in altri Paesi del Nord e in Italia. Tra
other Nordic countries and Italy. These have included a
Museum Moderne Kunst Kärnten di Klagenfurt, alla
Toronto; the Museum Moderne Kunst Kärnten in
queste, si è tenuta una esposizione retrospettiva
travelling retrospective exhibition of her work at Taidehalli
Nord/LB-Gallery di Hannover. In groupshow alla
Klagenfurt; the Nord/LB-Gallery of Hanover. She has
itinerante del suo lavoro a Taidehalli (Kunsthalle) a
(Kunsthalle) in Helsinki; Living Art Museum, Reykjavik;
Kunsthalle di Baden-Baden, al Kunstmuseum di Bonn,
taken part in group shows at the Kunsthalle in Baden-
Helsinki; al Living Art Museum, Reykjavik; all’Art
Art Museums of Turku; Mikkeli and Kouvola; The
da Marta Herford, al Kunstmuseum di Thun, alla
Baden; the Kunstmuseum of Bonn; at Marta Herford; the
Museums of Turku; Mikkeli and Kouvola; al Museum of
Museum of National Antiquities, Stockholm; Gallery Lars
Kunstverein di Kölnischer, al Museum Fridericianum di
Kunstmuseum of Thun; the Kölnischer Kunstverein; the
National Antiquities, Stoccolma; alla Gallery Lars
Bonham, Stockholm; Galerie Anhava, Helsinki. Uutinen
Kassel, al MONA di Detroit.
Museum Fridericianum in Kassel; and the MONA Detroit.
Bonham, Stoccolma; alla Galerie Anhava, Helsinki.
has also participated in important group exhibitions in
Uutinen ha anche partecipato a importanti collettive in
Finland and elsewhere in Europe and in the United
Finlandia e in Europa in generale, oltre che negli USA.
States. In 1997, she took part in the Venice Biennale
Nel 1997 ha preso parte alla Biennale di Venezia (Nordic
(Nordic Pavilion).
Pavilion).
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Andrée Weschler
Singapore
Cui Xiuwen
China
Andrée Weschler (1963) è un'artista francese che vive a
Andrée Weschler (1963) is a french artist Singapore-
Cui Xiuwen (1970, Harbin). Traendo interpretazioni e
Cui Xiuwen (Harbin, 1970) draws interpretations and
Singapore. Tra i suoi mezzi di espressione preferiti c'è
based. Weschler’s artistic endeavours focus on using
osservazioni perspicaci dalla condizione umana e
insightful observations from the human condition,
messenger. Fin dal 2000 è stata invitata a partecipare ad
Messager. Since 2000, she has been invited to
soprattutto da quella delle donne nella società cinese, il
especially from that of women in Chinese society, and
eventi internazionali di arte in Asia e in Europa. Le sue
participate in international art events in Asia and
lavoro dell’artista Cui Xiuwen è tra i più audaci e
her work is some of the most daring and cutting-edge
partecipazioni comprendono: la Quarta edizione della
Europe. Her exhibition participations include the 4th
all’avanguardia della Cina attuale. Si avvicinò all’arte
of current China. She came to art when she was still
Guangzhou Triennal (Cina) 2011, The Asian Pulse 10+1
Guangzhou Triennal (China) 2011, The Asian Pulse
ancora molto giovane per poi proseguire gli studi presso
very young and continued her studies at Harbin
Bangkok Culture & Art Center Bangkok Tailandia 2011,
10+1 Bangkok Culture & Art Center Bangkok Thailand
la Northeastern Normal University a Harbin, e
Northeastern Normal University, later training at the
The National Review of Live Art Glasgow 2009, “The
2011, The National Review of Live Art Glasgow 2009,
successivamente presso la Central Academy of Fine
Central Academy of Fine Arts in Beijing, where she
Park - The Contemporary Artists in Asia 2008”, la
“The Park - The Contemporary Artists in Asia 2008”, the
Arts a Pechino, dove attualmente vive e lavora. Ha preso
currently lives and works. She has participated in
Yokohama Art Triennale 2008, la London Biennale 2004,
Yokohama Art Triennale 2008, the London Biennale
parte a numerose mostre collettive dal 2000 ad oggi tra
numerous group exhibitions since 2000, including at
la International Eco-Environment Art exhibition e la Seoul
2004, International Eco-Environment Art exhibition and
cui ricordiamo quelle presso The Centre Georges
the Centre Georges Pompidou in Paris; the Ethan
Arts Centre Art Gallery 2002. Andrée Weschler usa nelle
Seoul Arts Centre Art Gallery 2002. Andrée Weschler
Pompidou a Parigi, The Ethan Cohen Gallery of Fine Arts,
Cohen Gallery of Fine Arts, in New York; and the
sue performance il corpo come strumento di scoperta,
utilises the physical, performing body as a tool for
a New York e The Victoria and Albert Museum. Cui Xiuwen
Victoria and Albert Museum. Cui Xiuwen investigates
nell'esplorazione dei confini dei costrutti ideologici
discovery, exploring the boundaries of acceptable
indaga il mondo delle donne e il loro rapporto con le
the world of women and their relationship with the
accettabili socialmente. La pratica della sua arte
social ideological constructs. Her art practice
esigenze e i dettami del nuovo modo di vivere cinese,
demands and diktats of the new Chinese lifestyle,
comprende la Performing Art, il disegno, la Video Art,
encompasses Performance Art, Drawing, Video Art,
volendo trasmettere le rapide trasformazioni che hanno
seeking to transmit the rapid transformations that take
la fotografia e l'istallazione.
Photography and Installation.
luogo nel suo paese e che riflettono nel presente la sua
place in her country and which reflect its long, rich
lunga e ricca storia.
history in its present.
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Yin Xiuzhen
China
Tra le più apprezzate rappresentanti dell’arte
Yin Xiuzhen (Beijing, 1963) is one of the most popular
contemporanea cinese, Yin Xiuzhen (Pechino, 1963) si
representatives of Chinese contemporary art. In recent
è occupata negli ultimi decenni di cambiamenti - quasi
decades she has addressed the almost always negative
sempre negativi - avvenuti in nome della costruzione della
changes made in the name of building a new China.
nuova Cina. Laureata al Department of Oil Painting della
She graduated from Beijing Capital Normal University’s
Capital Normal University di Pechino, nel 1989, sente
Department of Oil Painting in 1989 and was immediately
immediatamente l’esigenza di abbandonare la pittura
drawn to performance installations, thus abandoning
tradizionale per dedicarsi alle installazioni performative.
traditional painting. Most of Yin Xiuzhen’s early work
La maggior parte dei primi lavori di Yin Xiuzhen è rivolta
aims to preserve the idea of the past - like the roof tiles
alla preservazione dell’idea del passato - come le tegole
of demolished houses. During the 1990s her
dei tetti delle abitazioni demolite. Il decennio dopo il 1990
performance works were quite ephemeral and today
vengono alla luce lavori performativi alquanto effimeri
they survive only in the form of photographic
perché sopravvivono oggi solamente sotto forma di
documentation. The beginning of the new millennium
documentazione fotografica. L’inizio del nuovo millennio
was a watershed for Yin Xiuzhen: used clothes became
costituisce per Yin Xiuzhen un punto di svolta: gli abiti usati
a source of inspiration while her constant foreign travel
diventano fonte di ispirazione, mentre i continui viaggi
imbued a sense of modern displacement.
all’estero incutono un senso di moderna dislocazione.
Photo by Jim Rake
Foto di Jim Rake
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Fabio Migliorati
Fabio Migliorati (Arezzo, 1974) - critico d'arte e curator si rivolge al linguaggio contemporaneo dopo studi
estetico-semiotici all'Università di Siena, sotto la guida di
Enrico Crispolti e Omar Calabrese. Dal 2007 tratta la
figura di Javier Marin (con Antonio Paolucci: Complesso
S.Agostino di Pietrasanta, Milano, Torino, Montecarlo,
Den Haag, Bruxelles, La Baule-Escoublac), di
Massimiliano Alioto (con Vittorio Sgarbi: MAEC, Cortona),
di Giuseppe Chiari (per Achille Bonito Oliva: Parco della
Musica, Roma). Si occupa del lavoro di Iv Toshain
(Eberharter Display, Vienna), Alfredo Rapetti (Mart,
R.S.M.), Angiolo Volpe (Biblioteca Marciana, Venezia),
Federico Gori (Fortezza di Castelfranco, Finale Ligure),
Serafino Maiorano, Soly Cissé (Fortezza del Girifalco,
Cortona). Ad Arezzo è Art Director di NAG dal 2008 al
2010, divulgando l'arte di Serge Mendjisky, Klaus Karl
Mehrkens, Gian Marco Montesano, Massimo Festi, Ugo
Riva, Milena Jovicevic Popovic, Valentina De’ Mathà.
Dalla GCAC cura l'opera dei fratelli Bueno, di Aligi
Sassu, Salvatore Fiume, Bernard Aubertin, Fabio
Calvetti, Vincenzo Marsiglia, Lidia Bachis, Pierluigi
Febbraio, e, dal Museo dei Mezzi di Comunicazione,
quella di Maurizio Bolognini. Nel 2011 spiega
l'espressività di Lee Sung-Kuen (Tornabuoni Arte,
Milano) e di William Marc Zanghi (Bonelli Lab, Mantova),
celebra il "segno internazionale" con Traceable (ZAK,
Siena) e la "natura morta" con Flowers (Superstudio,
Milano; Oratorio di S.Sebastiano, Forlì). Dal 2012 è
Direttore per le Attività Espositive del Comune di Arezzo,
per cui realizza Novecento italiano, Lucio Fontana, Mario
Schifano, Giuseppe Chiari, Tamara Kvesitadze (GCAC);
Franco Rognoni, Antonio Corpora, Emilio Scanavino,
Roberto Crippa, Antonella Capponi (Sala S.Ignazio);
Giancarlo Marcali (Palazzo Chianini-Vincenzi); Emilio
Isgrò, Fabrizio Dusi (Teatro Mecenate).
Italy
Fabio Migliorati (Arezzo, 1974) is an art critic and curator.
He turned his attention to contemporary language after
studying aesthetics and semiotics at the University of Siena,
under the guidance of Enrico Crispolti and Omar Calabrese.
Since 2007 he has addressed the figures of Javier Marin
(with Antonio Paolucci: Complesso Sant’Agostino di
Pietrasanta, Milan, Turin, Monte Carlo, Den Haag, Brussels,
La Baule-Escoublac); Massimiliano Alioto (with Vittorio
Sgarbi: MAEC, Cortona); Giuseppe Chiari (for Achille Bonito
Oliva: Parco della Musica, Rome). He has also explored the
work of Iv Toshain (Eberharter Display, Vienna); Alfredo
Rapetti (Mart, RSM); Angiolo Volpe (Biblioteca Marciana,
Venice); Federico Gori (Fortezza di Castelfranco, Finale
Ligure); Serafino Maiorano, Soly Cissé (Fortezza del
Girifalco, Cortona). In Arezzo he was art director of NAG
(2008-10), promoting the art of Serge Mendjisky, Klaus Karl
Mehrkens, Gian Marco Montesano, Massimo Festi, Ugo
Riva, Milena Jovicevic Popovic, Valentina De’ Mathà. At the
GCAC he contributed to promoting the art of the Bueno
brothers, Aligi Sassu, Salvatore Fiume, Bernard Aubertin,
Fabio Calvetti, Vincenzo Marsiglia, Lidia Bachis, Pierluigi
Febbraio, and from the Museo dei Mezzi di Comunicazione,
the work of Maurizio Bolognini. In 2011 he explained the
language of Lee Sung-Kuen (Tornabuoni Arte, Milan) and
William Marc Zanghi (Bonelli Lab, Mantua), celebrated the
“international sign” with Traceable (ZAK, Siena) and “still
life” with Flowers (Superstudio, Milan; Oratorio di San
Sebastiano, Forlì). Since 2012 he has been the director of
Arezzo’s exhibition department and paid homage to the
Italian Novecento, Lucio Fontana, Mario Schifano, Giuseppe
Chiari, Tamara Kvesitadze (GCAC); Franco Rognoni,
Antonio Corpora, Emilio Scanavino, Roberto Crippa,
Antonella Capponi (Sala Sant’Ignazio); Giancarlo Marcali
(Palazzo Chianini-Vincenzi); Emilio Isgrò, Fabrizio Dusi
(Teatro Mecenate).
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Thanks to
Special thanks to
Grazie alla città di Arezzo.
Grazie perché è nata ICASTICA, che non
avrebbe potuto essere realizzata senza il
supporto e l'impegno di tanti. Sono
riconoscente al Sindaco di Arezzo, Avv.
Giuseppe Fanfani, all'Assessore alla Cultura
e al Turismo, Pasquale Giuseppe Macrì, e in
particolare al Direttore, Fabio Migliorati. Ma
sono soprattutto sinceramente riconoscente
nei confronti delle artiste e delle colleghe,
molte delle quali mi sento orgogliosa di
considerare amiche: quelle che senza
esitare ci hanno creduto - certa che
ICASTICA sia soltanto l'inizio di una nuova,
vitale tradizione per Arezzo e per il mondo
dell'arte.
Thanks to Arezzo.
Thanks because Icastica was born, which
could not have been achieved without the
commitment of so many. I am grateful to
the Mayor of Arezzo Giuseppe Fanfani, the
Councilor for Culture Giuseppe Macrì, and
in particular the Director of ICASTICA
Fabio Migliorati. But most importantly I am
genuinely grateful to the artists and
colleagues, many of whom I proudly call
friends, who unhesitatingly came forward
to support this very special event. I am
certain that ICASTICA is only the
beginning of a new and vital tradition for
Arezzo and the art world.
Paivi Tirkkonen
ICASTICA 2013 - International Relations
AC Hotel Arezzo
Carmen Andriani
AUSER Staff
Marco Baldeschi
Rodolfo Banci
Stefano Benatti
Gianni Brunacci
Agostino Bureca
Caffè dei Costanti
Marco Caneschi
Giovanni Castoldi
Silvana Chianucci
Serena Chieli
Mario Cristiani
Giovanni Corti
Mario Costanzo
CO.TA.AR
Karee Dahl
Noemi De Santis
Samuela Di Michele
Diocesi di Arezzo-Cortona-Sansepolcro
Luciano Donatini
Manuela Fabbrini
Luca Fanfani
Valentina Ferippi
Fondazione Guido d'Arezzo Staff
Andrea Fondelli
Stuart Gibson
Paola Gigli
Graziella Patio Hotel
Hotel Valeria Gudini
Jon Hendricks
Hotel Badia di Pomaio
Hotel Continentale
Hotel Etrusco
Hotel l'Aretino
Hotel Le Capanne
Hotel Minerva
223
La Pieve
Silvia Lebole
Michele Loffredo
Pasquale Giuseppe Macrì
Christian Maretti
Igino Materazzi
Medicina Legale di Arezzo Staff
Valentino Mercati
Osteria de’ Cenci
Giuseppe Pelosi
Luisa Petrolati
Maddalena Pieroni
Alessandro Pinzuti
Rita Polverini
Giovanni Raspini
Paola Refice
Andrea Regazzo
Claudio Repek
Ristorante La Curia
Ristorante La Lancia d'Oro
Ristorante Le Chiavi d’Oro
Ristorante Logge Vasari
Ristorante Il Vesuvio
Michela Rizzo
Tiziana Rocca
Gianni Rossi
Lia Rumma
Isabelle Sciamma
Mimmo Scognamiglio
Cristina Scognamillo
SEUM
Show Garden
Riccardo Stolzuoli
Strada del Vino Terre di Arezzo
Ufficio Cultura Staff
Roberta Vannini
Silvia Vilucchi
Vogue Hotel