To se e - AreaArte

Transcript

To se e - AreaArte

www.areaarte.it
PROMUOVERE LA CULTURA, L’ARTE E IL DESIGN
VUOL DIRE PROMUOVERE UN’ECONOMIA,
UN TERRITORIO E, SOPRATTUTTO, LE NOSTRE AZIENDE
PROMOTING CULTURE, ART AND DESIGN MEANS PROMOTING
AN ECONOMY, A LAND AND, ABOVE ALL, OUR BUSINESSES
I nostri Partners: | Our Partners:
www.gruppovisintin.com
www.ithitex.com
www.pba.it
www.graficheantiga.it
www.palzileri.com
www.askoll.com
www.gardacartiere.it
Patrocini:
Editoriale
Editorial
La ripetizione è una forma
di cambiamento
Repetition is a form of change
C’
A
è uno studio del 1944 di uno scienziato viennese, Hans Asperger, ripreso
recentemente dalla stampa, che dimostrerebbe che i soggetti intellettualmente indipendenti dai gusti e dai giudizi comuni riescono a produrre salti concettuali decisivi per l’evoluzione del pensiero e delle prassi che ne conseguono.
Un talento dunque, la “sindrome di Asperger” che sta dietro i grandi progressi
umani e che appartiene a menti - forse poco socievoli e conformiste - che, con
il loro “pensiero differente”, sono però in grado di imporre svolte brillanti alle
scienze e alle arti: da Darwin, a Newton, a Carroll, a Van Gogh ad Einstein,
per citare alcuni famosissimi intelletti controcorrente. Pensare l’impensabile, riuscire ad immaginare fuori dagli schemi sembra dunque molto importante; più
che proseguire sulle indicazioni di una conoscenza già avviata, dunque sicura
e collaudata.
Questo in parte spiega da un lato il grande riconoscimento della genialità
anticonvenzionale di alcuni mitici protagonisti del mondo dell’arte e dall’altro,
però, ne è contraddetto dal successo di numerosi movimenti “neo-qualcosa” e
dei “revival”. Ripercorrere sentieri che hanno ottenuto un’affermazione tale da
essere ricordati con nostalgia, pare costituire già di per sé garanzia di rinnovato
appiglio per il vasto pubblico.
Il “ritorno” all’arte del passato, del resto, è un fenomeno non nuovo nella cultura
visiva europea del secolo scorso, nata sulle rovine del primo Dopoguerra. Esso
riproponeva la centralità della tradizione e della storia, del classicismo e della
fedeltà figurativa, rifiutando le innovazioni spinte dell’Avanguardia che aveva
dominato il panorama artistico fino al 1918. Diversi artisti dopo aver vissuto
la prima fase rivoluzionaria che aveva marcato con impatto originale e ribelle
l’inizio del XX secolo (Futurismo, Cubismo, Espressionismo ecc), ripiegarono successivamente sul “Rappel à l’ordre”, un ritorno all’ordine che divenne generale
tendenza a respiro europeo cui pure l’Italia non fece eccezione.
E anche oggi la nostalgia è un redditizio tuffo nella creatività del passato: per
l’arte (e soprattutto per il sempre attentissimo e intuitivo design), ma anche per
l’architettura, la moda, la musica, il cinema…Si pensi al successo del film “The
Artist” con il suo recupero del muto, alla ri-produzione delle Cinquecento, delle
Chrysler old fashioned, delle Mini, del Maggiolone, alla passione per il “vintage” in svariati campi.
Certo ogni prodotto artistico è sempre in qualche modo derivativo, ma il fenomeno del retrò è oggi così diffuso da creare, oltre che reddito, divertenti paradossi: nativi digitali ascoltano (e comprano) musica degli anni ’70 e indossano
t-shirt con stampati eroi dello sport o dei fumetti del passato.
Vien fatto di pensare che, in fondo, un artista come Cattelan abbia saputo
interpretare assai bene questa singolare tendenza bipolare dell’arte: per le sue
sconvolgenti provocazioni artistiche spesso utilizza anche mezzi espressivi del
passato, come il ciclo delle realistiche statue in cera che ritraggono, oltre a lui
stesso, personaggi famosi, sfruttando la grande efficacia comunicativa della
ceroplastica antica.
Del resto è sempre Maurizio Cattelan a riassumere con un divertente e intelligente aforisma questo trend bifronte dell’arte d’oggi: “La ripetizione è una
forma di cambiamento”.
1944 study by a Viennese scientist, Hans Asperger, recently recalled by the
press, affirmed that people who are intellectually independent from common tastes and judgements manage to produce decisive conceptual leaps for
the evolution of thought and the practices that follow from them. It is therefore
a talent, “Asperger’s syndrome”, which is behind the great steps of human progress, which belongs to minds – perhaps unsociable and nonconformist – who
are capable of imposing brilliant changes of direction on the sciences and the
arts: from Darwin, to Newton, to Carroll, to Van Gogh and to Einstein, to name
but a few of the very famous intellects who went against the grain. Thinking
the unthinkable and being able to imagine things outside the schemes of things
therefore seems to be very important; more so than continuing on the basis of
established, and there safe and tested, ideas.
On the one hand this partly explains the great recognition of unconventional
brilliance of some mythical protagonists of the world or art while on other, however, it is contradicted by the success of countless “neo-something” and “revivals”,
Retracing paths that obtained such success as to be recalled nostalgically seems
on its own to provide a guarantee or renewed attraction for the general public.
The “return” to the art of the past, however, is not a new phenomenon in the
European visual culture of the last century which sprang from the post-war ruins.
It reproposed the centralism of tradition and history, of classicism and figurative
fidelity, and rejected the extreme innovations of the Avant-garde which had
dominated the artistic panorama until 1918. After experiencing the first revolutionary stage that marked the beginning of the XX century with original and
rebellious impact (Futurism, Cubism, Expressionism, etc.), various artists later fell
back on the “Rappel à l’ordre”, a return to order that became a general trend on
a Europe-wide scale and in which Italy was no exception.
And even today nostalgia constitutes a profitable plunge into the creativity of the
past: for art (and especially for design, always extremely attentive and intuitive),
but especially for architecture, fashion, music and the cinema. A case of the latter is the success of the film “The Artist” with the recovery of the silent movie, but
we also have the reproduction of the Fiat 500 and the old-style Chryslers, minis
and VWs, as well as the passion for “vintage” in various fields.
Every artistic product today is derivative in some way, but the retro phenomenon
is so widespread as to create amusing paradoxes as well as income: digital
natives listen to (and buy) music from the seventies and wear T-shirts with prints
with heroes of the sport and comics of the past.
This leads us to realize that, all things considered, an artist like Cattelan has
been able to interpret this singular bipolar art trend very well: with his disturbing
artistic provocations he often also uses expressive means from the past, such
as the cycle of realistic wax statues that, along with himself, portray famous
personalities and exploit the great communicative effectiveness of ancient wax
modelling.
Maurizio Cattelan himself sums up this two-faced trend of today’s art with an
amusing and intelligent aphorism: “Repetition is a form of change”.
Giovanna Grossato
Giovanna Grossato
3
Uchronia 2006
Uchronia 2006
Installazione di legno nel Black Rock Desert, Nevada, USA
(All’occasione del Burning Man Festival)
Installation in wood in the Black Rock Desert, Nevada, USA
(on the occasion of the Burning Man Festival)
ARNE QUINZE
A partire da un Giardino Segreto
di Tazio Cirri
“M
y Secret Garden”, il giardino segreto di Arne Quinze di più recente memoria è quello della mostra, la prima dell’artista in
Olanda, allestita per lui al Kunsthal di Rotterdam dal 24 maggio al 7 giugno. E’ quello di cui l’artista dice di avere l’idealistica concezione di una “città come museo a cielo aperto, [che] sembra la realizzazione del mio sogno. Il confronto con un pubblico
circondato ogni giorno dall’arte. L’arte ha un effetto positivo sugli esseri umani e sulla loro evoluzione, capace di allargare i loro
orizzonti, la loro visuale.”
Ma oltre a rivendicare il suo diritto di essere poeta visionario, Arne Quinze si qualifica oggi con le qualità di un artista assolutamente
originale, capace di infondere nelle sue opere la consapevolezza attorno a problematiche sociali stringenti e complesse.
Nato nel 1971 in Belgio, Arne Quinze attualmente vive e lavora a Sint-Martens-Latem, un comune delle Fiandre Orientali, realizzando sculture di grandi e piccole dimensioni ma anche disegni e dipinti. Piccole opere, schizzi e disegni costituiscono spesso la base e
la ricerca per le sue grandi istallazioni che sono spesso costruite con diversi tipi di legno, compreso legname di recupero cui è data
l’occasione di una seconda vita, dipinto con i colori elettrici della vernice fluorescente. I pannelli di legno sono particolarmente adatti
ad essere graffiti, come i muri su cui, nella sua giovinezza artistica, egli operava come artista di strada.
I temi sono quelli dedicati alla interazione sociale, la comunicazione e l’urbanistica. Di recente la sua ricerca sta dirigendosi anche
verso strutture in acciaio di grandi dimensioni senza che tuttavia venga meno la costante linea guida della sua attività: la convinzione
che sia possibile l’avvento di una società ideale in cui tutte le persone si rapportino tra loro, interagendo con motivata reciprocità e
vigore. Una visione urbana, dunque, in cui le attività comuni fioriscono e la coesione sociale costituisca la norma. Le sue installazioni
sono immaginate per provocare reazioni e per intervenire nella vita quotidiana della gente: obiettivo pienamente raggiunto, visto
che le opere di Quinze esposte in luoghi pubblici hanno suscitato interessanti reazioni e discussioni. E’ avvenuto, per citarne solo
alcune, con Cityscape e The Sequences, in Belgio, con The Traveller, in Germania, con Camille e Rock Strangers, in Francia, con
The Visitor, in Libano, con Red Beacon, in Cina e con Uchronia e Timegate negli Stati Uniti.
In ogni situazione umana con la quale si trova a rapportarsi Quinze riesce a elicere motivi di ispirazione e di positivo dialogo e
scambio, mentre la città, luogo per eccellenza del vivere sociale, costituisce un laboratorio continuo e uno stimolo immediato. Oltre
4
Installazione di legno nel Black Rock Desert, Nevada, USA
(All’occasione del Burning Man Festival)
Installation in wood in the Black Rock Desert, Nevada, USA
(on the occasion of the Burning Man Festival)
alla costruzione di sculture architettoniche, egli crea opere d’arte
complesse e video installazioni nelle quali inscrivere la sua visione della società, di come la gente vede sia se stessa sia il contesto sociale. Lavori come Bidonville, Stilthouse, Chaos, My Home,
My House, My Stilthouse, My Safe Garden sono stati esposti con
grande successo in varie mostre.
Ovviamente Arne Quinze vive le sue creazioni anche come un
confronto costante con se stesso, come verifica della propria personale evoluzione. Spesso, quando lavora, si perde totalmente
in quello che fa, entrando come in trance alla ricerca del centro
della sua interiorità e alla scoperta di ciò che vive nella sua
mente. Si tratta, insomma, anche di un’operazione di auto consapevolezza che pienamente giustifica il titolo di “Secret Garden”,
giardino segreto.
Non si tratta di un atteggiamento di fuga dalla realtà quotidiana,
ma di accumulo di tutto quanto costituisce la sua esperienza di
vita che Quinze riunisce in nuovi giardini, con l’intento di meglio
comprendere la realtà, lasciando più spazio al sogno e a nuove
riflessioni.
My Home, My House, My Stilthouse 2009
Legno, pittura, matita, specchio, carta e plexiglas
Wood, paint, pencil, mirror, paper and Plexiglas
cm. 256x93x40
5
ARNE QUINZE
Starting from a Secret Garden
by Tazio Cirri
Chaosbox 2010
Legno, pittura, vetro | Wood, paint, glass
cm. 37x57x17,5
Red Bacon 2010-2020
Installazione al Jing’an Sculpture Park, Shanghai, Cina
Installation in the Jing’an Sculpture Park, Shanghai, China
A
rne Quinze’s most recent exhibition“My Secret Garden” is the first for him in Holland, in the Kunsthal in Rotterdam from 24 May
to 7 June. He challenges the viewers to investigate what a safe haven, a safe place means for them. Quinze thinks everyone has
a place where we withdraw ourselves to feel protected. Next to this exposition, there’s also an exhibition running in Ostend (Belgium)
“Cities as open air museums” incorporating the idealist conception of a society filled with public art. Confrontation with a public
surrounded by art every day. Art has a positive effect on human beings and on their evolution, capable of broadening their horizons,
their line of sight.” But as well as asserting his right to be a visionary poet, Arne Quinze projects himself today with the qualities of
an absolutely original artist, capable of infusing his works with an awareness of the impelling and complex social problems. Born in
1971 in Belgium, Arne Quinze currently lives and works in Saint-Martens-Latem, a commune in Eastern Flanders where he produces
large and small-scale sculptures but also drawings and paintings. Small works, sketches and drawings often constitute the basis and
the research for his large installations which are built of various types of wood, including recovered timber that he gives a second
The Visitor 2009-2014
Installazione al Beirut Souks, Beirut, Libano
Installation at Beirut Souks, Beirut, Lebanon
6
7
life to, painted with the electric colours of fluorescent paint. Wooden panels are parti- cularly suitable for being scratched, like
the walls on which he worked as a street artist during his artistic
youth. The themes are those dedicated to social interaction, communications and town- planning. Recently his research has also
been directed towards large-scale steel structures without letting
the constant guideline of his activity falter: the conviction that the
advent of an ideal society in which people interrelate, interact
with motivated reciprocity and vigour is possible. An urban vision, therefore, in which the common activities surface and social
cohesion is the norm. His installations are imagined in order to
provoke reactions and to intervene in people’s daily lives: an
objective fully achieved, given that Quinze’s works exhibited in
public places have arou- sed interesting reactions and discussions. This was the case with Cityscape and The Sequences in
Belgium, with The Traveller in Germany, with Camille and e Rock
Strangers in France, with The Visitor in Lebanon, with Red Beacon
in China and with Uchronia and Timeate in the United States. In
every human situation he tackles, Quinze is able to elicit sources
of inspiration and positive dialogue and exchange, while the city,
the place par excellence for social living, constitutes a continuous
laboratory and an immediate stimulus. In addition to the construction of architectural sculptures, he creates complex artworks
and video installations in which to inscribe his vision of society,
of how people see both themselves and the social context. Works
such as Bidonville, Stilthouse, Chaos, My Home, My House, My
Stilthouse and My Safe Garden have been exhibited very successfully in various exhibitions. Arne Quinze obviously also lives his
creations as a constant confrontation with himself, as verification
of his own personal evolution. Often, when he works, he loses
himself totally in what he does, as if falling into a trance in the
search for his interiority and the discovery of what goes on in his
mind. In short, his approach also constitutes an operation of selfawareness that fully justifies the title, “Secret Garden”. It is not a
flight from daily reality, but the accumulation of everything that
constitutes his experience of life that Quinze brings together in
new gardens, with the intention of obtaining greater understanding, leaving more space for dreaming and new reflections.
Bidonville 2011
Legno, poliuretano, pittura | Wood, polyurethane, paint
cm. 92x245x26
Rock Strangers 2012
Scultura di acciaio dipinto (installazione a La Galleria Dorothea van der Koelen, Venezia)
Painted steel sculpture (installation in the Dorothea van der Koelen Gallery, Venice)
LA GALLERIA
di Dorothea van der Koelen
San Marco 2566
30124 Venezia
Tel. +39 041 5207415
Fax +39 041 2778080
www.galerie.vanderkoelen.de
My Safe Secret Garden 2011
Legno, pittura, specchio, plexiglas (Art Basel Miami)
Wood, paint, mirror and Plexiglas (Art Basel Miami)
cm. 213x123x46
8
Chaoslife 2011
Legno, pittura, vetro, specchio
Wood, paint, glass, mirror
cm. 163x103x3
2012
L’artista nel suo studio | The artist in his study
9
ANTONELLA ZAZZERA
La materia luminosa
di Alessandro Benetti
S
egno: Il punto di partenza del processo creativo di Antonella Zazzera. Nata a Todi nel 1976, studia all’Accademia di Belle Arti di
Perugia e poi con il pittore Mauro Salvi, suo iniziatore al recupero dei valori propri dell’arte italiana (la traccia, la luce, lo spazio).
Zazzera è disegnatrice, pittrice, scultrice, fotografa: le arti si fondono nell’unità del processo creativo.
Il segno di Antonella Zazzera «non è mai narrativo, ma subito sintetico, dinamico, semmai evocativo, a volte quasi violento» (Massimo
Mattioli). Zazzera indaga la natura del segno a partire dalla vetronite: le lastre di questo materiale, composito di rame e polvere di vetro,
sono da lei graffiate e incise. Il mezzo fotografico potenzia la percezione dell’occhio umano e rende manifeste tracce che resterebbero
altrimenti invisibili. La bidimensionalità della superficie è messa in discussione dalla ruvidità dei solchi che su di essa sono impressi: «passaggi vetronitici si animano all’esterno, si materializzano» (Antonella Zazzera).
Segnotraccia: «Corpi segreti, contengono forze in continua rigenerazione» (Antonella Zazzera)
Il segno bidimensionale si fa “segnotraccia” e conquista la tridimensionalità. All’incisione della vetronite segue la tessitura del filo di rame,
con la quale Zazzera mette in atto la materializzazione del segnotraccia fotografico. Armonici: questo è il nome che Antonella sceglie
per designare le «incommensurabili sedimentazioni di filo del più noto fra i conduttori di energia» (Federico Sardella). L’aspetto fabrile
della creazione artistica si esplica nella lavoro paziente dell’artista che intreccia metodicamente i fili di metallo. La lentezza del processo
creativo testimonia dell’attitudine analitica ed esplorativa sottesa al
prodursi dell’opera.
Luce: «Dalla luce nasce e si materializza Armonico » (Antonella
Zazzera)
La luce, per Antonella, è «energia vitale, elemento trasmutante che
tesse le forme»: Armonico vive nella luce. È solo grazie ad essa che
degli Armonici si può apprezzare la ricchezza della stratificazione
della materia, le differenti densità dell’intreccio, il disporsi della
trama, il sovrapporsi delle componenti. Al tempo stesso, la luce
smaterializza l’Armonico oggettuale in un fenomeno volumetrico
intangibile, lo idealizza nel processo concettuale che l’ha creato.
Nelle parole di Massimo Mattioli, «la linea perde la sua identità
geometrica e diventa luce stessa»: in questo senso Armonico è
“formanonforma” generata dalla luce.
Artista, Opera d’arte, Natura: «L’Opera d’Arte è l’Artista» (Antonella Zazzera)
L’identificazione tra l’Artista e l’Opera d’arte è totale. La sedimentazione dei “segnotraccia” dell’opera d’arte corrisponde all’accumulazione di esperienze da parte dell’artista: l’Essere diviene nella
sua unicità, secondo un processo di «assimilazione delle forze vitali dell’Io e di tutto l’intorno dell’Io» (Antonella Zazzera). L’uomo
armonico, che per Antonella è abitante perfetto dell’universo, è un
tutt’uno con il processo creativo. L’Artista e l’Opera d’arte, in un’attività incessante di creazione e trasformazione, si fondono nella
Natura. La disposizione degli Armonici su di un tappeto erboso
chiarisce i presupposti di tale ritorno alle origini comuni, realizzando la simbiosi tra artificio e natura: i fili d’erba s’infiltrano negli
interstizi della materia metallica, il rame e l’elemento vegetale assumono spazialità complementari. Ancora una volta, la luce svolge
un ruolo fondamentale: si tratta in questo caso della luce naturale
del sole, che sottolinea le alterne concavità e convessità dell’Opera. La curva è per Zazzera «la natura archetipale dell’Essere» e le
curve degli Armonici dialogano a distanza attraverso il vuoto che
li divide e la natura che li compenetra. La noncuranza apparente
con la quale si dispongono nello spazio denuncia la necessità dei
rapporti reciproci tra le parti. L’Opera d’arte è una totalità inscindibile ed al tempo stesso sempre disponibile ad arricchirsi di nuovi
episodi, nel costante divenire dell’Essere.
nell’altra pagina | on the other page
Armonico LVI 2007
Fili di rame - Courtesy Grossetti Arte Contemporanea, Milano
Copper wires - Courtesy of of Grossetti Arte Contemporanea, Milan
cm. 380x130x4 ciascun elemento | each element
sopra | upper
Armonico CXVI 2009
Fili di rame - Courtesy Diagonale/Galleria, Roma
Copper wires - Courtesy of Diagonale/Galleria, Rome
cm. 400x150x4
a fianco | next
Armonico C/S CXXXV 2008/2010
cm. 115x72x20
10
11
ANTONELLA ZAZZERA
The luminous material
by Alessandro Benetti
C/S E0-08 2009
Cellulosa e fili di rame - Courtesy Grossetti Arte Contemporanea, Milano
Cellulose and Copper wires - Courtesy of of Grossetti Arte Contemporanea, Milan
cm. 25x36
C/S C1-08 2009
Cellulosa e fili di rame - Courtesy Diagonale/Galleria, Roma
Cellulose and Copper wires - Courtesy of Diagonale/Galleria, Rome
cm. 27,5x30
S
ign: The point of departure for Antonella Zazzera’s creative
process. Born in Todi in 1976, she studied at the Accademia
di Belle Arti in Perugia and then with the painter, Mauro Salvi,
who initiated her into the recovery of the specific values of Italian
art (the stroke, light, space). Zazzera is a draftswoman, painter,
sculptor and photographer: the arts merge in the oneness of the
creative process.
Antonella Zazzera’s sign «is never narrative, but immediately
concise, dynamic, evocative if anything, and sometimes almost
violent» (Massimo Mattioli). Zazzera explores the nature of the
sign, starting from Vetronite: she scratches and engraves sheets
of this material, a composite of copper and glass powder. Photography strengthens the perception of the human eye and makes
traces that would otherwise remain invisible become manifest.
The bi-dimensionality of the surface is called into question by the
roughness of the grooves impressed on it: «Vetronite passages
animate from the outside, are materialized» (Antonella Zazzera).
Sign-trace: «Secret bodies, they contain continuously regenerating forces» (Antonella Zazzera)
The two-dimensional sign becomes a “sign-trace” and conquers
tri-dimensionality. Engraving Vetronite follows the weave of the
copper wire with which Zazzera puts the materialization of the
photographic sign-trace into play. Armonici: this is the name chosen by Antonella to design the “incommensurable sedimentations
of wire of the best known conductors of energy” (Federico Sardella). The feverish aspect of artistic creation is expressed in the
patient work of the artist who methodically weaves metal wires.
The slowness of the creative process testifies to the analytic and
explorative attitude underlying the production of the work.
Light: «Armonico springs and materializes from light» (Antonella
Zazzera)
Light, for Antonella, is «vital energy, the transmuting element that
weaves forms»: Armonico lives in light. It is only thanks to it that
the wealth of stratification of the material of the Armonici can be
appreciated, the different density of the weave, the arrangement
of the weft and the superimposition of the components. At the
same time, light dematerializes the object that is Armonico into
an intangible volumetric and idealizes the conceptual process
that created it. In the words of Massimo Mattioli, «the line loses
its geometrical identity and becomes light itself»: in this sense
Armonico is “form-nonform” generated by light.
Artist, Artwork, Nature: «The Artwork is the Artist» (Antonella
Zazzera)
The identification of the Artist with the Artwork is total. The sedimentation of the artwork’s “sign-trace” corresponds to the accumulation of experiences by the artist: Being becomes in its uniqueness, in accordance with a process of «assimilation of the
vital forces of the Ego and of all the surroundings of the Ego»
12
Armonico LXX 2007/2008
Fili di rame - Courtesy Fioretto Arte, Padova
Copper wires - Courtesy of Fioretto Arte, Padua
cm. 47x43x30 e | and 45x20x25
sotto | under
Armonico CXXXII 2009/2010
cm. 75x84x3 ciascun elemento | each element
(Antonella Zazzera). The harmonic man, who is the perfect inhabitant of the universe for Antonella, is one with the creative process. The Artist and the Artwork blend with Nature in a ceaseless
activity of creation and transformation. The arrangement of the
Armonici on grassy carpets clarifies the bases of such a return to
common origins and realizes the symbiosis of artifice and nature:
the blades of grass penetrate the interstices of the metal material
and the copper and the vegetal element assume complementary
spatiality. Once again light plays a fundamental role: in this
case it is a question of natural sunlight that underlines the work’s
alternate concavities and convexities. For Zazzera the curve is
«the architypal nature of Being» and the curves of the Armonici
dialogue at a distance by means of the emptiness that divides
them and the nature that permeates them. The apparent carelessness with which they arrange themselves in space denounces
the need for reciprocal relationships between the parties. The
Artwork is an indissoluble totality and at the same time always
open to enriching itself with new episodes in the constant becoming of being.
FIORETTO ARTE
Associazione Culturale
Via San Silvestro, 480
35030 Cortelà, Vò (PD)
Tel. +39 049 9940987
www.fiorettoarte.com
[email protected]
13
ANDREA
MORUCCHIO
Ferro e vetro
di Eleonora Zampieri
A
vvicinarsi all’attività artistica di Andrea Morucchio significa addentrarsi in una dimensione creativa eclettica: fotografia, scultura, installazione, video e performance sono i mezzi utilizzati da
più di un decennio in una assidua sperimentazione di dimensioni
espressive, esperienziali e produttive di significati. Se il primo medium d’elezione è stata la fotografia, dalla fine degli anni ’90 Morucchio inizia ad approfondire la conoscenza del
vetro e a progettare le proprie sculture sviluppando un’accezione
plastico-linguistica del tutto singolare.
L’esordio risale al 2000 con la personale Dinamiche alla Galleria
Rossella Junck di Venezia in cui presenta le sculture in vetro e ferro
della serie Blade e Enlightenments oltre alla proiezione del video
Dynamo elaborato attraverso il montaggio di centinaia di foto relative ai momenti di creazione delle opere in mostra. Nelle due serie
di sculture in vetro molato, la lama rappresenta il pensiero che fa
penetrare la luce e permette la sintesi. In Blade le lame rivolte verso
il basso appaiono in stasi, elemento esplicativo del convulso impulso creativo. In Enlightenments le cuspidi che perforano le barriere
di ferro si mostrano invece in movimento, proiettate a schiudere
ulteriori aperture.
Celata 2009
2 elementi, vetro nero soffiato, stampato e satinato
2 elements, blown, moulded and satinated black glass
cm. 44x35x30 cad. | each
sopra | upper
Laudes Regiae 2007
Convento Santi Cosma e Damiano, 17 elementi in vetro soffiato, stampato,
satinato, proiezioni, audio
Convent of Saints Cosmas and Damian, 17 elements in blown, moulded and
satinated glass, screenings, audio
cm. 44x35x30 cad. | each
Andrea Morucchio
vive e lavora a Venezia
www.morucchio.com
14
L’evoluzione ambientale delle prime sculture è visibile nelle installazioni Percer-Voir, realizzate nel 2002 presso i Chiostri di San Pietro
a Reggio Emilia e nel 2003 in Australia per i Royal Botanical Gardens di Horbart. In entrambi gli interventi la sinergia tra le cuspidi in
vetro - che sembrano uscire dalla terra o dall’acqua - e l’ambiente spinge la percezione emozionale soggettiva dell’osservatore a “vedere
forandosi”, ossia facendo luce nell’intimità del proprio animo.
L’interazione tra scultura e fotografia si presenta nuovamente nei due progetti espositivi Emerging Code attuati nel 2006 presso la Galerie Rossella Junck di Berlino e la Despard Gallery di Hobart. L’opera si fonda sull’interdipendenza tra le sculture della serie Offshoots
e le stampe su film d’argento virate digitalmente in rosso di immagini fotografiche dei modelli in gesso di Antonio Canova conservati
presso la Gipsoteca di Possagno. Entrambi partecipano ad un processo di trasposizione astrattiva della bellezza neoclassica. Le sculture
appartenenti al ciclo Offshoots sono costituite da superfici di ferro forgiato e forato, le cui aperture sono “riempite” con elementi in vetro
rosso arancio semitrasparente e acidato. Gli elementi in vetro vengono interpretati come per il trasferimento tridimensionale dei “point de
repère” usati dal Canova per la traduzione in marmo delle proporzioni e misure del modello originale in gesso.
Nell’opera Laudes Regiae realizzata nel 2007 al Convento Santi Cosma e Damiano alla Giudecca, l’artista presenta legami che intersecano eredità storica, percorso spirituale e contemporaneità socio-politica. L’installazione si compone di una scacchiera di elmi rossi, delle
immagini proiettate del Lupo di Passau (marchio che veniva punzonato sulle spade medievali), e della musica prepotente delle Laudes
Regiae, invocazione liturgica che accompagnava l’incoronazione dei sovrani nell’antichità e nella società cristiana. L’opera è stata progettata come una presa di posizione critica nei confronti della politica papale contemporanea, e del ruolo dei media nel determinare
una nuova e insolita divulgazione della gloria come centro dell’attuale sistema politico.
Le Celate, elemento base dell’installazione, sono state realizzate per mezzo dello stampo di una celata “a becco di passero” del XIV secolo appartenente alla Collezione di Palazzo Ducale a Venezia. Colpisce il sorriso beffardo delle figure, ciascuna uguale ma allo stesso
tempo diversa dalle altre in virtù delle irregolarità della materia.
Nella stanza antologica intitolata Back in Black, allestita a Ca’ Pesaro lo scorso settembre, Andrea Morucchio ha esposto una selezione
delle opere plastiche più significative del suo lungo percorso creativo. Appare evidente che le forme rigorose ed estreme che l’artista
realizza costituiscono un punto di rottura con la tradizione vetraria muranese, nonostante l’impiego di tecniche e di tipi di vetro comuni.
Egli inoltre possiede un “approccio mentale” al vetro, evidente nell’attitudine di Morucchio nel cogliere le possibilità che questo materiale
offre nell’utilizzo plastico scultoreo: per la sua icastica potenza formale e per il valore simbolico della sua narrazione.
15
ANDREA MORUCCHIO
Iron and glass
by Eleonora Zampieri
A
pproaching Andrea Morucchio’s artistic activity means
penetrating an eclectic creative dimension: photography,
sculpture, installations, videos and performances are the means
he has used for over a decade of assiduous experimentation into
expressive and experiential meaning-producing dimensions.
If his initial preferred medium was photography, from the end of
the nineties Morucchio began to broaden his knowledge of glass
and to design his sculptures by developing a completely singular
plastic-linguistic significance.
He debut occurred in 2000 with the one-man show, Dinamiche,
at the Rossella Junck Gallery in Venice in which he exhibited
glass and iron sculptures from the Blade and Enlightenments series and also showed the Dynamo video produced by assembling
hundreds of photos regarding moments of creation of the works
on show. In the two series of sculptures in ground glass, the blade
represents the thought which allows the light to penetrate and
permits synthesis. In Blade the blades turned downwards appear
to be in stasis, an element for explaining the convulsed creative
impulse. In Enlightenments on the other hand the cusps that perforate the iron barriers show themselves in movement projected
towards opening further breaches.
The environmental evolution of the early sculptures can be seen
in the Percer-Voir installations, created in 2002 in the Cloisters
of San Pietro in Reggio Emilia and in 2003 in Australia for the
Royal Botanical Gardens of Horbart. In both these projects the
synergy between the glass cusps – that seem to spring from the
earth or the water – and the environment drives the observer’s
subjective emotional perception to “see by piercing himself”, i.e.
by throwing light on the intimacy of his own soul.
The interaction between sculpture and photography appears
once again in the two exhibition projects, Emerging Code, created in 2006 at the Rossella Junck Gallery in Berlin and the
Despard Gallery in Hobart. The work is based on the interdependence between sculptures from the Offshoots series and the
digitally reddened prints on silver film of photographic images
of Antonio Canova’s plaster models conserved in the Gipsoteca
in Possagno. Both participate in a process of abstractive transposition of neoclassical beauty. The sculptures belonging to the
Offshoots cycle are made up of surfaces of forged and pierced
iron, the openings in which are “filled” with semitransparent and
acid-etched red-orange glass elements. The glass elements are
interpreted in the same way as the 3-dimensional transfer of the
“point de repère” used by Canova for the translation into marble
of the proportions and measurements of the original plaster model.
In the 2007 work, Laudes Regiae, in the Convent of Saints Cosmas and Damian on the Giudecca, the artist presents links that
intersect the historical heritage, a spiritual path and statement
of social-political contemporaneousness at the same time. The
installation is composed of a chess board of red helmets with
projected images of the Passau Wolf (a brand that was punched
on medieval blades) and the overbearing music of the Laudes
Regiae, a liturgical invocation that accompanied the coronation
of sovereigns in antiquity and in Christian society. The work was
designed as a critical stand against contemporary papal politics
and the role of the media in determining a new and unusual
propagation of glory as the centre of the current political system.
The Celate, the basic elements of the installation, were created
by means using the mould of a XIV-century “sparrow’s beak”
sallet belonging to the collection of the Ducal Palace in Venice.
What strikes us is the mocking smile of the figures, all identical
but different at the same time because of the irregularity of the
material.
In the anthological room titled Back in Black, set up in Ca’ Pesaro
last September, Andrea Morucchio exhibited a selection of the
most significant plastic works of his long creative career. It appears evident that the rigorous and extreme forms that the artist
creates constitute a point of rupture with the Murano glass tradition, notwithstanding the use of techniques and types of common
glass. He also possesses a “mental approach” to glass, evident
in Morucchio’s ability to grasp the possibilities that this material
offers in the use of sculptural plastic, with for its formal icastic
power and the symbolic value of its narration.
Andrea Morucchio
lives and works in Venice
www.morucchio.com
a fianco | next
Offshoots #4 2006
Ferro forgiato, vetro stampato, molato e satinato
Forged iron, and moulded, ground and satinated glass
cm. 76x30x15
Enlightenments #9 2004
Ferro forgiato, vetro soffiato e molato
Forged iron, and moulded, ground and satinated glass
cm. 30x57x15
Emerging #1 2006
Stampa inkjet su poliestere argentato | Inkjet print on silvered polyester
cm. 64x46, ed. 1/7
Emerging #4 2006
Stampa inkjet su poliestere argentato | Inkjet print on silvered polyester
cm. 74x60, ed. 1/7
16
17
HERMANN JOSEF RUNGGALDIER
Figure sospese
di Cristiana Coletti
foto di Egon Dejori
H
ermann Josef Runggaldier nasce in Val Gardena, ad Ortisei
nel 1948. Quarto di otto figli, è l’unico della famiglia a continuare la tradizione della scultura in legno tipica delle sue zone.
E questa passione si manifesta molto presto. Ancora ragazzo
Runggaldier lavora nelle botteghe a stretto contatto coi materiali, gli strumenti e con le tecniche dell’artigianato. Nel pomeriggio frequenta un corso triennale tenuto dai professori dell’Istituto
d’arte della sua città. Rinuncia ad una preparazione accademica
e decide di svolgere la propria ricerca proseguendo l’attività di
bottega. Nel 1971 viene allestita la sua prima mostra personale. Questo è solo l’inizio di una lunga serie di conferme che
lo stimolano a proseguire la strada intrapresa. Nel corso degli
anni il lavoro dello scultore è presentato in molte città italiane
ed europee. Ricordiamo la sua presenza ad Arte Fiera Bologna, nel 2007, e la partecipazione al ciclo di sette mostre “Not
so Private” organizzato dal Museo d’Arte Moderna di Bologna
(MAMbo), nel 2008. Già nel 1983 vince il suo primo premio, la
medaglia d’oro dello Stato di Bavaria a Monaco. I materiali che
Hermann Josef Runggaldier utilizza sono diversi ma tutti classici:
il legno, il gesso, la pietra, la creta e il bronzo. Fra tutti preferisce
la creta perché è duttile, generosa e lo rende libero di giocare.
Ama naturalmente molto il legno che “è bellissimo e caldo” ma
anche difficile, richiede molta pazienza. A differenza della creta
il legno non consente molta libertà. Pretende assoluta precisione
nella realizzazione di una forma che deve essere definita in tutti
i dettagli già a priori. La pietra, invece, è capace di sorprendere:
“Basta una riga, un taglio e la pietra parla. Ti dà una risposta.”
La passione per il materiale, che Runggalider esprime raccontandolo, è legata anche alla sua attività di bottega, che lo ha visto
impegnato nella realizzazione di vari progetti e opere d’arte
sacra. Ma Runggaldier ha sempre sentito la necessità di fare
anche altro. Ovvero di cercare un proprio linguaggio artistico
per esplorare altre dimensioni della sua personalità. Se da una
parte c’è l’artigiano, che vive nel rapporto con la materia la gioia del fare e del realizzare, dall’altra c’è l’uomo che con la sua
sensibilità vuole confrontarsi col mondo ed esprimere ciò che
sente. Questa ricerca, cui ha dedicato ogni momento della sua
carriera, si è svolta in diverse fasi: ad un primo periodo figurativo
è seguito l’interesse per l’Astrattismo e per la sperimentazione. La
sua strada lo ha condotto, però, di nuovo, alla figura come punto
di riferimento fondamentale. Come egli stesso afferma: “Sono
uno che si affeziona molto alle cose che vede.
Dialogo 2009
Vetroresina e vetro (particolare) | Fibreglass and glass (detail)
sopra | upper
Dialogo 2009
Scultura con due figure, vetroresina e vetro | Sculpture with two figures, fibreglass and glass
cm. 210x133x92 (figure | figure 165 cm)
a fianco | next
Senza titolo 2006
Scultura in gesso | Plaster sculpture
altezza | height cm. 65
18
19
Guardando la natura ed osservando le persone che stanno intorno a me, cerco di guardare dentro. E cerco di esprimere quello
che sento osservando.” Nessuno meglio di lui avrebbe potuto
centrare il cuore della questione con altrettanta semplicità e precisione. È questa, infatti, la sensibilità che sta alla base delle sue
opere. Sono installazioni, dove la scultura tradizionale in legno
diventa qualcosa d’altro. Non è la raffigurazione di un papa,
non è un’immagine sacra né un monumento in memoria di un
accadimento storico. La scultura qui vuole rappresentare l’individuo nella sua condizione esistenziale di essere umano. “Girando
il mondo, negli aeroporti ad esempio, vediamo tanta gente che
viene e che va accanto alle vetrate che dividono gli ambienti. In
questi contesti siamo immersi nella massa, ma ognuno è più o
meno solo. Gli altri sono come delle ombre. Tu cerchi il contatto,
ma lo trovi solo parzialmente. Resti solo.” I suoi personaggi sono,
quindi, figure senza identità, sospese in un momento che racconta uno stato dell’animo. Guardando le opere ci accorgiamo che
ci sono tre diversi momenti: l’osservazione, il cammino, la ricerca
di contatto. Bianco o nero sono i colori della patina che ricopre
le sculture. Questo contrasto di colori vuole esprimere la diversità
che ci rende inaccessibili l’uno all’altro e serve ad innescare un
ritmo dal punto di vista ottico. Lo sguardo è invitato a percorrere
tutto lo spazio dell’installazione per ritornare poi al principio. La
parete di vetro, accanto alla quale si muovono le figure, è satinata da un lato. Non permette di vedere che l’ombra della realtà
che sta dall’altra parte. Riflette, però, l’immagine dell’osservatore, quasi a suggerire che è il proprio volto quel confine oltre cui
si cela il volto dell’altro.
Hermann Josef Runggaldier
vive e lavora a Ortisei (BZ)
www.hermannjosef.com
20
HERMANN JOSEF
RUNGGALDIER
Suspended figures
by Cristiana Coletti
photos by Egon Dejori
in queste pagine | in these pages
Oltre l’attesa 2010
Installazione, cembro, ferro, vetro (immagini di particolari)
Installation, pine, iron and glass (images of details)
cm. 230x600x70
H
ermann Josef Runggaldier was born in Ortisei in Val Gardena, in 1948. The fourth of eight children, he was the only
member of the family to continue the tradition of wooden sculpture typical of his area. And this passion manifested itself very
soon. When still a boy, Runggaldier practiced in workshops in
close contact with the materials, the tools and the techniques of
the craft. During the afternoon he attended a three-year course
held by professors from his town’s Art Institute. He forwent an
academic training and decided to carry out his own research
by following workshop activities. His first personal show was
staged in 1971. This was only the beginning or a long series of
successes that stimulated him to continue along the path he had
undertaken. Over the years the sculptor’s works have been presented in many Italian and European cities. Memorable are his
presence at ARTE FIERA Bologna, in 2007 and his participation
in the cycle of seven shows, “Not so Private”, organized by the
Bologna Museum of Modern Art (MAMbo) in 2008. He won his
first prize, the gold medal of the State of Bavaria in Munich, in
1983. Hermann Josef Runggaldier used different materials but
all are traditional: wood, chalk, stone, clay and bronze. Of them
all, he prefers clay because it is ductile and generous and allows
him freedom to play. Of course he is very fond of wood which
“is beautiful and warm” but it is also difficult and requires great
patience. Unlike clay, wood does not permit much freedom. It
demands absolute precision in the realization of a form all the
details of which must be defined in advance. Stone, on the other
hand, is capable of surprising: “One line is enough, one cut and
stone speaks. It gives a response.” The passion for the material,
which Runggalider expresses by recounting it, is also linked to his
workshop activities which involved him in the creation of various
projects and sacred artworks. But Runggaldier has always felt
the need to do other things too: to seek his own artistic language to explore other dimensions of his personality. If on the one
hand there is the craftsman who experiences the joy of making
and creating, on the other hand is the man who wishes with his
21
sensibility to confront the world and express what he feels. This
research, to which he has dedicated every moment of his career,
has been carried out in various stages: an initial figurative period was followed by an interest in Abstraction and experimentation. His path led him once more, however, to the figure as a
fundamental reference point. As he himself says: “I am one who
becomes very fond of the things I see. When I look at nature and
observe the people around me, I try to see inside. I try to express
what I feel when I observe.” No one better than him could have
centred the heart of the matter with such simplicity and precision.
And this, in fact, is the sensibility that underlies his works. These
are installations in which traditional sculpture in wood becomes
something else. It is not the depiction of a pope and it is not a
sacred image nor a monument recollecting a historical event.
Here the sculpture is intended to represent individuals in their
essential condition of being human. “When we travel the world,
in airports for example, we see lots of people coming and going
beside glazed partitions that divide the spaces. In these contexts
we are immersed in the crowd but each of us is essentially alone.
The others are like shadows. You seek contact but only partly.
You remain alone.” His characters are therefore figures without
in queste pagine | in these pages
Oltre l’attesa 2010
Installazione, cembro, ferro, vetro (immagini di particolari)
Installation, pine, iron and glass (images of details)
cm. 230x600x70
an identity, suspended in a moment that recounts the state of the
soul. When we look at his works we become aware that there
are three different moments: observation, the path, the search for
contact. White or black are the colours of the patina that cover
his sculptures. This contrast of colours is intended to express the
diversity that makes us inaccessible to one another and is intended to trigger a rhythm from an optical point of view. The gaze is
invited to scan the whole space of the installation and then return
to the beginning. The glass wall, beside which the figures move,
is satin-treated on one side. It makes it impossible to see the shadow of the reality on the other side. However it reflects the image
of the observer, almost as if to suggest that it is his own face that
is the boundary beyond which the face of the other is concealed.
Hermann Josef Runggaldier
lives and works in Ortisei (BZ)
www.hermannjosef.com
22
23
GIANFRANCO ASVERI
Il ragazzo di campagna e il topo di città
di Luca Beatrice
G
ianfranco Asveri non ha frequentato accademie o scuole d’arte perché non ha avuto bisogno di cercare la pittura: questa gli si
è presentata sulla soglia di casa, come un curioso, insolito arcangelo, per annunciargli che era tutto ormai deciso, e da allora
(la pittura) non ha mai lasciato quelle quattro mura sulle colline piacentine.
Questa potrebbe essere la leggenda, risibile, rurale e candida ma non ingannevole, alla base del lavoro di Gianfranco Asveri, artista
fuori mano. Certo è che la pittura ha fatto lei stessa, lei sola, da maestro di bottega e, forse, non si può chiedere di meglio all’arte.
Da buon uomo, Asveri ha accettato il mestiere che era stato scelto per lui e si è messo a dipingere, con la stessa dedizione di chi
eredita dai padri dei campi, con la maestria dell’artigiano che conosce i suoi attrezzi e la malleabilità di certi legni o terreni come
nessun altro. “L’arte è redenzione” spiega volentieri, e io che non riesco a pensare mai né a chiamate dall’alto e neppure a miti bucolici, vedo piuttosto la saggezza antica che mi dice cosa sia in fin dei conti l’avere mestiere. Perché, tra gli uomini, ci sono quelli che
hanno bisogno di un mestiere, dell’orgoglio del far su qualcosa e
di vederselo davanti a fine giornata o a fine stagione.
Asveri raspa la materia, esagera e deborda, esce dai margini
come fanno i bambini, in quelli che i grandi chiamano scarabocchi. I bambini disegnano ciò che conoscono della realtà, non ciò
che vedono. Anche se viene loro richiesto apertamente di imitare
un modello, loro continuano a disegnare i propri concetti visuali
con convinzione. Asveri, allo stesso modo, dipinge solo ciò che
conosce bene, immagini che ha in mente, salde più dei loro referenti esterni; per questo gli animali con i quali convive, nel suo
cortile e nella sua memoria, immaginati o chiamati per nome,
sono i protagonisti assoluti del suo lavoro e meritano il posto che
offre loro sotto le luci della ribalta.
Quando una persona racconta il proprio rapporto con gli animali, inevitabilmente dice più di sé che delle bestie che descrive. Mi
fa specie pensare che esistano uomini capaci di non sentirsi soli,
anche in langhe desolate per molto tempo, con intorno tre pulci,
un gatto addormentato o sentendo fischiare un uccello da qualche parte. C’è chi sa chiamarla compagnia e si sente rassicurato
da queste presenze. Per noi cittadini il dramma della solitudine
è più il ritrovarsi a cena a una tavolata dove si svolge una conversazione poco entusiasmante. Io mi sento male se passo più
di qualche ora fuori città, la campagna mi angoscia in maniera
epidermica. La gente di città è soggetta a cautele metropolitane,
vede grandi uccelli e pensa a Hitchcock, sente ringhiare un cane
e immagina Cujo, perché di questo è fatta la nostra cultura etologica di seconda mano.
Asveri è uno che sa negoziare giorno per giorno la convivenza
con gli animali e lascia che invadano il suo territorio e la sua
opera con la loro presenza. Questo bestiario non è però esclusivamente locale, i suoi sono allo stesso tempo animali riconoscibili ovunque e da qualsiasi cultura, sono divertenti archetipi,
grotteschi, feroci quadrupedi e volatili globalizzati. Per usare un
solo aggettivo, il suo è lo zoo di un circo glocale, è il cortile per
eccellenza, un bestiario onnicomprensivo con didascalie tradotte
in tutte le lingue esistenti e immaginabili.
C’è chi ha avuto l’ansia di uscire dalla provincia credendo che
fuori da essa si celi il mondo, quello vero, per poi capire che
siamo tutti della stessa carne e non possiamo pretendere da
questa chissà quale sapore esotico. C’è chi ci ha trovato gusto
nell’andarsene via e lasciare i compaesani a fantasticare sui suoi
successi.
C’è anche chi ha detto che non si lascia la città per non separarsi dalle cose e dalla gente e non si lascia la campagna per
non separarsi da se stessi. C’è Asveri che appena mette piede
a Milano cerca con lo sguardo un albero, “per sentirmi salvo e
mettermi in salvo in caso succeda qualcosa”.
C’è anche la mia razza, il topo da inaugurazione vestito di nero,
o al massimo di grigio, come il colorito della nostra faccia. Ci
sono io, che parlo solo il linguaggio delle metropoli, che delle
bestie so solo contare le zampe e che soffro di eritemi da aria
buona, e che per questo non posso ammettere di invidiare Asveri, pur forse invidiandolo.
Casa dolce casa 2007
Tecnica mista su tela | Mixed technique on canvas
cm. 60x80
Sentieri percorsi 2005
Tecnica mista su tavola | Mixed technique on panel
cm. 60x125
nell’altra pagina sotto | on the other page under
Asveri studio | Asveri studio
24
C’era una volta 2007
cm. 110x160
Favole in viaggio 2008
cm. 60x80
25
GIANFRANCO ASVERI
The country boy and the town mouse
by Luca Beatrice
G
ianfranco Asveri did not attend academies or art schools because he did not need to seek painting: it presented itself to him on
his doorstep, like an inquisitive, unwonted archangel, to announce to him that everything had already been decided, and since
then painting has never left the four walls of his home in the hills surrounding Piacenza.
This may be the legend, a legend that is absurd, rural and candid, but never misleading, underlying the work of Gianfranco Asveri,
an off-the-beaten-track type artist. There is no doubt that it was painting itself, and painting alone, that acted as the master of the
workshop and, perhaps, that is the best one can possibly expect from art. The good-natured fellow that he is, Asveri accepted the vocation that had been chosen for him and began painting with the same dedication of the man who inherits his fields from his fathers,
with the same craftsmanship of the artisan who knows his tools and the malleability of certain types of wood or lands as no-one else
does.
“Art is redemption”, he willingly explains, “and I, who could never think of callings from above or even bucolic myths, rather see ancient wisdom as telling me what, in the end, it means to have a craft. Because some men need to have a craft, the pride of starting
something and seeing it in front of them at the end of the day or the end of the season.”
Asveri rasps at his materials, he exaggerates and spills it over, he goes over the margins as children do, in what adults call scribbling.
Children draw what they know about reality, not what they see. Even if they are asked outright to imitate a model, they continue to
draw their own visual concepts with conviction.
In the same way, Asveri only paints what he knows well, images he has in his mind, images that are sounder than their external references. This is why the animals with whom he lives, in his yard and in his memory, animals he imagines or calls by their names, are
the absolute protagonists of his work and deserve the place he offers them in the forefront.
When a person describes his relationship with animals, he inevitably says more about himself than the creatures he describes. It is
amazing to think there are men who do not feel lonely, even in desolate hilly areas over a long period of time, surrounded by three
fleas and a sleepy cat or listening to a bird whistling somewhere.
Some folk call this company and feel reassured by such presences. For us city-dwellers the tragedy of being lonely is more that
of finding ourselves at a dinner table where a rather dull conversation is taking place. I feel bad if I spend more than a few
hours outside town – the country instinctively depresses me. Town
people tend to adopt a cautious metropolitan approach: they see
large birds and think of Hitchcock, they hear a dog growling and
imagine Cujo, because this is what our second-hand ethological
culture consists of.
Asveri is a person who can negotiate his cohabitation with animals on a daytoday basis and he lets their presence invade his
territory and his work. However this bestiary is not exclusively
local, his animals can be recognized anywhere and are from all
cultures, whether they be amusing archetypes, grotesque and ferocious quadrupeds or globalized fowl. To use a single adjective,
his is the zoo of a glocal circus, it is the barnyard par excellence,
an all-embracing bestiary with captions translated into all existing and imaginable languages.
There are some who have been anxious to leave the provinces
believing that the world, the true world, lies hidden beyond, to
then realize that we are all made of the same stuff and cannot
expect this to have some sort of exotic quality. There are some
who have gained great satisfaction in going, and leaving their
fellow villagers to fantasize about their success.
There are also some who have said they will not leave the city so
as not to become separated from things and people, and will not
leave the country so as not to become separated from themselves. There is Asveri who, as soon as he sets foot in Milan, looks
around for a tree, “to make myself feel safe and find a safe place
if anything happens”.
There is also my race, the inauguration mouse dressed in black,
or at the most grey, like our complexion. There is me, who only
speaks the language of the metropolis and, where animals are
concerned, only knows how to count their legs, and comes out
in a rash in good air, and this is why I cannot admit that I envy
Asveri, although perhaps I do.
La tana del lupo 2006
cm. 90x90
Favole in viaggio 2008
cm. 70x70
GALLERIA D’ARTE NINO SINDONI
Viale Matteotti 44/8
36012 Asiago (VI)
www.ninosindoni.com
Associazione Alberto Buffetti
[email protected]
La dolce vita 2006
cm. 90x90
26
27
SVETLANA OSTAPOVICI
Riflessioni sulla società
di Anna Livia Friel
L
e opere d’arte sembrano grandi spiagge bianche del sud dove vanno ad accumularsi inerti, mareggiata dopo mareggiata, i naufraghi del tempo.
Esse rappresentano, consapevoli o meno, l’epoca che le ha generate: non v’è scampo, tutto rimane lì, e si sedimenta aggiungendo
metri di costa, allungandosi nel mare.
Così, nelle sale cinquecentesche dei musei d’Europa passeggiamo un po’ intimoriti al cospetto di sovrani imparruccati, di compatte
famiglie reali, di papi, santi e valorosi a cavallo- l’arte, loro alleata, ne ravviva l’incarnato, rafforza i muscoli e lucida le armature.
L’Uomo era la rappresentazione di se stesso, del suo ruolo sociale della sua posizione nel mondo.
Ciò che Svetlana Ostapovici lascia che si incastri nelle maglie della storia è un uomo per nulla nobile, per nulla valoroso, indefesso
produttore di scorie, e il cui spazio occupato nel mondo non è rappresentato che dalla traccia del suo passaggio, ingombrante e
ingestibile.
Le opere della serie Metal re cycling (2011) immortalano enormi cumuli di scarti metallici, montagne di macerie aguzze e lucenti
di cui ancora si intuisce la provenienza: appartenevano alla quotidianità, erano automobili, lattine, container e nella loro fase di
dismissione occupano uno spazio inverosimile, ci sembra: molto più spazio di quanto non occupassero quando erano in uso, funzionavano ed erano nostri.
Ostapovici li accosta al pensatore di Rodin, alla Lupa Romana che allatta i Fratelli, alla statua severa di Giordano Bruno ed è il
confronto a rimarcarne l’inadeguatezza: è mai possibile che il nostro prodotto siano gli scarti?
La risposta di Ostapovici sembra chiara, la sua arte ci restituisce
l’immagine di un Uomo silenzioso ed intellettualmente inconsistente, incapace di decidere, che schiva le proprie responsabilità:
la serie di fotografie termografiche raccolte in Human warmth
traces (2010) fermano nel tempo le immagini di corpi sfuggenti,
anonimi, privati di qualsiasi connotazione fisionomica, di caratterizzazione etnica, anagrafica, sociale e diventano una minimalissima traccia termica nel tempo. Ed è attraverso questo processo
che ci rendiamo conto del fatto che di nuovo, in queste immagini,
la presenza umana è fissata da residui del nostro essere che
rimangono fermi anche quando noi non ci siamo più: sbuffi di
calore giallo si avvolgono nell’aria quando l’attore umano ormai
è andato, con il suo peso materico e la sua sciocca pretesa di
essere protagonista.
Allo stesso modo in Senza titolo n. 16 lo spazio della storia ha
la meglio: il chiostro silenzioso di una chiesa nasconde nella
scandita teoria del colonnato soltanto le ombre di figure che non
compaiono nella composizione: solamente il ricordo di qualche
cosa di corporeo è in grado di mimetizzarsi con il severo rigore
delle architetture.
Personaggi ben lontani da quelli di Feel and crash (2007) che,
rafforzati dall’utilizzo del mosaico come tecnica rappresentativa,
assumono complessità e struttura; composti da metodico assemblaggio di piccole parti, ogni tassello ragionato contribuisce a
forgiare la posa, il movimento e finalmente a caratterizzare il
personaggio nella sua espressione propria. Pesanti mattonelle
dai colori sgargianti rendono eterne le figure di Feel and crash,
volti e corpi, questi, con tutta l’intenzione di rimanere solidamente piantati nel Tempo, e che non avvisano della comparsa delle
transitorie messe in scena fotografate in Human warmth trace e
nelle Factories, paesaggi industriali abbandonati, come enormi
alambicchi che vivono di vita propria, in grado di produrre in
modo autonomo,azionate da chissà quale volontà.
La lapide di pannelli solari di Come sarà il nostro passato e
l’albero lambito dalle fiamme di The soul reiterano il tema della
transitorietà della materia nella poetica di Ostapovici, senza che
rimangano dubbi sul fatto che, ciononostante, qualche cosa sempre resta alle nostre spalle, una scia che permette di rintracciare
l’origine dell’ombra, il corpo che genera calore, la mano che ha
gettato nel mucchio il suo residuo, la sua traccia.
Negli ultimi anni le opere di Svetlana Ostapovici sono state esposte in diverse sedi in Italia e all’estero.
L’artista è presente nel 2007 alla 52 edizione della Biennale
d’Arte di Venezia, all’interno del Padiglione della Repubblica
Moldava, e nel 2011 alla 53 edizione della Biennale d’Arte di
Venezia con l’evento collaterale “Sant’Elena La seduzione del
segno”.
Metal recycling 20 2010
Getto d’inchiostro su carta di cotone | Inkjet on cotton paper
cm. 100x133
cm. 32x47,5
Senza titolo 18 2011
cm. 67x100
28
cm. 100x133
29
SVETLANA OSTAPOVICI
Reflections on contemporary society
by Anna Livia Friel
A
rtworks seem to be like great white beaches of the south on which the shipwrecks of time accumulate inert, tide after tide.
Consciously or otherwise they represent the époque that generated them: there is no escape, everything stays there and is sedimented with the addition of metres of coast, lengthening itself into the sea.
In this way, in the sixteenth-century rooms of the museums of Europe we stroll somewhat frightened beneath the gaze of wigged sovereigns, of compact royal families, popes, saints and valorous horsemen: art, their ally, enlivens the flesh, reinforces the muscles and
polishes the armour. Man was the representation of himself, of his social role and of his position in world.
What Svetlana Ostapovici allows to embed itself in the meshes of history is a man who is not noble at all, not valorous, but an untiring producer of dross whose space occupied in this world is not represented except in the traces of his clumsy and unmanageable
passage.
The works in the Metal recycling series (2011) immortalize enormous piles of metal rejects, mountains of sharp and shimmering detritus
whose provenance can still be intuited: they belonged to the everyday, they were cars, tins and containers and in their abandonment
stage they seem to us to occupy an implausible space: much more space than they would have occupied when they were in use,
worked and were ours.
Ostapovici draws them towards Rodin’s Thinker, to the Roman Wolf that suckles the Twins, to the severe statue of Giordano Bruno and
it is the comparison that reveals the inadequacy: it is really possible that all we produce is waste?
Ostapovici’s reply seems clear, her art gives us the image of a quiet and intellectually inconsistent Man, incapable of deciding, who
shirks his responsibilities:
the series of thermographic photographs collected in Human warmth traces (2010) freeze in time the images of fleeting anonymous
bodies, deprived of any physiognomic, ethnic and social connotation, and become an extremely thermal trace of time. And it is
through this process that we realize that what is new in these images is the human presence fixed by residues of our being that remain
still even when we are no longer there: yellow-coloured puffs wind themselves in the air when the human actor has now gone, with
his material weight and his silly pretence to be the star.
In Senza titolo n. 16 the space of history gets the better in the
same way: the quiet cloister of a church hides only the shadows
of figures who do not appear in the composition, in the rhythmical series of the colonnade; only the recollection of something
corporeal is capable of camouflaging itself with the severe rigour
of the architecture.
Personalities who are quite different from those of Feel and crash
(2007) who, reinforced by the use of mosaic as the representational technique, assume complexity and structure: composed of
the methodical assembly of small parts, every reasoned piece
contributes towards forging the pose, the movement and, finally,
to characterizing the specific expression of the character. Heavy
tiles with gaudy colours render the figures of Feel and crash eternal. These are faces and bodies that fully intend to remain solidly
planted in Time and who do not note the appearance of the
transitory stagings photographed in Human warmth trace and in
the Factories, abandoned industrial landscapes, like enormous
alembics that have a life of their own, capable of producing in
an automatic manner, driven by who knows what will.
The stones of solar panels in Come sarà il nostro passato and the
tree licked by flames in
The soul reiterate the theme of the transience of matter in Ostapovici’s poetics, without any doubts remaining about the fact that,
despite this, something always remains on our shoulders, a trail
that makes it possible to trace the origin of the shadow, the body
that generates heat, the hand that has flung its residue, its spoor
into the heap.
In recent years Svetlana Ostapovici’s works have been exhibited
in various venues in Italy and abroad.
In 2007 the artist participated in the 52th Venice Biennale in the
Pavilion of the Moldavian Republic, and in 2011 in the 53rd Venice Biennale with the collateral event, “Sant’Elena, La seduzione
del segno”.
Lambda su alluminio e plexiglas | Lambda on aluminium and Plexiglas
cm. 50x69
DE FAVERI ARTE LAB 610
Loc. Servo 167/B
32030 Sovramonte (BL)
Cell. +39 335 8035597
www.defaveriarte.it
[email protected]
Iron canyon 2009
cm. 93,5x125
cm. 100x150
30
Survival 2 2010
Lambda | Lambda
cm. 32x48
31
ALDO SARDONI
Nel tempo sospeso
di Gigliola Foschi
N
ell’era di internet – in questo eterno presente che ci costringe a inseguire notizie sempre nuove e a misurare il senso delle nostre
vite in base ai contatti su Facebook – possiamo davvero fare a meno della storia e della memoria? Vivere perennemente “connessi” per rimanere sempre agganciati al presente, e con gli occhi puntati solo sull’immediato futuro: dobbiamo forse considerare
come ineluttabile questa condizione che ci rende immemori del passato? Aldo Sardoni dice di no. Ponendosi in consapevole antitesi
rispetto a tale sopravvalutazione di un presente incalzante e incombente, questo artista s’inoltra con la sua ricerca fotografica tra le
pieghe del tempo, fino a far emergere un senso di sacralità che ci rimanda alle origini, alle fonti perenni della nostra cultura visiva
e alle dimensioni arcaiche della religiosità mediterranea. Sardoni riflette e coglie i suggerimenti cristallizzati nell’arte del passato
per rielaborarli e creare immagini al contempo attuali e volutamente inattuali. Anziché obbedire agli imperativi del mercato, che
vuole opere sempre nuove ed innovative, i suoi lavori si nutrono di tradizione senza per questo risultare nostalgici. Invece di stupire
e provocare, sollecitano il nostro immaginario con delicatezza. Evitano di entrare nel gioco mediatico, in cui sembra avere la meglio
chi urla più forte, preferendo il silenzio e i toni bassi, quasi bisbigliati.
Egli stesso – anziché fornirci una sua biografia aggiornata con l’elenco delle mostre in cui ha esposto – si ritrae e si autodefinisce
nato a Roma tra il 1550 e il 1600, quasi volesse sorgere direttamente dal passato remoto per sfuggire alla morsa del tempo odierno,
con la sua smania di protagonismo. E in effetti, le fotografie di Aldo Sardoni nascono in modo consapevole dal bisogno di far
rivivere un universo visivo imbevuto di storia dell’arte, dove affiorano aspetti che rinviano ad antichi misteri sacrali, a influenze che
vanno da Caravaggio a George de La Tour. Dell’arte barocca Sardoni non ama infatti la vitalità esuberante e quasi chiassosa di un
Nellie Clark 2012
Stampa su tela ai pigmenti d’inchiostro | Color pigments on canvans
cm. 120x80
in questa pagina | on this page
Animae Mundi 02 2008
cm. 120x80
32
Rubens, e neppure i vortici di nuvole e angeli che sembrano voler
trasformare le cupole in cieli luminosi. Il suo non è uno sguardo
che sale verso l’alto ma che s’inoltra verso le pieghe della terra,
dove bambine e donne sono ritratte nell’oscurità, spesso entro
grotte che s’intravedono appena. Come de La Tour, egli sceglie
addirittura di usare, quale unica fonte di luce, il lume delle candele. Una luce antica, mai dimentica del buio da cui proviene,
che non s’impone vittoriosa, ma si espone al proprio limite e si
confronta con l’oscurità della notte, da cui emergono volti e corpi
simili ad apparizioni avvolte in un’aura arcaica. Tale luce baluginante, rossastra, calda, ardente e religiosa, che non cancella
il buio ma anzi lo fa emergere e lo valorizza, trasforma le sue
immagini in qualcosa di materico e sontuoso. Un aspetto, questo, sottolineato anche dalla scelta di stampare le sue immagini
su tela e non su carta, quasi a voler ulteriormente sottolineare
questo suo bisogno di compiere un viaggio a ritroso nel tempo.
Come racconta l’autore “per me la tela è un ‘medium’ importante: la sua trama dà alle mie immagini un aspetto materico che
non riesco ad avere in altro modo; elimina la perfezione tecnica,
ma mi è necessaria per tornare indietro, per richiamare, per alludere, non per copiare o imitare un dipinto.” Ciò che gli preme è
che le sue immagini diano l’impressione di materializzarsi dalla
profondità del tempo e da un passato inesauribile. Un tempo
dove regnano insieme il raccoglimento e lo splendore dei sensi,
la gravità della materia corporea e un’atmosfera sacra, il chiarore della luce e la profondità potente delle tenebre. Per Sardoni
infatti la visione è anche un viaggio verso il mistero del femminile: un incontro con “l’eterno femminino” che per lui si fonda sul
sentire corporeo e non sulla distanza fredda di un osservatore
che oggettiva quanto ha di fronte. Lungi dal separarsi dal fondo
sensuale del vedere, lui vi si immerge, affinché corpi e volti, gesti
e sguardi conservino un’intensità misteriosa, una gravità che li
mantiene in contatto con la forza primigenia della terra. Come
GALLERIA
D’ARTE
NINO
se le sue immagini volessero
esprimere
i segreti
piùSINDONI
reconditi
Corso IV Novembre, 117
dell’intimità femminile, egli interroga sguardi assorti e pensosi, si
36012 Asiago (VI)
avvicina ai corpi come per sentirne il calore, www.ninosindoni.com
li avvolge in quella
magica oscurità delle tenebre dove essiAssociazione
rivelano unAlberto
mistero
che
Buffetti
[email protected]
sarebbe destinato a dissolversi nella luce trasparente
del giorno.
33
ALDO SARDONI
a fianco | next
Amore Segreto 2012
Stampa su tela ai pigmenti d’inchiostro | Color pigments on
canvans
cm. 120x80
In suspended time
sotto | under
by Gigliola Foschi
Werndel P. Bloyd 2012
Stampa su tela ai pigmenti d’inchiostro
(dall’Antologia di Spoon River di E.L. Masters)
Color pigments on canvans
(from Spoon River Anthology by E.L. Masters)
cm. 120x80
I
n the internet era – in this eternal present that obliges us to follow news that is always new and measure the sense of our lives on
the basis of FaceBook contacts – can we really do without history and memory? Living perennially on-line to remain plugged into
the present at all times and with our eyes pointing only at the immediate future: must we perhaps consider ineluctable this condition
that renders us forgetful of the past? Aldo Sardoni says no. Positioning himself in conscious opposition to such an over-rating of a
pressing and overhanging present, this artist penetrates between the folds of time with his photographs until he brings out a sense of
sacredness which returns us to the origins, to the perennial sources of our visual culture and to the archaic dimensions of Mediterranean religiosity. Sandoni reflects on and grasps the suggestions crystallized in the art of the past to rework them and create images
which are contemporary and deliberately non-contemporary at the same time. Instead of obeying the imperatives of the market which
always demands works that are new and innovative, his works are nourished with tradition while being nostalgic as a result. Instead
of amazing and provoking, they prod our imagination with delicacy. They avoid getting into the games of the media in which those
who shout loudest get the better, preferring silence and low, almost whispering tones.
He himself, instead of giving us an up to date biography with the list of shows he has exhibited in, portrays and defines himself as
having been born in Rome between 1550 and 1600, as if he wished to rise directly from the distant path to escape from the grip
of contemporary time, with its mania for celebrity. And, in effect, Aldo Sardoni’s photographs spring in a knowing manner from
the need to bring back to life a visual universe soaked in art history, where aspects emerge that refer to ancient sacred mysteries,
to influences that range from Caravaggio to George de La Tour. It is not the exuberant and almost rowdy vitality of a Rubens that
Sardoni loves in Baroque art, or even the vortices of clouds and angels that seem to want to transform the domes into luminous skies.
His is not a gaze that rises upwards but one that advances towards the folds of the earth, where children and women are portrayed
in obscurity, often in grottos which are barely visible. Like La Tour, he even tries to use candle light as the only source of light. Ancient
light, never oblivious of the dark from which it comes, which never imposes itself victorious, but exposes itself at its limit and compares
itself with the obscurity of the night from which faces and bodies similar to apparitions emerge enveloped in an archaic aura. This
glimmering, ruddy, warm, ardent and religious light which does not cancel the darkness but instead makes it emerge and enhances it,
transforms its images into something material and sumptuous. This is an aspect is also underlined by the decision to print his images
on canvas and not on paper, as if he wishes to further underline this need of his to go on a journey backwards in time. As the artists
says, “for me canvas is an important medium: its weave gives my images a material aspect that I cannot obtain in any other way; it
eliminates technical perfection but it is necessary for me to turn back in order to recall, to allude, not to copy or imitate a painting.”
What drives him is that his images must give the impression of materializing from the depth of time and from an inexhaustible past. A
time in which the concentration and splendour of the senses, the gravity of corporeal material and a sacred atmosphere, the glimmer
of light and the potent profundity of the darkness reign together. For Sardoni, in fact, seeing is also a journey towards the mystery or
the feminine: an encounter with “the eternal female” which for him is based on corporeal feeling and not on the cold distance of an
observer. Far from separating himself from the sensual foundation of seeing, he immerses in it until bodies and faces, gestures and
gazes conserve a mysterious intensity, a gravity that keeps them in contact with the primitive power of the earth. As if his images want
to express the most recondite images of feminine intimacy, he interrogates absorbed and pensive gazes, he approaches the bodies
to feel their heat, and he envelopes them in the magic obscurity of the darkness where they reveal a mystery that would be destined
to dissolve in the transparent light of day.
Noema 1 2009
cm. 100x100
SPAZIO ANNA BREDA
Via S. Francesco, 35
35121 Padova
Tel. e Fax +39 049 8774401
Cell. +39 329 2312572
www.spazioannabreda.com
[email protected]
34
35
QUIET ENSAMBLE
Fluid emotion
di Marcello Palminteri
G
ià l’appellativo “Quiet Ensemble” denota - ed evoca -, prima di ogni altra cosa, un’origine musicale; titoli come “Sul rumore,
ascolta”, “Quintetto”, “John Cage’s”, ne aumentano la certezza. Quiet Ensemble nasce nel 2009: luogo d’incontro tra l’esperienza di Fabio Di Salvo (Napoli, 1985) e Bernardo Vercelli (Volterra, 1983) fonda il proprio statuto sulla sperimentazione e l’ideazione
di opere a quattro mani (ancora, se vogliamo, un termine musicale). Diversa la provenienza (geografica e formativa) dei due artisti:
Fabio Di Salvo conduce ricerche video-interattive attraverso l’utilizzo di software di editing digitale, Bernardo Vercelli è scenografo
teatrale e lightdesigner. Insieme sviluppano un interesse per la contaminazione e la loro opera si espande in dimensioni allargate
secondo interventi dove lo spazio modifica i propri requisiti nella ricostruzione che ne produce ora l’azione performativa, ora la
ricreazione video, ora la reinvenzione sonora e luminosa. Come in una interpretazione musicale (interpretazione, si badi bene, non
mera esecuzione) il duo Di Salvo/Vercelli perviene alla struttura dell’opera per aggiunte, dove le intuizioni soggettive si aggiustano
nell’equilibrio progettuale che sta alla base di ogni intervento. Intervento in cui è facile constatare come non vi sia nulla di scontato,
anche nei momenti di più aperta aleatorietà: anzi, l’aleatorietà è spesso il progetto in cui tecnologia e natura, immaginario concreto
ed astratto, casualità e controllo (per citare parole degli stessi artisti) si combinano assieme in modi e funzioni che vengono continuamente trasformati e in questa perdita di gravità permanente si sviluppa una eterofonia nella quale accanto ad una traccia apparentemente uguale a se stessa, sorge una fioritura di segnali/stimoli uditivi/visivi sempre diversa, come avviene, per esempio in “Quintetto”,
dove cinque pesci rossi, disposti in cinque acquari, attraverso il loro movimento “disegnano”sonorità differenti in base al loro movimento. E in un certo senso, quest’opera, risulta emblematica del lavoro dei due artisti, caratterizzato da una vasta antologia di modi
36
di esprimersi: si tratta di progetti aperti nel senso che
ogni opera genera situazioni e rapporti in fieri, come
il progetto di una città della mente che - come scrisse Luciano Berio nella presentazione di “Coro” (una
composizione del 1975) -, si realizza a diversi livelli,
che produce, raccoglie e unifica cose e persone diverse presentandone i caratteri collettivi e individuali, le
lontananze, le parentele e i conflitti, entro confini reali
e virtuali ad un tempo. Più che una messa a fuoco, il
Quiet Ensemble propone una sfocatura di dimensioni
che invitano alla concentrazione per decifrarne senso
e consistenza con l’obiettivo di rivelare luoghi comuni
attraverso nuovi punti di vista. Un esperimento che invita - e talvolta obbliga - a ri-vedere ogni cosa attraverso
nuove prospettive, innescando meccanismi di interpretazione che, attingendo alla nostra familiarità con le
cose, d’improvviso si spostano verso territori franosi
dove tutto è messo in discussione ed ogni certezza è
solo travestimento. Il Quiet Ensemble in questo modo
non prende in prestito il solo linguaggio delle forme
ma anche i pattern di reazione: il gioco interattivo tra
arte e osservatore diventa un modello imprescindibile e l’osservatore riflette la forma del lavoro e attraverso la reazione diventa lo specchio dei significati.
Del resto, come scrive Gabriele Perretta, la sinestesia
digitale, che ormai appare dappertutto, afferma che
siamo calati in una società mediale. Nel linguaggio
dei media il prefisso “inter” racchiude una molteplicità
di significati e, abbinato a quello di medialità, implica
che l’utente dell’opera è contemporaneamente anche
l’attivatore del contatto semiotico stesso e ne diventa a
tutti gli effetti parte. Ed ancora: (…) il fruitore-attivatore
nel processo culturale dell’opera mediale è invitato più
che a guardare a vedere, percepire (…) e alimentare
la propria energia. Per questo, a nostro parere, il risultato non potrà mai essere singolare. Sarà semmai
un risultato di slittamenti: il lavoro del Quiet Ensemble,
ben lontano da instaurare una dimensione di quiete,
come la loro denominazione potrebbe erroneamente indurci a credere, punta sempre in più direzioni,
contemporaneamente ambigue. Nessuna realtà, solo
combinazioni possibili: colloqui tra natura e identità e
relazioni reciproche smantellano l’ordinario e provocano nuovi equilibri concettuali, senza mai trascurare,
tuttavia, la pura estetica delle forme. Comunicazione
e comprensione si alternano ed esistono soltanto sotto forma di desiderio e di sogno: una interpretazione
dei fenomeni svelata insieme e che, insieme, coniuga
udito e visione.
37
QUIET ENSAMBLE
Fluid emotion
by Marcello Palminteri
T
he name “Quiet Ensemble” already denotes and evokes
a musical origin before anything else, and titles like “Sul
rumore, ascolta”, “Quintetto” and “John Cage’s” increase this
certainty. Quiet Ensemble was established in 2009. A meeting
place for the experiences of Fabio Di Salvo (Naples, 1985)
and Bernardo Vercelli (Volterra, 1983), its raison d’être is the
experimentation and conception of works for four-hands (another musical term, if you like). The two artists are of different
geographical and formative provenance: Fabio Di Salvo carries out video-interactive research using digital editing software
while Bernardo Vercelli produces stage sets and is a lighting
designer. Together they develop an interest for cross-pollination and their work expands into extended dimensions in which
space modifies its requirements in the reconstruction of what is
produced at some times in the preformative action, at others in
the video recreation or indeed in sonic and luminous reinvention. As in a musical interpretation (interpretation, take note,
and not mere performance) the Di Salvo/Vercelli duo arrives
at the structure of the work by additions, where the subjective intuitions are adjusted in the design equilibrium which is
behind every operation. It is easy to see in their intervention
that nothing is taken for granted, even at the moments of more evident
randomness: on the contrary, randomness is often the project in which
technology and nature, concrete and abstract imagination, chance and
control (to use words of the artists themselves) combine together in manners and functions that are continually transformed and in this loss of
permanent gravity a heterophony is developed in which alongside a trace that is apparently identical to itself, a blossoming of auditory/visual
signals/stimuli that are always different come to the fore, arranged in five
aquariums, and through their movement they “design” different sonorities
on the basis of their movement. And in a certain sense this opus is emblematic of the two artists’ work, characterized by a vast anthology of
forms of expression; these are open projects in the sense that every work
generates situations and relationships in fieri, such as the project for a city
of the mind which – as Luciano Berio wrote in the presentation of his 1975
composition “Coro” – is realized at various levels which produce, collect
and combine different things and people and present their collective and
individual characters, the distances, the relations and the conflicts, within
real and virtual confines at the same time. Rather than a focussing operation, Quiet Ensemble proposes a blurring of dimensions that invite us to
concentrate in order to decode its sense and consistency in order to reveal common places from new points of view. This experiment invites – and
sometimes obliges – us to re-see everything from new perspectives, with
the triggering of interpretative mechanisms which, while drawing on our
familiarity with things, suddenly shift towards unstable territories where
everything becomes debatable and every certainty is simply transvestism.
In this way, Quiet Ensemble does not just borrow the language of forms
but also the patterns of reaction: the interactive play between art and
observer becomes an indispensable model and the observer reflects the
form of the work and becomes the mirror of meanings through the reaction. In any case, as Gabriele Perretta writes, digital synaesthesia, which
appears all over the place today, affirms that we have been dropped into
a media society. The prefix “inter” in the language of the media encapsulates a multiplicity of meanings and, combined with that of mediality,
implies that the work is also, at the same time, the activator of the semiotic
contact itself and becomes a part of it for all intents and purposes. And
then: (…) the consumer-activator in the cultural process of the media work
is invited to perceive...) and nourish their energy rather than simply look
and see. For this reason, in our view, the result can never be singular.
If anything it will be the result of slippages: the work of Quiet Ensemble,
far from establishing a dimension of quietness, as their name could erroneously induce us to believe, always points in several – contemporarily
ambiguous – directions. No reality, only possible combinations: dialogues between nature and identity and reciprocal relationships dismantle
the ordinary and provoke new conceptual equilibriums without, however,
overlooking the pure aesthetics of the forms. Communication and comprehension alternate and exist only in the form of desire and dream: an
interpretation of the phenomena revealed together and which together
combine hearing and seeing.
ASKOLL promuove l’Arte
www.askoll.com
QUIET ENSAMBLE
www.quietensamble.com
38
39
LAURENZ STOCKNER
Rame come am(o)re
di Giovanna Grossato
foto di Jürgen Eheim
T
ra gli aggettivi che immediatamente vien fatto di associare
alle ciotole di Laurenz Stockner è “essenziali”; come essenziale è la sua biografia: nato a Bressanone nel 1971, ha una prima
formazione come fabbro; un’altra alla Scuola delle Arti Orafe
a Firenze; un’ulteriore presso l´orafo Manfred Bischoff a San
Casciano de Bagni; poi un corso di disegno con Tone Fink alla
Sommerakademie di Salisburgo; ancora un’esperienza specialistica come fabbro d’arte da Robert Condin a Termeno.
Un processo formativo mirato che Stockner inizia a elaborare
con una chiara consapevolezza delle proprie esigenze espressive. Esigenze che si realizzano nel corso di 17 anni attraverso un
percorso tecnicamente esperito con solidi magisteri artigianali;
un lavoro serio, il suo, e privo di flessioni, documentato anche
nelle cadenze espositive sistematiche in sedi qualificate, a partire dal 2004, quando cioè l’artista ritiene di aver raggiunto
competenza e maturazione stilistica. Gli oggetti esposti in queste
mostre sono il risultato di periodi di studio e sperimentazione e in
ognuna si rileva qualcosa di nuovo, con l’impressione di assistere
allo sviluppo di un tragitto progressivo sia sulla pista dei temi
sia su quella degli approfondimenti tecnologici. Vicenda artistica
che parla di una grande consapevolezza e altrettanta passione,
tese a sviscerare le possibilità più profonde e sostanziali della
materia e della forma.
Non c’è mai millanteria nella proposta lineare e diretta di questi oggetti (spesso si tratta di manufatti d’uso quotidiano): nulla
viene vantato o presentato in termini enfatici o cervellotici. Fin
da subito, le esposizioni evidenziano un bagaglio artistico e artigianale solidamente strutturato che si reifica in originali pezzi
che ripetono sostanzialmente una forma dall’origine antichissima, quella della ciotola, leitmotiv dell’attività artistica di Stockner. Nel 2004 sarà la Galleria Hotel Adler di Bressanone ad
esporne e l’anno seguente la Fiera d’Autunno di Bolzano, l’Heim
und Handwerk di Monaco, la Galleria Civica di Bressanone.
2010
Gruppo di ciotole in tombacco, patina a fuoco | Group of tombac bowls, flame patina
Ø cm. 50 - 32 - 25
Fasi processo produttivo | Stages of the production process
40
41
Poi nel 2006 l’artista propone i suoi oggetti all’importante Fiera
internazionale dell‘Artigianato di Monaco e, nella stessa città,
alla Galerie für Angewandte Kunst. Negli anni seguenti espone
ancora a Monaco, alla Tenuta Manincor a Caldaro, in Castel
Tirolo a Merano, alla Fiera Grassi a Leipzig, a l’Handwerksform
di Hannover, a l’Eunique a Karlsruhe, all’European price for applied arts di Mons in Belgio. Nel 2010 ci sono gli allestimenti
alla Galleria Eva Maisch di Würzburg, alla Galleria Kammler
di Eichstätt e all’Eunique di Karlsruhe. E di nuovo, nel 2011, alla
Galleria Civica di Bressanone mentre la prestigiosa rivista “AD”
(Architektural Digest) parla di lui nel suo numero di aprile includendolo tra i “dynamisches italien” più interessanti in ambito artistico. Protagoniste privilegiate di quasi tutte le esposizioni sono
sempre le eleganti ciotole in rame che lo hanno reso famoso.
Come un manufatto così semplice e primordiale possa caricarsi
di significati concettuali e di risultati stilistici così raffinati è una
domanda che può forse trovare parziale risposta nella passione
del fare e nel Passaggio del Tempo. La lunghissima decantazione
delle strutture – attraverso l’utilizzo di materiali diversi e di strumenti evolutisi nel corso dei millenni, con spessori e forme rivisitati
innumerevoli volte nelle varie epoche, modificati e ripresi, il cui
valore aggiunto è fornito da decorazioni che sono esse stesse
“storia”- tutto ciò costituisce il portato delle ciotole di Stockner:
esse sembrano, sostanzialmente e simbolicamente, raccogliere
nelle loro concavità i processi millenari di lavorazioni artigiane
avvenute in ogni paese del mondo.
“Per qualcuno una ciotola è solo una ciotola….” - afferma l’artista
nel mostrare come il rame prelevato nelle profondità del monte
per raggiungere il suo stato di oggetto d’arte deva spogliarsi della sua pelle, attraverso l’acqua e il fuoco, in numerosi passaggi,
come un bozzolo che diviene farfalla. Il metallo, infatti, è portato
fuori dalla miniera come acqua ricca di solfato di rame in cui
vengono immerse delle barre di ferro che fanno precipitare il
rame. Il fango metallico che ne risulta viene decantato fino a che
le mani sapienti e amorevoli di Laurenz Stockner non lo raccolgono per asciugarlo, fonderlo e plasmarlo, ricavandone scodelle
e patere di un laminato talmente sottile e duttile da comportarsi
come la coppa di un fiore che oscilla nel vento.
Fasi processo produttivo | Stages of the production process
2009
Ciotola in rame, forma elastica | copper bowls, elastic form
Ø cm. 20
Laurenz Stockner
vive e lavora a Bressanone (BZ)
www.laurenz.it
42
43
LAURENZ STOCKNER
Copper as l(o)ve
by Giovanna Grossato
photos by Jürgen Eheim
A
mong the adjectives that immediately comes to mind to describe Laurenz
Stockner’s bowls is “essential”; and his biography is essential too: born
in Bressanone in 1971, his initial training was as a blacksmith; then came the
School of Goldsmiths in Florence and the period with the goldsmith Manfred
Bischoff at San Casciano de Bagni. This was followed by a course in drawing
with Tone Fink at the Sommerakademie in Salzburg and a specialist experience as an artistic goldsmith with Robert Condin in Termeno.
Stockner began to develop this targeted formative process with a clear awareness of his own expressive needs. These needs were realized over a period
of 17 years along a technically specialist path undertaken with solid artisan
teachings. This work of his was serious and without dips, documented by the
systematic rhythm of his exhibitions in important venues starting from 2004, the
year in which the artist deemed that he has achieved stylistic skill and maturity.
The objects exhibited in these shows were the result of periods of study and
experiments, and something new could be found in each of them, giving us the
impression that we were following the development of a progressive journey as
regards both his themes and his technological investigations. This artistic adventure recounts his great awareness and just as much passion, aimed at analysing
the deepest and most substantial possibilities of matter and form.
There is no bragging in the linear and direct proposal of these objects (often
pieces for everyday use): nothing is boasted of or presented in emphatic or
extravagant terms. Right from the beginning, his exhibitions highlighted a solidly structured artistic and artisan culture which is reified in original pieces
that substantially repeat a form of very ancient origin, that of the bowl, the
leitmotiv of Stockner’s artistic activity. In 2004 his works were exhibited in the
Hotel Adler Gallery in Bressanone and the following year in the Autumn Fair in
2009
Gruppo di ciotole in rame nativo | Group of native copper bowls
Ø cm. 30 - 22 - 18
Bolzano, the Heim und Handwerk Gallery in Munich and the Galleria Civica
in Bressanone. Then in 2006, the artist showcased his objects at the important
International Crafts Fair in Munich and, in the same city, in the Galerie für Angewandte Kunst. In the years that followed, he exhibited again in Munich, in
the Manincor Estate at Caldaro, in Castel Tirolo at Merano, at the Grassi Fair in
Leipzig, at the Handwerksform in Hannover, at the Eunique at Karlsruhe, and at
the European Prize for Applied Arts of Mons in Belgium. 2010 saw exhibitions
in the Eva Maisch Gallery in Würzburg, the Kammler Gallery in Eichstätt and
in the Eunique in Karlsruhe. This was followed in 2011 by an exhibition in the
Galleria Civica in Bressanone while the prestigious review “AD” (Architektural
Digest) wrote of him in its April issue as one of the most interesting “dynamisches italien” in the artistic field. The privileged stars of almost all these shows
have always been the elegant copper bowls which have made him famous.
That such a simple and primordial artefact can become charged with such refined conceptual meanings and stylistic results is a question for which a partial
answer can in fact be found in the passion for making and in the Passage of
Time. The extremely long decantation of the structures – through the use of different materials and different tools that evolved over the millennia, with thickness
and forms revisited countless times in various epochs, modified and recovered,
in which the added value is provided by decorations which are themselves
“history” – all this constitutes the scale of Stockner’s bowls: substantially and
symbolically they seem in their concavities to collect the millenary processes of
the artisan workings that occurred everywhere in the world.
“for some people a bowl is just a bowl ...” the artist declares while showing how
in order to achieve its artwork status the copper quarried from the depths of the
mountain must strip off its skin, by means of water and fire, in countless passages, like a cocoon that becomes a butterfly. The metal, in fact, is taken out
of the mine as water rich in copper sulphate in which iron bars are immersed
to precipitate the copper. The resulting metallic mud is decanted until Laurenz
Stockner’s skilful and loving hands collect it to dry it, melt it and model it to
obtain bowls and paterae of such a fine and ductile laminate that they behave
like the cup of a flower oscillating in the wind.
2005
Gruppo di ciotole in rame nativo | Group of native copper bowls
Ø cm. 51 - 36 - 42
Laurenz Stockner
lives and works in Bressanone (BZ)
www.laurenz.it
44
45
BRUNA
LANZA
La lirica libertà
dell’informale
di Silvia Neri
M
escolando lirismo e orfismo, spessore materico e leggiadria emotiva, Bruna Lanza si muove tra l’astrattismo e l’informale con profonda attenzione all’impulso emotivo che spinge
dall’interno verso l’esterno. La sapiente mano dell’artista si lascia
guidare dall’istinto del fare, dal sentimento che emerge, quello
che dal cuore arriva al corpo, alla ricerca di un riferimento cerebrale. La scelta di rinuncia della realtà e di abtrahere l’oggettività è un paradigma connaturato nella sua arte. Come ogni grande ballerino cerca la propria gestuelle all’interno di un codice
antico, allo stesso modo l’artista vicentina codifica una personale
gestualità di tratti pittorici. Non si tratta solamente di estetismo
contemplativo in quanto la bellezza esige conoscenza, unita al
talento, dove il sensibile si svela au dehors. Ritorna sovente un
tratto, cuneiforme e verticale, a volte disteso altre contorto, si
ripete spesso collocato nella parte sinistra dei lavori. La natura
di questa interessante peculiarità può essere variamente interpretata, ma cosa certa è che essa è oggettivamente una costante di
Bruna Lanza. Il mistero intorno al quale si sviluppano queste parabole ascensionali di colori è da ricercarsi nelle intensità cupe e
luminose, un duello tra bianco e nero, la smagliante levatura e il
profondo abisso, due aspetti dell’anima, facce di una medaglia
che si chiamano l’un l’altra, che abitano due mondi differenti ma
come Proserpina sono rinchiusi nella medesima entità. George Bernard Shaw scriveva che “si usa uno specchio di vetro per guardare
il viso e si usano le opere d’arte per guardare la propria anima”. Bruna Lanza utilizza lo strumento pittorico per esprimere se stessa
e la propria natura. L’anima dell’artista sembra affiorare nuova e libera, proprio come scriveva Marguerite Yourcenar “ogni felicità
è un’innocenza”. Dal rapido incontro cromatico si crea il movimento. Vasilij Kandinskij scriveva “Come un nulla senza possibilità,
un nulla morto dopo la morte del sole, come un silenzio eterno senza avvenire, risuona interiormente il nero”. Lo stretto legame tra
musica e astrattismo è un equilibrio matematico di forze contrastanti, l’assoluto vuoto del nero si colma nella pienezza del bianco ma
risuonano colori accesi e tonalità forti all’interno di silenzi atemporali. Nonostante la sospensione temporale dalle rarefatte spazialità, il ritmo compositivo delle opere è guizzante e manifesta un sentimento di urgenza comunicativa ma anche di velocità espressiva.
Il gesto pittorico diviene per l’artista prolungamento dell’inquietudine interiore che si rasserena nella realizzazione. Jackson Pollock
sosteneva a riguardo che “l’artista moderno lavora per esprimere un mondo interiore; in altri termini: esprime il movimento, l’energia
e altre forze interiori”. Le sperimentazione delle tecniche artistiche di Bruna Lanza racconta la storia di un percorso di crescita che
attraversa anche l’uso della ceramica raku. La complessa tecnica giapponese dell’elaborazione della terra prende forme sempre differenti e sorprendenti, mutevoli come l’essere e come l’esistenza. La millenaria tecnica raku proietta sulle opere anche la forza della
tradizione: nella continuità di una pratica culturale così antica, Bruna Lanza mette in pratiche la propria personalità nella creazione,
ideazione e sviluppo dell’opera. I lavori sono comunque sempre opere soggette al sentimento di libertà espressiva, di forza emotiva
che emerge e urge di necessità espressiva. Marguerite Yourcenar scriveva che la libertà basta volerla e a quanto pare Bruna Lanza si
è conquistata la sua consapevole libertà. Attraverso gli studi d’arte, prima a Venezia sotto la guida di Paola Ricci e Andreas Kramer,
e poi a Salisburgo con Watts Ouattara, l’artista vicentina ha strutturato una variegata formazione, avvicinandosi alle diverse tecniche
espressive seguendo il proprio percorso di crescita. Maturando una propria poetica, una propria gestuelle emotiva, Bruna Lanza
sembra attuare un gioco di equilibri tra l’onirico orfico universo e la concezione di temporalità sospesa dell’astrattismo: l’opera d’arte
è presente in un hic et hunc determinato anche dall’osservatore: infatti, proprio quando lo sguardo si posa su un’opera dell’artista
vicentina, esso sembra quasi divenir cosciente dell’opera, della sua origine, del suo spirito, delle sue volontà.
Interruzione 2008
Tecnica raku e pittura a freddo | Raku technique and cold painting
cm. 37x36x16
Ariosa leggerezza 2008
Tecnica mista raku | Mixed raku technique
cm. 32x15x58
46
Bruna Lanza
vive e lavora a Quinto Vicentino (VI)
www.b-lanza.com
47
BRUNA LANZA
The lirical liberty of the informal
by Silvia Neri
B
sopra | upper
Germinazioni IV 2008
cm. 50x70
sotto | under
Germinazioni V 2008
cm. 50x70
48
y mixing lyricism and orphism, material consistency and emotive grace, Bruna Lanza moves between abstraction and the
informal with profound attention to the emotional impulse that
thrusts from the inside towards the outside. The artist’s skilful hand
allows us to be led by the instinct of doing, by the sentiment that
emerges and by what arrives in the body from the heart, in a
search for a cerebral reference point. The decision to dispense
with reality and abstract objectivity is a paradigm engrained in
her art. Just as all great dancers seek their own gestuelle inside
an ancient code, in the same way the Vicenza artist codifies
a personal gestural expressiveness of pictorial strokes. It is not
simply a question of contemplative aestheticism because beauty
requires knowledge, combined with talent, where the sensible
reveals itself au dehors. A cuneiform and vertical stroke often
returns, sometimes distended and contorted, and is often repeated in the left-hand side of the works. The nature of this interesting peculiarity can be interpreted in various ways, but one
thing that is certain is that it is objectively constant in the work of
Bruna Lanza. The mystery around which these rising parabolas
of colours develop can be sought in the gloomy and luminous
intensities, a duel between white and black, the dazzling calibre
and profound abyss, two aspects of the soul, faces of a medal
which call out to one another, that inhabit two different worlds
but like Prosperina are enclosed in the same entity. George Bernard Shaw wrote that “you use a glass mirror to see your face;
you use works of art to see your soul”. Bruna Lanza uses the
pictorial tool to express herself and her nature. The artist’s soul
seems to surface new and free, just as Marguerite Yourcenar wrote: “every happiness is innocence”. Movement is created from the
rapid chromatic encounter. Vasilij Kandinskij wrote that “Like a
‘nothing’ without possibility, like a dead ‘nothing’ after the death
of the sun, like an eternal silence, without a future, without even
the hope of a future, black resonates internally.” The close link
between music and abstraction is a mathematical equilibrium
of contrasting forces, the absolute emptiness of black is filled in
the fullness of the white, but vivid colours and strong tonalities
resonate inside timeless silences. Despite the temporal suspension of rarefied spatialities, the compositional rhythm of the works
flashes and manifests a sense of communicative urgency but also
of expressive speed. For the artist, the pictorial gesture is an
extension of the interior unease that is relieved in its realization.
In this regard Jackson Pollock maintained that “the modern artist
works to express their feelings.” In other words he expresses the
movement, energy and other interior forces. The experimentation
of Bruna Lanza’s artistic techniques tells the story of a growth
process that also includes the use of raku pottery. This complex
Japanese technique for working clay always takes different and
surprising forms, mutable like being and existence. The millenary
raku technique also projects the force of tradition in the works: in
the continuity of such an ancient cultural practice, Bruna Lanza
puts her own personality into practice in the creation, conception
and development of the work. The works are nevertheless always
ones that are subject to the sentiment of expressive freedom, of
emotional power that emerges and drives expressive needs. Marguerite Yourcenar wrote that it is only necessary to want freedom
and it seems that Bruna Lanza has achieved her conscious freedom. Through her art studies, initially in Venice under the guidance of Paola Ricci and Andreas Kramer, and then in Salzburg
with Watts Ouattara, the Vicenza artist structures a multifaceted
formation, tackling various expressive techniques while following
her own path of development. While maturing her own poetics,
her own emotional gestuelle, Bruna Lanza seems to actuate a
play of equilibriums between the oneiric orphic universe and the
conception of temporality suspended in abstraction: the artwork
is present in a hic et hunc which is also determined by the observer: in fact, when the gaze rests on a work by this Vicentine
artist, it almost seems to become conscious of the work, its spirit,
its desires.
Incontri diversi I 2011
Tecnica mista con cera, foglia oro su cor-ten
Mixed technique with wax, gold leaf on Cor-ten
cm. 50x50
Bruna Lanza
lives and works in Quinto Vicentino (VI)
www.b-lanza.com
Le idee vincenti - Serie degli orizzonti V 2010
Tecnica mista su tela
Mixed technique on canvas
cm. 170x110
49
Santa Sofia, la chiesa più antica
di Padova, rinata dopo il restauro
di Aldo Comello
foto di Giancarlo Perdon
L
a chiesa di Santa Sofia, che sorge lungo la via Annia (via Altinate), la strada che congiungeva Adria ad Aquileia, è forse l’unica
testimonianza rimasta della Padova più antica, prima che l’invasione longobarda la riducesse ad un cumulo di rovine. Essa venne
costruita su resti romani, forse appartenenti a un tempio dedicato al dio Mitra (mitréo), come testimonierebbe la presenza nell’ipogeo
di una pietra di dieci metri quadrati con un foro al centro, probabilmente un altare sacrificale tipico dei mitréi. Le proporzioni dalla
lastra trovata nel sotterraneo, con il grande foro, fanno pensare, infatti, a un rito taurobolico, un battesimo di sangue celebrato anticamente nei culti ellenistico-romani della dea Cibele ma anche in quelli di Mitra. Se il primo grande rifacimento della chiesa risale
al IX secolo, in epoca carolingia, una successiva fase costruttiva e una nuova consacrazione avvennero negli anni 60 del 1000.
Curiosamente le strutture assai particolari della cripta, identificate negli anni ‘50, ripetono quasi esattamente quelle della cripta della
basilica di S. Marco a Venezia, iniziata nel 1063.
L’attuale edificio, stilisticamente affine alla tipologia diffusa sul litorale adriatico, fu poi riedificato, a partire dalla zona absidale, tra
il 1106 e il 1110 e completato nel 1127.
Ma nel 1117 uno spaventoso terremoto che devasta la valle padana da Pavia a Trieste facendo accartocciare la Cattedrale di Padova e causando pesanti danni anche alla basilica paleocristiana di Santa Giustina, lascia invece sopravvivere il cantiere ancora
aperto di Santa Sofia, tanto che, ancor oggi, pur mutata rispetto alla chiesa originaria, essa conserva tracce del suo aspetto medievale più antico.
La dedicataria della chiesa, Santa Sofia, potrebbe essere una della diverse sante martiri della ricca agiografia cristiana, oppure
Aghia Sophia, la Divina Saggezza (di Dio) cui è dedicata, ad esempio, anche la chiesa costantinopolitana di Istambul.
L’ultimo intervento di restauro, durato due anni e mezzo, è stato presentato nel novembre del 2011, riportando l’edificio al suo
splendore. Un restauro assolutamente indispensabile nel corso del quale si erano manifestati in tutta la loro gravità anche numerosi
problemi mimetizzati dalla sporcizia accumulatasi nel tempo,
come le capriate divorate dai tarli, una statica assai precaria,
micro fessurazioni diffuse, la facciata pericolosamente inclinata
di lato a causa di cedimenti delle fondamenta avvenuti già durante la prima costruzione, senza contare l’impiantistica obsoleta. Ora il restauro ha restituito i caldi colori del cotto agli archi
rampanti, alle fughe di archetti ciechi, alle le chiavi di volta, con
la compiaciuta soddisfazione della cittadinanza, delle autorità,
degli sponsor, e del comitato per il restauro. Per realizzarlo compiutamente un’equipe composta dall’architetto Giancarlo Perdon,
direttore dei lavori, l’ingegnere Fabio Tretti e il professor Claudio
Modena, si è avvalsa delle più moderne tecnologie di restauro
applicate all’arte, tra cui il monitoraggio della statica, assicurato
da una serie di sensori collegati ad un computer dell’Università.
Le risorse finanziarie sono state messe a disposizione dalla
Fondazione Cariparo , dalla Regione Veneto, dalla Provincia e
dal Comune di Padova, dal Rotary, ma anche dalla C.E.I. e dai
parrocchiani stessi (una colletta dei cittadini del vecchio borgo
Santa Sofia è riuscita a raccogliere la considerevole cifra di 215
mila euro), stretti in una comune volontà di riavere la chiesa nella
sua suggestiva plurisecolare stratificazione costruttiva, non solo
esternamente ma anche nel poderoso interno.
A tre navate, separate da pilastri e colonne bizantine di recupero, una diversa dall’altra, a formare una sequenza molto varia
e interessante, l’interno, con la sua copertura a volte a crociera,
richiama lo stile romanico-gotico ed è caratterizzato da un’assoluta essenzialità dell’arredo. I vari livelli pavimentali, lasciati
a vista, denotano le molte fasi di edificazione condotte con l’utilizzo di materiale da costruzione di risulta e anche dalle rovine
romane.
Grazie ad alcune antiche note d’archivio sappiamo che nel 1448
il diciassettenne Andrea Mantegna firmava per questa chiesa
la sua prima pala, un’opera oggi perduta, che ornava l’altare
maggiore e di cui ci resta solo la trascrizione di un documento
che attestava che il giovane Mantegna era nato nel 1431 in un
piccolo paese del Veneto, Isola di Carturo, al confine tra Vicenza
e Padova.
Fronte ovest, facciata principale
West side, main façade
Chiave di volta di una crociera della navata destra con stemma di famiglia
Keystone of a cross in the right-hand nave with family coat of arms
Capitello del secondo ordine di archetti dell’abside
Capital in the second order of arches of the apse
Affresco di Madonna col Bambino all’interno del catino di una delle nicchie dell’emiciclo absidale interno
Fresco of Virgin and Child in the one of the niches of the internal apsidal hemicycle
50
51
Santa Sofia, Padua’s oldest church, is reborn after restoration
by Aldo Comello
photos by Giancarlo Perdon
T
he Church of Santa Sofia which rises along Via Annia (Via Altinate), the road that joined Adria and Aquileia, is perhaps the sole
remaining evidence of Padua’s oldest age before the Lombard invasions that reduced the city to a pile of ruins. It was erected on
Roman remains, perhaps belonging to a temple dedicated to the god Mithras (mitréo) as testified by the presence in the hypogeum
of a stone measuring ten square metres with a hole in the centre, probably a sacrificial altar typical of the Mithraists. The proportions
of the stone found underground, with the large hole, bring to mind a taurobolic rite, a blood baptism celebrated in antiquity in the
Hellenistic-Roman cults of the goddess Cybele but also in those of Mithras. If the first great reconstruction of the church dates back
to the IX century, during the Carolingian period, a later construction stage and new consecration occurred in the sixties of the year
1000. Curiously, the quite particular structures of the crypt, identified in the fifties, almost exactly repeat those of the crypt of St. Mark’s
Basilica in Venice, begun in 1063.
The current building, stylistically similar to the type disseminated along the Adriatic coast, was then rebuilt between 1106 and 1110,
starting from the apsidal area, and completed in 1127.
But in 1117, a terrifying earthquake that devastated the Po valley from Pavia to Trieste, crumbling Padua Cathedral and causing serious damage to the paleo-Christian Basilica of Santa Giustina, spared the Santa Sofia building site, to the point that even today it
maintains traces of its earliest medieval appearance, though different from the original church.
The church’s dedicatee, Santa Sofia, could be one of the different martyr saints in Christianity’s rich hagiography, or it could be Aghia
Sophia, the Divine Wisdom (of God) to whom Istanbul’s Constantinopolitan church, for example, is dedicated.
The latest restoration operation, which lasted two and a half years, was presented in November 2011, with the return of the building
to its ancient splendour. This restoration was absolutely indispensable and during it the countless problems hidden by the dirt that
had accumulated over the years were revealed in all their gravity. These included trusses devoured by woodworm, quite precarious
statics, widespread micro-cracks, and the façade leaning dangerously to one side because of the yielding of the foundations that
occurred during the initial construction work, without mentioning the obsolete utility systems. The restoration work has restored the
warm terracotta colours of the flying arches, of the series of blind
arches and of the keystones, to the satisfaction of the townspeople, authorities, sponsors and restoration committee. To achieve
this entirely, a team consisting of the architect, Giancarlo Perdon,
works director, the engineer Fabio Tretti and Prof. Claudio Modena, availed itself of the most advanced restoration technologies
applied to the art, including monitoring the statics using a series
of sensors connected to a computer in the University.
The financial resources were made available by Fondazione Cariparo, by the Veneto Regional Government, by the Province and
Commune of Padua, and by the Rotary Club, but also by the
C.E.I. and by the parishioners themselves (a collection from the
citizens of the old Santa Sofia quarter managed to riase the considerable sum of € 215 thousand), united by the common desire
to reacquire the church in all its centuries-old constructive stratification, not only externally but also in its mighty interior.
With three naves separated by pillars and recovered Byzantine
columns, one differing from the next to form a highly varied and
interesting sequence, the interior, with its cross vault roofing, recalls the Romanesque-Gothic style and is characterized by the
absolute essentiality of the furnishings. The various floor levels,
left visible, denote the many construction stages carried out using
recovered building materials and also Roman ruins.
Thanks to old archive notes we know that in 1448 the seventeen-year-old Andrea Mantegna signed his first altarpiece for this
church. The work, which has been lost, adorned the high altar
and all we know of it is from the transcription of a document that
stated that the young Mantegna was born in 1431 in Isola di
Carturo, a village in the Veneto on the border between Vicenza
and Padua.
L’abside ad est e il fronte nord su via Altinate
The apse to the east and the northern side on Via Altinate
La navata centrale
The central nave
Le uniche due volte affrescate della navata laterale sinistra
The only two frescoed vaults on the left-hand-side nave
CHIESA DI SANTA SOFIA
Via Santa Sofia all’incrocio con Via Altinate
35121 Padova
52
53
Prospettive di futuro. Merano 1945-1965
di Merano Arte
54
D
al 21 settembre al 6 gennaio 2013 Merano Arte dedica una grande mostra storica al periodo
di maggiore creatività culturale della città sul Passirio.
C’è stato un periodo della storia recente della città di Merano, che molti meranesi ancora ricordano
e in cui sembrava di potersi misurare con il flair delle grandi capitali culturali.
Già nell’Ottocento la piccola cittadina sulle rive del Passirio aveva conosciuto una rapida e radicale trasformazione da piccolo borgo rurale a una delle più rinomate stazioni climatiche d’Europa.
Il fascino che esercitava la città alpina dal clima mediterraneo, balcone meridionale dell’Impero
austro-ungarico, non aveva lasciato indifferenti personaggi del calibro di Franz Kafka, Sigmund
Freud, Arthur Schnitzler, Vasilij Kandinskij, Richard Strauss e l’imperatrice Elisabetta “Sissi” d’Austria.
Merano è sempre stata un crocevia di culture e cultura: vicina al nord come al sud, città liberale nel
cuore del cattolicissimo Tirolo, durante e subito dopo la Seconda Guerra Mondiale, risparmiata dai
bombardamenti, era diventata ideale avamposto per la vicina, neutrale Svizzera e un buen retiro
in cui scrollarsi di dosso passati scomodi o ricostruire identità perdute.
E’ in questo contesto che si delineano nel dopoguerra nuove interessanti prospettive di futuro. Artisti
ed intellettuali rimpatriati si trovano a confrontarsi con grandi personalità internazionali che hanno
trovato a merano una nuova casa. Si cerca di costruire un nuovo equilibrio fra gruppi linguistici, ora
fianco a fianco su base democratica. Mecenati e collezionisti sostengono il nascere di un’avanguardia artistica che ha bisogno di rompere con il vecchio.
L’Azienda di Cura e Soggiorno, l’ente turistico della città, nelle persone del presidente Giuseppe
Maviglia e del direttore Luigi Serravalli, capisce presto che se Merano vuole rinascere deve farlo
dalla sua lunga tradizione di ospitalità di alto livello. Alcuni alberghi vengono riaperti, altri chiusi
o destinati a nuovi usi, altri ancora costruiti ex novo, come il Grand Hotel Bristol, gioiello della cui
inaugurazione parlarono persino i giornali statunitensi.
Pionieri illuminati si trovarono uniti al di là di divergenze politiche e ristrettezze economiche, nella
consapevolezza che la città poteva ancora costituire un terreno fertile per le arti e la cultura. Negli
anni Cinquanta Merano torna ad essere un nome riconosciuto: per le strade della cittadina si possono incontrare John Wayne ed Ezra Pound, Renato Guttuso e Fred Buscaglione, Enrico Mattei e
Peggy Guggenheim. Proprio quest’ultima, più volte ospite a Merano, in collaborazione con alcuni
amici meranesi porta in città mostre di artisti del calibro di Picasso, Pollock, Ernst.
In questa rete di contatti internazionali, gli artisti si trovano uniti nella lotta contro visioni dell’arte
ottuse e tradizionaliste. La loro rottura si espresse nel cosiddetto “Manifesto meranese”, sottoscritto
anche da giornalisti ed intellettuali, in cui si riversò tutta la veemente polemica contro l’incomprensione e la loro necessità di libertà espressiva.
Di questo periodo e di artisti come Peter Fellin, Hansgeorg Hölzl, Oswald Kofler, Antonio Manfredi,
Anton Frühauf, Oskar Müller, Ennio Morlotti e molti altri, tratta la mostra realizzata da Merano Arte
e curata da Markus Neuwirth, professore di Storia dell’Arte all’Università di Innsbruck e da Tiziano
Rosani, storico meranese. Ad approfondire i temi e le opere esposte verrà realizzato un ampio
catalogo cui hanno collaborato esperti di varie discipline e che documenterà tutti gli aspetti anche
sociali, politici ed economici che hanno contrassegnato il periodo d’oro della cultura meranese del
Novecento.
sopra | upper
Emilio Dall’Oglio 1950
Senza titolo
Hans Ebensperger ca. 1950
Senza titolo
sotto | under
Peter Fellin 1965
Schreiber
55
Perspectives of the future - Merano 1945-1965
di Merano Arte
M
erano Arte will be dedicating a major historical exhibition to the period of greatest cultural creativity of the city on the Passirio
from 21 September to 6 January 2013.
There was a period in the recent history of Merano which many townspeople still remember and during which it seemed possible
to compare the town with the flair of the great cultural capitals. Already in the nineteenth century, the little town on the banks of the
Passirio experienced a rapid and radical transformation from a small rural village to one of Europe’s most renowned health resorts.
The spell cast by the Alpine town with a Mediterranean climate, the southernmost balcony of the Austro-Hungarian Empire, did not
escape such illustrious personalities as Franz Kafka, Sigmund Freud,
Arthur Schnitzler, Vasilij Kandinskij, Richard Strauss and Empress
“Sissi” of Austria. Merano has always been a cultural crossroads:
close to both the north and the south, a liberal town in the heart
of the extremely Catholic Tyrol, during and immediately after the
Second World War, spared by the bombardments, it became an
ideal outpost for nearby neutral Switzerland and a good retreat
in which to shake off uneasy pasts or reconstruct lost identities. It
was in this context that new and interesting views of the future delineated themselves in the post-war years. Repatriated artists and
intellectuals could compare themselves with leading international
personalities who found new homes in Merano. An attempt was
made to construct a new equilibrium between linguistic groups,
a sinistra | on left
Anton Frühauf ca. 1960
Senza titolo
a destra | on right
Oswald Kofler ca. 1955
now side by side on a democratic basis. Benefactors and collectors supported the birth of an artist avant-garde which needed
to break with the old. Giuseppe Maviglia and Luigi Serravalli,
respectively chairman and director of the town’s tourist board,
soon understood that if Merano wanted to be reborn, it would
have to do so on the basis of its long tradition of high-level hospitality. Some the hotels were reopened which others were closed
or reassigned to new uses, while new ones were built too, like
the Grand Hotel Bristol, a jewel whose inauguration was even
reported in the American papers. Enlightened pioneers were united whatever their political differences and economic difficulties,
aware that the town could still provide fertile ground for the arts
and culture. Merano became a recognized name again in the
nineteen-fifties: it was possible to meet John Wayne and Ezra
Pound, Renato Guttuso and Fred Buscaglione, Enrico Mattei and
Peggy Guggenheim on the streets of the town. It was specifically
the last of these, a guest in Merano on various occasions, who
brought exhibitions by artists of the calibre of Picasso, Pollock
and Ernst here, in collaboration with Meranese friends. In this
network of international contacts, the artists found themselves united in the battle against obtuse and traditional visions of art. This
rupture was expressed in the “Manifesto Meranese” also signed
by journalists and intellectuals, in which all the vehement polemic
against incomprehension and the need for expressive freedom
was poured. It is from this period and from artists such as Peter
Fellin, Hansgeorg Hölzl, Oswald Kofler, Antonio Manfredi, Anton
Frühauf, Oskar Müller, Ennio Morlotti and many others that the
exhibition staged by Merano Arte is drawn. It is curated by Markus Neuwirth, Professor of History of Art at Innsbruck University
and by Tiziano Rosani, a Merano historian. The themes and works displayed will be further examined in a catalogue with which
experts from various disciplines have collaborated and which
will document all the aspects, including the social, political and
economic ones, that distinguished the golden age of Meranese
culture in the twentieth century.
Assemblage
sotto | under
Hangeorg Hölzl ca. 1960
Anton Frühauf mentre disegna | Anton Frühauf drawing
Antonio Manfredi 1960
Senza titolo
Oskar Müller 1952
Ritratto con sculture | Portrait with sculptures
Gina Thusek 1959
studio per Mannequin | Study for Mannequin
56
MERANO ARTE
Edificio Cassa di Risparmio
Portici 163
39012 Merano
Tel. +39 0473 212643
Fax +39 0473 276247
www.kunstmeranoarte.org
[email protected]
57
Come uscirne allora?
PIÙ SPAZIO A GIOVANI IDEE COLLABORATIVE
Da vedere | To see
L’arte in Italia è in crisi, perchè soffocata
da burocrazia, budget e una vecchia politica culturale
Musei Civici agli Eremitani
Padova
Palazzo della Ragione - Padova
Fabrizio Plessi “Il flusso della Ragione”
27|10|2012 - 13|01|2013
I Musei Civici
sono ospitati nei
chiostri
dell’ex
convento dei frati
Eremitani restaurati su progetto di
Franco Albini. Al
piano terra il Museo Archeologico
espone di epoca
preromana, materiali
etruschi,
greci, italioti e a
reperti egizi; il
piano superiore
è occupato dalla
Pinacoteca con
dipinti e sculture, soprattutto di
scuola
veneta,
dal Trecento al
Settecento (Giotto, Romanino, Tiepolo, Canova etc.). Parte integrante
del percorso museale è la Cappella degli Scrovegni
con i celeberrimi affreschi di Giotto e sull’altare la
Madonna col bimbo e due santi, opera di Giovanni
Pisano. Prezioso completamento del complesso degli
Eremitani è Palazzo Zuckermann. Il primo piano ospita
oltre duemila oggetti di Arte Applicata e Decorativa
appartenenti alle raccolte del Museo d’Arte: vetri, intagli, ceramiche, argenti, avori, gioielli, tessili, mobilio.
Al secondo piano si trova il Museo di Nicola Bottacin,
facoltoso commerciante che nel 1865 legò alla città
l’intero suo patrimonio d’arte e di numismatica: monete
venetiche, medaglioni romani, monete della serie veneziana, ma anche armi, pitture e sculture del XIX secolo.
Al complesso appartiene anche la ricca e prestigiosa
biblioteca numismatica.
Nell’ambito della rassegna RAM, l’Assessorato alla
Cultura del Comune di Padova darà vita ad un grande
evento: la mostra di Fabrizio Plessi Il flusso della Ragione. Una monumentale installazione, appositamente
creata dall’artista, attraverserà lo spazio del Salone
percorsa da un flusso elettronico continuo di elementi
primari, come l’acqua ed il fuoco. Ai suoi lati, si affastelleranno i disegni che hanno dato origine alle opere
più celebri di Plessi, di cui essi rappresentano il momento ideativo e lo sviluppo progettuale.
The Civic Museums are housed in the cloisters of the
former convent of the Eremitani friars, restored on the
basis of a plan by Franco Albini. On the ground floor,
the Archaeological Museum exhibits remains from the
Pre-Roman age, Etruscan, Greek and Italiote materials
and Egyptian finds; the top floor is occupied by the
Painting Gallery with paintings and sculptures, especially from the Veneto school, and from the Trecento
to the Settecento (Giotto, Romanino, Tiepolo, Canova
etc.). An integral part of the visit to the museum is the
Scrovegni Chapel with the renowned frescos by Giotto
and the Virgin and Child with two saints by Giovanni
Pisano above the altar. A precious completion to the
Eremitani complex is Palazzo Zuckermann. The first floor hosts two thousand objects of Applied and Decorative Art belonging to the collections of the Museo d’Arte:
glassware, intaglio, silverware, ivories, jewels, textiles
and furniture. Then on the first floor is the Nicola Bottacin Museum named after the wealthy merchant who
donated his entire art and numismatics collection to the
city in 1865: ancient coins from the Veneto, Roman medallions and coins from the Venetian series as well as
arms and nineteenth-century paintings and sculptures.
The rich and precious numismatics library also belongs
to the complex.
Musei Civici agli Eremitani
Piazza Eremitani, 8
35121 Padova
Tel. +39 049 8204551
www.padovanet.it
RAM 2012
Padova
L’Assessorato alla Cultura del Comune di Padova organizza la terza edizione di RAM (Ricerche Artistiche
Metropolitane), una serie coordinata di iniziative (mostre, incontri, proiezioni, dibattiti, percorsi didattici e
workshop), tra ottobre 2012 e gennaio 2013, che avrà
luogo nelle diverse sedi espositive e negli spazi pubblici della città e attraverso la quale si racconteranno
diverse esperienze artistiche contemporanee. La rassegna, caratterizzata di anno in anno da uno specifico
tema, in tale occasione si propone di indagare in varie
espressioni artistiche i quattro elementi primari: acqua,
aria, terra, fuoco.
The Culture Department of Padua City Council will be
giving life to a great event in the framework of the RAM
review: the Fabrizio Plessi exhibition, Il flusso della Ragione (The flow of Reason). This monumental installation, specially created by the artist, will cross the space
of the Salone, traversed by a continuous electronic flow
of primary elements such as water and fire. The drawings that originated Plessi’s most famous works will be
bundled along its sides and will represent the moment
of its conception and its planning development.
The Culture Department of Padua City Council is organizing the third edition of RAM (Ricerche Artistiche Metropolitane/Metropolitan Artistic Research), a coordinated series of events (exhibitions, meetings, showings,
debates, educational itineraries and workshops), which
will take place in various exhibition venues and public
spaces in the city and will recount a variety of contemporary artistic experiences. This time the review, featuring a different theme from year to year, will investigate
the various artistic expressions of the four primary elements: water, air, earth and fire.
Palazzo della Ragione
Piazza delle Erbe
35100 Padova
Servizio Mostre - Settore Attività Culturali
http://padovacultura.padovanet.it
Servizio Mostre
Settore Attività Culturali
http://padovacultura.padovanet.it
59
Castel Beseno
Trento
Museo Canova
Possagno (TV)
Il Castello di Beseno, il più esteso complesso fortificato
del Trentino, presenta ancora oggi i segni delle alterne
vicende che nei secoli lo hanno interessato. Di origine
medioevale, l’edificio rivela una prevalente funzione
difensiva, evidenziata sia dalla sua posizione strategica, che consente inaccessibilità e un esteso controllo
territoriale dall’alto, sia dalla sua massiccia struttura
muraria. L’attuale aspetto di fortezza rinascimentale,
caratterizzato dalla presenza dei tre possenti bastioni
funzionali all’impiego delle armi da fuoco, risale alla
profonda ristrutturazione realizzata nella prima metà
del Cinquecento. Castel Beseno è diventato il luogo
deputato all’illustrazione del castello come strumento
di guerra e di controllo territoriale. Nelle sale espositive si è possono ammirare interessanti reperti originali
mentre nelle stanze a piano terra è proposta un’accurata selezione di repliche fedeli di armi che permette al
visitatore di interagire, indossandole e maneggiandole. Lo slogan utilizzato è quasi un ossimoro: “il museo
dove si prega di toccare”.
L’inglese Thomas Lawrence realizzò il più bel ritratto di
Antonio Canova: un olio su tela che l’autore cominciò
nel 1815, quando Canova passò da Parigi a Londra.
Lawrence cominciò il ritratto di Canova qualche giorno
prima della partenza dell’artista per Roma e lo concluse nel 1818 quando lo stesso Lawrence fece un tour a
Roma e lo donò personalmente a Canova in segno di
riverente omaggio. L’opera suscitò fin da subito grande
ammirazione e molti chiesero a Lawrence copie di quel
ritratto: Lawrence ne realizzò una replica a Londra,
nello stesso 1815, per William Richard Hamilton e altre
tre copie. Ma quello che stupisce di più è la quantità
di imitatori di quel dipinto che oggi è a Possagno, nella Casa natale di Canova: Luigi Durantini ne realizzò
una replica, James Posselwhite (1798 - 1884) ne realizzò due acqueforti a bulino, Giuseppe Craffonara
(Riva del Garda 1790 - 1837) ne ricavò un dipinto
ad olio (al Castello del Buonconsiglio di Trento) e un
carboncino (Museo Civico di Riva del Garda). La Fondazione Canova di Possagno programma un evento
per l’autunno 2012: in relazione alla conclusione del
prestigioso restauro del Ritratto di Canova del Lawrence, una esposizione di ritratti dell’artista possagnese e
un ricco volume documentale e di ricerca.
Castel Beseno, the largest fortified complex in Trentino,
still bears the marks of the alternating vicissitudes in
which it was involved over the centuries. Of medieval
origin, the building’s function was clearly defensive, highlighted both by its strategic position which permits
inaccessibility and extensive territorial control from
above, and by its massive wall structure. The current
appearance of the Renaissance fort, characterized
by the presence of three mighty bastions that allow
firearms to be used, dates back to the wide-ranging
restructuring carried out in the first half of the Cinquecento. Castel Beseno is now dedicated to illustrating
how castles were used as instruments of war and of
territorial control. Interesting original finds can be seen
in the exhibition rooms while in the ground floor rooms
is a careful selection of faithful replicas of weapons
that allow the visitor to interact, wear them and handle
them. The slogan used is almost an oxymoron: “the museum where you are asked to touch.”
Castel Beseno
Via al Castello, 4
38060 Besenello (TN)
Tel. +39 0464 834600
www.buonconsiglio.it
60
The English artist Thomas Lawrence painted a fine
portrait of Antonio Canova: an oil on canvas that the
painter started in 1815 when Canova moved from Paris
to London. Lawrence began the portrait of Canova a
few days before the artist’s departure for Rome and
completed it in 1818 when Lawrence himself went on a
tour to Rome and donated it personally to Canova as
a token of reverent homage. The work was highly admired right away and many asked Lawrence for copies
of the portrait: Lawrence produced a copy in London
for William Richard Hamilton in 1815 itself and then
another three copies. But what is more amazing is the
number of imitators of this painting which can be found
today at Possagno in Canova’s birthplace. Luigi Durantini made a copy, James Posselwhite (1798 - 1884) produced two etchings, and Giuseppe Craffonara (Riva
del Garda 1790 - 1837) obtained an oil painting from
it (in the Castello del Buonconsiglio in Trento) and a
charcoal drawing (Town Museum in Riva del Garda).
The Canova Foundation in Possagno is programming
an event for autumn 2012: an exhibition of portraits of
the Possagna artist and a fine documentary and research book to celebrate the conclusion of the prestigious
restoration of Lawrence’s Portrait of Canova.
Thomas Lawrence “Ritratto di Antonio Canova”
“Portrait of Canova” by Thomas Lawrence
Museo Canova - Fondazione Canova Onlus
Via Canova, 74
31054 Possagno (TV)
Tel. +39 0423 544323
www.museocanova.it
Museo Casa Giorgione
Castelfranco Veneto (TV)
Fondazione Oderzo Cultura
Oderzo (TV)
ODERZOcult - Giallo
Musei civici di Vicenza
Vicenza
06|10|2012 - 20|01|2013
Fondazione Oderzo Cultura presenta ODERZOcult,
evento che prende l’avvio il 19 ottobre e termina il 17
novembre 2012, quest’anno dedicato al GIALLO.
Gli appuntamenti andranno dalla pregiata rassegna di
illustrazioni a china originali di Alberto Martini per Edgar Allan Poe, provenienti da collezione privata, ospitate presso la Pinacoteca, alle serate di lettura e ascolti
musicali inediti ispirati al geniale scrittore americano,
all’indagine sui più significativi illustratori di Poe, seguita dai Percorsi del Mistero, all’Aperitivo con reperto
ospitato presso il Museo Archeologico, cui si aggiungerà la serata dedicata agli esploratori; si proseguirà
con la notte in Giallo, gli incontri con scrittori “In carne
e ossa” e la “Cena con delitto” curate entrambe dalla
Biblioteca.
Mostra “Cinque secoli di volti”.
In concomitanza con la mostra in Basilica Palladiana,
la Pinacoteca civica di Palazzo Chiericati ospiterà dal
6 ottobre al 20 gennaio 2013 la mostra “Cinque secoli
di volti. Una società e la sua immagine nei capolavori di Palazzo Chiericati”. Il Palazzo palladiano accoglierà il visitatore con immagini di personaggi noti di
Vicenza dal Cinquecento al Novecento. Le prime sale
ospiteranno i ritratti delle aristocratiche famiglie Gualdo e Valmarana: Ippolito Porto, eroe di Mülenberg e
di Lepanto, il vescovo Ludovico Chiericati, la poetessa
Maddalena Campiglia, Isabella di Savoia d’Este nella
raffinata mise dipinta per lei da Pourbus. La mostra prosegue attraverso il 1700, con l’Autoritratto di Ludovico
Dorigny e il ritratto dell’incisore Cristoforo dell’Acqua,
per giungere all’inizio del 1800 con il profilo in marmo di Ottavio Trento di Antonio Canova. L’Ottocento è
rappresentato da opere del ritrattista Giovanni Busato
e da sculture di Maria Scola Camerini. Il Novecento
chiude la rassegna con opere di Alessandro Milesi,
Achille Beltrame, Miro Gasparello, e Ubaldo Oppi,
per concludere con sculture di Neri Pozza.
Chiude con grande successo di pubblico la mostra
LINO CODATO_DESIGN & COMMUNICATION, una
retrospettiva dedicata alla figura professionale di un
castellano DOC che ha fatto del design e della comunicazione una passione che lo ha portato a riconoscimenti internazionali. L’esposizione, arricchita da
lezioni-seminario tenute da giovani designers e docenti
universitari ha fatto vivere al Museo Casa Giorgione
un importante momento dedicato alla modernità. Continuano inoltre le attività didattiche dedicate ai più
piccoli che all’interno delle prime fasi del progetto La
CREAtività dei Sensi. L’arte percepita senza occhi! si
sono lasciati guidare lungo un percorso in cui immaginazione e fantasia sono state le vere protagoniste.
Importanti novità sono previste anche per il periodo
autunnale durante il quale si svolgeranno nuovi percorsi didattici pensati per le scuole e nuove attività rivolte
a diverse fasce di pubblico. Tutti gli aggiornamenti e
ulteriori informazioni si possono trovare visitando la
nuova pagina Facebook del Museo Casa Giorgione.
The highly successful show, LINO CODATO_DESIGN
& COMMUNICATION, has just has closed. This was
a retrospective dedicated to the professional figure of
a true Castelfranco man who made design and communications a passion that earned him international recognition. The exhibition, enriched by lessons-seminars
held by young designers and university lecturers enlivened the Casa Giorgione Museum with an important
event dedicated to modernity. The didactic activities
aimed at young people also continued as part of the
initial stages of the project, La CREAtività dei Sensi.
L’arte percepita senza occhi! (“Creativity of the senses.
Art perceived without eyes!”) in which the children let
themselves be led along a path in which imagination
and fantasy were the real stars. Important novelties are
also envisaged for the autumn period during which
new educational paths will be provided, conceived
for the schools, and new activities aimed at various
brackets of the public. All the updates and further information can be found by visiting the Museum’s new
Facebook page.
Museo Casa Giorgione
Piazza S. Liberale
31033 Castelfranco Veneto (TV)
Tel. +39 0423 735626
[email protected]
www.museocasagiorgione.it
Fondazione Oderzo Cultura presents ODERZOcult, an
event that will open on 19 October and end on 17 November 2012, dedicated this year to THRILLERS.
The appointments will range from the fine review of
original ink illustrations by Alberto Martini for Edgar
Allan Poe, from a private collection, hosted in the Pinacoteca, to evenings of readings and original musical
compositions inspired by the genial American writer.
There will also be a survey of Poe’s most significant
illustrators, followed by “Itineraries through Mystery”,
“Cocktails with remains” at the Archaeology Museum,
not to mention an evening dedicated to explorers. Finally there will be meetings with writers “In flesh and
blood” and the “Dinner with crime”, both in the Library.
Fondazione Oderzo Cultura Onlus
Via Garibaldi, 80
31046 Oderzo (TV)
Tel. +39 0422 718013
Fax +39 0422 500330
[email protected]
www.oderzocultura.it
Exhibition: “Five centuries of faces”.
In concomitance with the exhibition in the Basilica Palladiana, the Palazzo Chiericati Pinacoteca will host the
exhibition “Cinque secoli di volti. Una società e la sua
immagine nei capolavori di Palazzo Chiericati”(“Five
centuries of faces. A society and its image in the masterpieces of Palazzo Chiericati”). The Palladian Palazzo will welcome the visitor with images of famous
Vicenza personalities from the Cinquecento to the Novecento. The first rooms will host portraits of the aristocratic Gualdo and Valmarana families: Ippolito Porto,
hero of Mülenberg and Lepanto, the bishop Ludovico
Chiericati, the poetess Maddalena Campiglia, and Isabella di Savoia d’Este in the refined outfit painted for
her by Pourbus. The show continues through the eighteenth century, with Ludovico Dorigny’s Self-portrait and
the portrait of the engraver Cristoforo dell’Acqua, and
onto the beginning of the nineteenth century with the
marble profile of Ottavio Trento by Antonio Canova.
The nineteenth century is represented by works by the
portrait artist, Giovanni Busato and by sculptures by
Maria Scola Camerini. The twentieth century closes
the exhibition with works by Alessandro Milesi, Achille Beltrame, Miro Gasparello and Ubaldo Oppi, and
concludes with sculptures by Neri Pozza.
Museo degli Affreschi G.B. Cavalcaselle
Verona
“Tomba di Giulietta”
Il museo, fondato nel 1973 da Licisco Magagnato per
valorizzare il ricco patrimonio di affreschi staccati
delle collezioni del Comune di Verona, è dedicato a
Giovanni Battista Cavalcaselle, pioniere ottocentesco
della storia dell’arte e della conservazione del patrimonio artistico. Dalla fine degli anni ottanta espone anche una selezione di dipinti su tela e tavola di grande
formato, per lo più pale d’altare dei secoli dal XVI al
XVIII, è interessanti pezzi del Lapidario Civico. Negli
ultimi anni è in corso una profonda risistemazione del
museo, grazie al finanziamento del Comune di Verona, della Regione Veneto e dalla Società Autostrade. I
nuovi 1000 mq. di spazio espositivo, permetteranno di
razionalizzare il percorso di visita e di arricchirlo di un
centinaio di pezzi di pittura e scultura di grande qualità: dai frammenti altomedievali della Grotta di San
Nazaro agli ampi brani trecenteschi di Altichiero, fino
al Rinascimento di Francesco Morone e al Manierismo
di Giulio Romano. Sono già stati potenziati il punto
vendita, i servizi e i depositi e creati nuovi uffici per la
gestione delle collezioni. Lungo il muro di cinta e negli
spazi del chiostro e dei due piani interni sarà ricollocata la ricca raccolta di reperti lapidei. Verona avrà un
‘nuovo’ importante museo e una nuova opportunità di
valorizzare le sue ricchezze culturali.
Giovanni Busato “Ritratto di Beatrice Salvi Anselmi”
The museum, founded in 1973 by Licisco Magagnato
to showcase the rich patrimony of detached frescos in
the collections of Verona City Council, is dedicated to
Giovanni Battista Cavalcaselle, a nineteenth-century
pioneer of the history of art and the conservation of
the artistic heritage. Since the end of the eighties it has
also been exhibiting a selection of paintings on canvas
and large-format panels, mainly altarpieces from the
XVI to the XVIII centuries, and interesting works from the
City Lapidary Collection. A far-reaching reorganization
of the museum has been in progress in recent years,
thanks to funding from Verona Council, the Veneto Regional Government and Società Autostrade. The new
1000 sq.m of exhibition space have made it possible
to rationalize the visiting path and enrich it with one
hundred pieces of high-quality pieces of painting and
sculpture: fragments from the high middle ages from the
Grotta di San Nazaro, large fourteenth-century works from Altichiero, Renaissance pieces by Francesco
Morone and Mannerism works by Giulio Romano. The
sales outlet, the services and the storage areas have
been upgraded and new offices have been created for
managing the collections. The rich collection of lapidary finds will be repositioned along the outer walls, in
the cloister spaces and on the two floors indoors. Verona will have an important ‘new’ museum and a new
opportunity for showcasing its cultural wealth.
Palazzo Chiericati
Museo degli Affreschi G.B. Cavalcaselle
Piazza Matteotti, 37/39
36100 Vicenza
Tel. +39 0444 222811
www.museicivicivicenza.it
Via del Pontiere, 35
37122 Verona
Tel. +39 045 8000361
Fax +39 045 8010729
www.comune.verona.it
61
Centro Internazionale di Fotografia
Scavi Scaligeri
Trento
Viaggio a colori
Noale (VE)
13|10|2012 - 25|12|2012
Anno 1996, si inaugura negli spazi degli Scavi Scaligeri
di Verona il Centro Internazionale di Fotografia, un centro
molto attivo con esposizioni di artisti nazionali ed internazionali, sviluppando inoltre itinerari didattici e corsi di
fotografia. Gli Scavi Scaligeri sono a due passi da Piazza delle Erbe, un’area archeologica tra le più suggestive
della città, con le sue testimonianze romane, longobarde
e medievali. La visita agli Scavi Scaligeri richiede una
particolare partecipazione: le strutture antiche, lasciate a
vista dove sono state trovate, non sono disposte secondo
una sequenza ordinata nel tempo, ma conducono senza
preavviso da un’epoca all’altra, in un affascinante viaggio nella storia. Sono visibili i resti di un’ampia zona funeraria di epoca medievale e una vasta area residenziale
romana. Si trovano anche i resti delle fondamenta della
residenza fortificata costruita dal Signore della città Alberto Della Scala. Sono visibili parti dei muri di un’aula
con un abside sul fondo, costruita nel tardo IV secolo
d.C., che andò distrutta nell’ incendio che devastò la città
nel 590. Alla fine del percorso archeologico si trova un
esempio di muro (XI-XII secolo) caratteristico, nella sua
bicromia, dell’architettura medievale veronese.
Viaggio a Colori è un progetto articolato in una serie
di appuntamenti che porteranno l’arte contemporanea
direttamente nelle scuole attraverso la conoscenza e la
collaborazione con l’artista uruguaiano Coco Cano.
I bambini diverranno protagonisti realizzando due
grandi opere che dialogheranno con i dipinti di Cano
negli spazi storici della città. Viaggio a Colori si realizzerà in varie tappe formative a partire dal 17 settembre col convegno Arte? Ci prendo parte! dedicato
ad insegnanti e genitori. Da qui prenderanno il via i
laboratori didattici sull’esempio di Cano che ha saputo
raccontare la sua storia attraverso un linguaggio artistico essenziale, dai colori accesi e le forme misteriose.
Un meraviglioso mondo musivo dove ogni tessera appartiene al suo insieme ed il particolare acquista senso
in esso. L’arte di Cano è un ponte tra due continenti,
una voce sempre diversa che si esprime a 360 gradi.
L’evento è curato da Erika Ferretto e Marco Stoppa e
promosso dal Comune di Noale.
The Centro Internazionale di Fotografia was inaugurated
in Verona’s Scavi Scaligeri Museum in 1996 and has
remained extremely active ever since with exhibitions of
national and international artists and also with the development of learning paths and photography courses. The
Scavi Scaligeri can be found just a few steps away from
Piazza delle Erbe and the complex is one of the city’s
most evocative archaeological sites with Roman, Lombard
and Medieval remains. A visit to the Scavi Scaligeri demands a particular frame of mind: the ancient structures,
left in view where they were found, are not arranged
in an ordered chronological sequence but lead without
warning from one period to another, in a fascinating trip
through history. The remains of a large burial zone from
the Middle Ages can be seen as well as a vast Roman
residential area. Also to be found are the remains of the
foundations of the fortified residence erected by the Seignior of the city, Alberto Della Scala. Parts of the walls of
a hall are visible with an apse at the bottom, built in the
late IV century A.D. and destroyed in the fire that devastated the town in 590. The archaeological path ends with
an example of a two-colour wall (XI-XII century) which is
typical of medieval Veronese architecture.
Centro Internazionale
di Fotografia Scavi Scaligeri
Cortile del Tribunale
(tra Piazza dei Signori e Piazza Viviani)
37121 Verona
Tel. +39 045 8007490
http://www.comune.verona.it/scaviscaligeri/
62
Viaggio a colori (Coloured travel) is a project that schedules a series of events aimed at taking Contemporary Art into schools by meeting and collaborating with
the Uruguayan artist Coco Cano. The kids will have
a leading role as they will create two great artworks
that will be displayed along with Cano’s paintings in
the main historical sites of their city. The program of
Viaggio a colori includes different training workshops
starting from 17th September with Arte? Ci prendo parte! (Art? I’ll have my part!) for teachers and parents.
Didactic workshops will follow taking example from
Cano who has been able to tell his story through an
essential artistic language made of bright colours and
mysterious shapes. A wonderful mosaic art world where each single piece belongs to the whole and each
single detail gets its own significance. Cano’s art is a
bridge over two continents, one voice able to be different, from time to time, and always fully express itself.
Event organized by Erika Ferretto and Marco Stoppa
and sponsored by the Municipality of Noale.
Spazio Lazzari
Treviso
21|09|2012 - 30|11|2012
Nello Spazio Lazzari continuano le esposizioni iniziate con “Uno spazio Concertato”, che vedeva insieme
Romano Abate e Francesco Stefanini dall’ora anche
curatori delle altre mostre che si sono avvicendate
sempre con la stessa modalità: un pittore o un fotografo all’interno dello spazio espositivo, e uno scultore
nella corte esterna. La 6° mostra vedrà protagonisti gli
artisti: Silvio Merlino, con i suoi misteriosi dipinti di animali tesi a svelarci passaggi iniziatici verso epifanie
dell’immagine, e Tobia Ravà che presenta sculture di
animali personalizzate con il linguaggio della ghematria, approccio simbolico attraverso le infinite possibilità combinatorie dei numeri. Un magico e fantasioso
“bestiario” si animerà nel trecentesco Spazio Lazzari.
The exhibitions in Spazio Lazzari that began with “Uno
Spazio Concertato” continue. That show brought together Romano Abate and Francesco Stefanini who
are now also the curators of the other shows that have
succeeded one another with the same format: a painter or a photographer inside the exhibition space and
a sculptor in the outdoor courtyard. Stars of the 6th
exhibition will be Silvio Merlino with his mysterious
paintings of animals stretched towards revealing initiatory passages into epiphanies of the image, and Tobia
Ravà who is presenting sculptures of animals personalized with the language of gematria, a symbolic approach that exploits the infinite combinatory possibilities
of numbers. A magical and bizarre “bestiary” that will
animate the fourteenth-century Spazio Lazzari.
Assessorato alla Cultura e Politiche Sociali
Via Canova, 74
30033 Noale (VE)
Cell. +39 333 6071428
Cell. +39 333 6071430
[email protected]
Associazione Culturale Lazzari
Via Paris Bordone, 14
31100 Treviso
Tel. +39 0422 598564
Fax +39 0422 545456
[email protected]
www.lazzariweb.it
63
In Galleria | In the Galleries
Galleria Civica Bressanone
Bressanone (BZ)
L’opera di Walter Moroder è figurativa ma ciononostante non rimanda a qualcosa di oggettivo, ma bensì
a valori prevalentemente trascendentali. Le sue sculture
lignee di dimensioni quasi naturali sono figure di carattere arcaico, avvolte in un’aura peculiare, che emana
silenzio nello spazio circostante. Le opere richiedono
un isolamento spaziale che si traduce al contempo in
una solitudine esistenziale. La forma simile ad un bozzolo delle figure prevalentemente femminili rinchiude
queste ultime in sè stesse e previene pertanto un immediato nonchè empatico scambio emotivo con il fruitore.
Lo sguardo rigido degli occhi vitrei o costituiti da semi
di palma richiede l’instaurarsi di un rapporto sottile e
graduale con le sculture, ma rinvia anche ad un legame intimo, in parte misterioso, con dimensioni remote.
Walter Moroder’s oeuvre is figurative but nevertheless
does not refer to anything objective, but rather to prevalently transcendental values. His wooden sculptures
of almost life size are figures with an archaic character,
enveloped in a peculiar aura that emanates silence in
the surrounding space. The works require spatial isolation that translates into an essential solitude at the same
time. The cocoon-like form of the prevalently female
figures encloses the latter in themselves and therefore
achieves an immediate as well as empathetic emotional exchange with the observer. The rigid gaze of the
vitreous eyes, or one composed of palm seeds, requires
the establishment of the subtle and gradual relationship
with the sculptures, but also recalls an intimate bond,
mysterious in part, with remote dimensions.
Spazio Anna Breda
Padova
PH Neutro Fotografia Fine-Art
Verona - Forte dei Marmi
FALSAREA
Falsi, falsari, equivoci e travisamenti
nell’arte
Torchio Thiene
Thiene (VI)
La Galleria
Venezia
L’artista Antonio Zago si identifica nella corrente
dell’espressionismo astratto. La sua pittura risente
dell’atmosfera veneziana del post – guerra che vede,
nella città lagunare, il centro di eccellenza di espressioni nuove e di forme astratte. Questa radice fondata
sulla esplicita rinuncia al figurativo e al neo cubismo,
influenza moltissimo la sua ricerca.
La pittura di Zago si concentra sull’idea di trattare la
tela come un “ muro “su cui posare a strati, colori su
colori, come una parete su cui ricominciare a scrivere e raccontare storie… il colore poi viene graffiato
per fare intravedere, quasi all’infinito ,stati d’animo ed
emozioni.
L’artista nasce a Padova nel 1944, dove vive e lavora. Per diciassette anni si è interessato di architettura,
per altri dieci di grafica pubblicitaria come graphic
designer. Moltissime le Mostre a lui dedicate in Italia
e all’Estero.
Dal 5 Luglio, per tutta la stagione estiva, la Galleria
PH Neutro di Verona e Forte dei Marmi sarà lieta di
ospitare, come nel suo stile, un’ampia e varia selezione
di opere recentemente entrate a far parte della propria
collezione.
Saranno così presenti, con le loro diversità stilistiche,
artisti come Elger Esser, E2 Elizabeth Kleinveld & Paul
Julien, Alex Prager, Nan Goldin, Mauro Fiorese, Guido
Argentini, Beth Moon, Michael Kenna e molti altri tra
grandi maestri e autori contemporanei della fotografia
internazionale.
Dal 26 agosto al 12 Settembre, la sede di Via Carducci varierà il proprio programma con l’anteprima della
personale dedicata ai recentissimi e immaginifici lavori
di Paolo Ventura. La mostra che si terrà dal 27 ottobre
al 25 novembre a Palazzo Panichi in Pietrasanta aprirà, così, un calendario espositivo autunnale pieno di
sorprese.
Falsificate, copiate, rubate, distrutte, dimenticate…A
volte alle opere d’arte toccano tristi o strani destini.
Come quello che stanno vivendo oggi i Bronzi di Riace. Stupende sculture greche classiche del V sec a.C.
in bronzo di due guerrieri, che godettero di straordinaria fama quando, nel 1972, vennero ripescate dal mar
Ionio, a 300 metri dalle coste di Riace in provincia
di Reggio Calabria. Portate a Firenze presso l’Opificio delle Pietre Dure per il restauro e finalmente, dopo
un lavoro di risanamento durato otto anni, nel 1981,
esposte in due mostre di gran successo a Firenze e al
Quirinale, furono ricollocate al Museo archeologico di
Reggio Calabria, a Palazzo Piacentini, e poi a Palazzo
Campanella, sede del Consiglio regionale della Calabria. Qui, da tre anni, sembrano aver perduto la giovanile e guerriera baldanza con il loro innaturale giacere
sdraiati come malati su lettini appositamente allestiti.
Non si tratta di acciacchi dell’età, malgrado un’esistenza di più di 2400 anni, ma di nuove malorìe dovute al
un microclima non adatto del vecchio museo di Reggio
di cui dovrà essere completato il restauro, per poterle
nuovamente accogliere. Tanto per cambiare mancano
i fondi, necessari anche per piedistalli antisismici dei
due guerrieri che però compiono i quarant’anni dalla
loro emersione dal mare in posizione orizzontale….C’è
da chiedersi se un anniversario così l’avrebbero avuto
anche in altri Paesi del mondo occidentale.
Fondata nel 1970 da Armando Martini, “Torchio Thiene” è una delle stamperie venete maggiormente attive
nel campo della stampa e della ricerca calcografica
contemporanea, dove importanti artisti hanno realizzato le loro opere calcolgra- fiche; tra questi Alan
Frederick Sundberg, Augusto Murer, Emilio Ve- dova,
Tono Zancanaro. Promuove mostre a carattere didattico, corsi base per principianti e di specializzazione
per docenti di Educazione Artistica, spaziando dalle
tecniche tradizionali a quelle sperimentali ed innovative, sotto la guida del maestro stampatore Armando
Martini.
La Galleria di Dorothea van der Koelen presenta una
personale dedicata all’artista belga Arne Quinze.
Nato nel 1971, Quinze inizia la sua carriera artistica negli anni Ottanta come graffiti writer. Oggi, crea
delle sculture grandi e piccole, dei disegni, dei dipinti
e delle grandi installazioni. Gli elementi fondamentali
della sua opera sono l’uso di diversi tipi di legno o di
acciaio con vernice fluorescente e il riferimento a tematiche come l’interazione sociale, la comunicazione e
l’urbanistica. A guidare il lavoro di Quinze è la fiducia
nella futura realizzazione di una società ideale in cui
tutti gli individui possano comunicare e interagire tra
di loro. Le sue installazioni pubbliche si liberano dalle
convenzioni e sfidano i meccanismi della percezione
nei centri storici di importanti città del Belgio (Cityscape, Strangers rock), della Germania (The Traveller),
della Francia (Camille), del Libano (The Visitor), della
Cina (Red Beacon) e degli USA (Uchronia).
The artist Antonio Zago is identified with the abstract
expressionism movement. His painting is imbued with
the post-war atmosphere in Venice, the centre par excellence of new expressions and abstract forms. These
roots, founded on the explicit rejection of figurative art
and neo-cubism, had a very great influence on his research.
Zago’s painting is concentrated on the idea of treating
the canvas as a “wall” on which to apply colours upon
colours in layers, like a wall on which to start again to
write and tell stories ... the colour is then scratched in
order to glimpse states of the soul and feelings almost
to infinity.
The artist was born in Padua in 1944 and lives and
works there. He was involved in architecture for seventeen years and in advertising graphics for another ten
as a graphic designer. Many shows have been dedicated to him in Italy and abroad.
As is its style, from 5 July and for the entire summer
season, the PH Neutro gallery in Verona and Forte dei
Marmi is happy to host a wide-ranging and varied selection of works that have come into its collection recently. Included with all their stylistic diversities will be
artists such as Elger Esser, Elizabeth Kleinveld & Paul
Julien, Alex Prager, Nan Goldin, Mauro Fiorese, Guido
Argentini, Beth Moon, Michael Kenna and many other
great masters and contemporary protagonists of international photography.
From 12 August to 12 September, the Via Carducci HQ
will launch its program with the preview of the one-man
show dedicated to the very recent and highly imaginative works by Paolo Ventura. The show, which will
be held from 27 October to 25 November at Palazzo
Panichi in Pietrasanta, will therefore open an autumn
exhibition calendar full of surprises.
FALSAREA
Fakes, counterfeiters, equivocations and misrepresentations in art
Elizabeth Kleinveld “Ode to Hayez the Kiss”
Inspired by Francesco Hayez, The Kiss, 1869/2011
Galleria Civica di Bressanone
Portici Maggiori,5
39042 Bressanone (BZ)
Tel. +39 0472 062140-062144
www.bressanone.it
64
Spazio Anna Breda
Via S. Francesco, 35
35121 Padova
Tel. e Fax +39 049 8774401
Cell. +39 329 2312573
[email protected]
www.spazioannabreda.com
PH Neutro Fotografia Fine-Art
Piazza Erbe, 3
37121 Verona
Tel. +39 045 8007195
[email protected]
e a Forte dei Marmi (LU):
[email protected]
www.ph-neutro.com
Falsified, copied, stolen, destroyed, forgotten... sometimes the fate of artworks is unhappy or strange: just
like what is happening today with the Riace Bronzes.
These stupendous classical Greek bronze statues from
the fifth century B.C of two warriors achieved extraordinary fame in 1972 when they were fished out of
the Ionian Sea, 300 metres from the coast of Riace in
the province of Reggio Calabria. They were brought to
the Opificio delle Pietre Dure in Florence for restoration
and finally, after reclamation work lasting eight years,
they were exhibited in two highly successful exhibitions
in Florence and in the Quirinale in Rome. They were
then placed in the Archaeological Museum of Reggio
Calabria in Palazzo Piacentini, and then in Palazzo
Campanella, seat of the Regional Council of Calabria.
Here, for three years, they seem to have lost their youthful and combative cockiness with their unnatural positioning, stretched out like invalids on specially provided
cots. It is not a question of the infirmities of time, even
if they are over 2400 years old, but of new ills caused
by the inappropriate microclimate of the old Reggio
museum, the restoration of which must be completed
before it can house them again. And, just for a change,
no funds are available for the anti-seismic pedestals for
the two warriors who are now obliged to celebrate forty years since their immersion in the sea in a horizontal
position ... We can only ask if they would have celebrated such an anniversary in this way in other countries in
the western world too.
Founded in 1970 by Armando Martini, “Torchio Thiene” is one of the most active presses in the field of contemporary printing and engra-ving and many leading
artists have realized their engraved works here, including Alan Frederick Sundberg, Augusto Murer, Emilio
Vedova and Tono Zancanaro. It promotes exhibitions
of a didactic nature, basic courses for beginners and
specialist ones for art teachers, ranging from traditional
techniques to experimental and innovative ones, under
the guidance of the master printer, Armando Martini.
Torchio Thiene
Villa Ca’ Beregane, 3
36016 Thiene (VI)
Cell. +39 349 0612144
Dorothea van der Koelen’s La Galleria presents a solo
exhibition dedicated to the belgium artist Arne Quinze.
Born in 1971, Quinze began in the eighties working as
a graffiti artist. Quinze creates large and small sculptures, drawings, paintings, and large-scale installations.
Recurring fundamentals in his oeuvre are the use of
multiple types of wood, steel, fluorescent paint; and
themes referring to social interaction, communication,
and urbanism. What drives Quinze is the belief in the
possible realization of an idealistic society where all
individuals communicate and interact. His unconventional public installations have challenged perceptions in
the city centers of Belgium (Cityscape, Rock Strangers),
Germany (The Traveller), France (Camille), Lebanon
(The Visitor), China (Red Beacon) and the USA (Uchronia), among others.
La Galleria di Dorothea van der Koelen
San Marco 2566
30124 Venezia
Tel. +39 041 5207415
Fax +39 041 2778080
www.galerie.vanderkoelen.de
65
L’obiettivo di AREAARTE assieme ai suoi partner
è quello di divulgare il valore
del nostro patrimonio artistico e culturale.
Il suo impegno:
investire nella creatività dei giovani.
Liceo Artistico “Leonardo Da Vinci” Belluno
Istituto d´Arte Statale Polo della Val Boite Cortina d’Ampezzo (BL)
Istituto Statale d’Arte “M. Fanoli” Cittadella (PD)
Istituto Istruzione Superiore GB.Ferrari Este (PD)
Istituto d’Arte “P. Selvatico” Padova
Liceo Artistico “A. Modigliani” Padova
Istituto Statale d’Arte “Bruno Munari” Castelmassa (RO)
Liceo Artistico Statale di Treviso
Liceo e Istituto Statale d’Arte “Bruno Munari” Vittorio Veneto (TV)
Liceo Artistico Statale “Michelangelo Guggenheim” di Venezia
Liceo Artistico Statale Venezia
Liceo Artistico Statale “ Boccioni” Verona
Istituto Statale d’Arte “ G De Fabris “ Nove (VI)
Liceo Artistico “U.Boccioni” Valdagno (VI)
Liceo Artistico “A. Martini” Schio (VI)
AREAARTE nr 11
AUTUNNO | AUTUMN 2012
Direttore responsabile | Editor
Giovanna Grossato
Redazione | Editorial staff
Marcello Palminteri
Giovanna Grossato
Alessandro Benetti
Stella Ferrara
Anna Livia Friel
Silvia Neri
Valentina Sperotto
Alessandra Menegotto
Gianluca D’Incà Levis
Tazio Cirri
Testi | Texts by
Giovanna Grossato
Tazio Cirri
Silvia Neri
Anna Livia Friel
Alessandro Benetti
Marcello Palminteri
Luca Beatrice
Cristiana Coletti
Eleonora Zampieri
Gigliola Foschi
Aldo Comello
Fotografie | Photos
Jürgen Eheim (per Laurenz Stockner)
Giancarlo Perdon (per Santa Sofia)
Traduzioni | Translations
Michael Friel
Public relation
Paola Ferretti
abbonamento annuale euro 32,00 (4 numeri)
Ad ogni abbonamento euro 12,00 andranno a favore delle Scuole sostenute da AreaArte.
Per abbonamenti collegati a www.areaarte.it sezione abbonamento
per informazioni scrivi a [email protected]
The goal of AREAARTE and its partners is to publicize the value
of our artistic and cultural heritage.
Our commitment: invest in the creativity of the young
annual subscription euro 32.00 (4 issues).
Euro 12,00 will be paid in favour of the schools supported by AreaArte for every subscription.
For subscriptions, connect to www.areaarte.it subscriptions section.
For information write to [email protected]
66
Progetto grafico | Graphic layout
Carlo Martini
Web designer
VG7
Stampa | Printing
Grafiche Antiga Spa
Via delle Industrie, 1
31035 Crocetta del Montello (TV)
Tel +39 04236388 - Fax +39 0423638900
www.graficheantiga.it
[email protected]
stampato/printed su “GardaPAt 13KIARA”
Cartiere del Garda s.p.a. Riva del Garda (TN)
www.gardacartiere.it
Sommario
Contents
La ripetizione è una forma di cambiamento
Repetition is a form of change
di | by Giovanna Grossato
3
Arne Quinze:
A partire da un Giardino Segreto
Starting from a Secret Garden
di | by Tazio Cirri
4
Antonella Zazzera:
La materia luminosa
The luminous material
di | by Alessandro Benetti
10
Andrea Morucchio:
Ferro e vetro
Iron and glass
di | by Eleonora Zampieri
14
Hermann Josef Runggaldier:
Figure sospese
Suspended figures
di | by Cristiana Coletti
18
Gianfranco Asveri:
Il ragazzo di campagna e il topo di città
The country boy and the town mouse
di | by Luca Beatrice
24
Svetlana Ostapovici:
Aldo Sardoni:
Riflessioni sulla società contemporanea
Reflections on contemporary society
di | by Anna Livia Friel
Nel tempo sospeso
In suspended time
di | by Gigliola Foschi
Quiet Ensamble:
Fluid emotion
Fluid emotion
di | by Marcello Palminteri
Laurenz Stockner:
Rame come am(o)re
Copper as l(o)ve
di | by Giovanna Grossato
Bruna Lanza:
La lirica libertà dell’informale
The lyrical liberty of the informal
di | by Silvia Neri
Santa Sofia, la chiesa più antica di Padova, rinata dopo il restauro
Santa Sofia, Padua’s oldest church, is reborn after restoration
di | by Aldo Comello
Prospettive di futuro - Merano 1945-1965
Perspectives of the future - Merano 1945-1965
di | by Merano Arte
28
32
36
40
46
50
54
Da vedere
To see
59
In galleria
In the galleries
64
Editore | Editor
Martini Edizioni
Villa Ca’ Beregane, 3 - 36016 Thiene (VI)
www.martiniedizioni.net - [email protected]
Anno 3. Numero 11.
Registrazione: Tribunale di Vicenza n. 1214 del 19 gennaio 2010
Iscrizione al ROC n. 22289 del 02/05/2012
© 2010 Martini Edizioni, Thiene (VI)
67
www.areaarte.it
68
Euro 8,00

To se e - AreaArte

Transcript

Documenti analoghi

Mauro Buda-baritone - Le Vie Dei Mercanti

favoured by him, and wrote a fine poem on his death.11 Crescem

Francesco Berardinelli.indd

EVANDRO MUTI

Crib - VocApp

lyrics... - Music for the Mysteries

generate pdf to print

- Corrado Zeni

Domingo Notaro: Làrte nellìndividuo e lìndividuo