Paganini`s 1742 Guarneri “del Gesù” - i

CDS 260 (DDD)
DIGITAL RECORDING
NICOLÒ PAGANINI
(Genova, 1782 - Nice, 1840)
THE VIOLIN CONCERTOS
PLAYED ON PAGANINI’S VIOLIN
(VOL. 1)
First recording from the original manuscripts
Transcription from the manuscript by Mariateresa Dellaborra
Score revision by Massimo Quarta with the collaboration of Giulio Odero
© Dynamic Srl
MASSIMO QUARTA
soloist and conductor
Paganini’s 1742 Guarneri “del Gesù”
ORCHESTRA DEL TEATRO CARLO FELICE DI GENOVA
CDS 260 (DDD)
DIGITAL RECORDING
NICOLÒ PAGANINI
(Genova, 1782 - Nice, 1840)
THE VIOLIN CONCERTOS
PLAYED ON PAGANINI’S VIOLIN
(VOL. 1)
First recording from the original manuscripts
Transcription from the manuscript by Mariateresa Dellaborra
Score revision by Massimo Quarta with the collaboration of Giulio Odero
© Dynamic Srl
MASSIMO QUARTA
soloist and conductor
Paganini’s 1742 Guarneri “del Gesù”
ORCHESTRA DEL TEATRO CARLO FELICE DI GENOVA
uesto è il primo di una serie di tre CD dedicati all’integrale dei Concerti per violino e orchestra di
Nicolò Paganini. Per la prima volta, questi concerti sono stati eseguiti ed incisi col violino di Nicolò
Paganini, il celebre Guarneri del Gesù 1742 appartenuto al violinista. L’importanza di questa produzione, realizzata con l’Orchestra del Teatro “Carlo Felice” di Genova, è accresciuta dal fatto che i concerti sono
stati eseguiti nella versione originale del manoscritto paganiniano, che differisce per molti importanti aspetti
dalle edizioni stampate nell’Ottocento. Il Primo Concerto, in particolare, è stato inciso per la prima volta nella
tonalità originale di Mi bemolle maggiore, e col violino iperaccordato di mezzo tono, proprio come nell’autografo paganiniano. Con tale iniziativa, che si propone di far ascoltare i sei Concerti paganiniani esattamente
come il compositore li aveva scritti e concepiti, la Dynamic intende rendere omaggio ad una delle personalità
più significative della musica violinistica italiana dell’Ottocento, fornendo a tutti gli appassionati una serie di
incisioni che alla non comune qualità artistica uniscono il più profondo e veritiero valore documentario.
L’interprete da noi scelto, Massimo Quarta, è stato allievo di Salvatore Accardo ed ha vinto il prestigioso
“Premio Paganini” nel 1991, rivelando già da allora una profonda e completa aderenza allo spirito delle composizioni paganiniane.
Q
CONCERTO NO. 1
IN THE ORIGINAL TONALITY OF
E-FLAT MAJOR
38’14”
1
- Allegro maestoso (cadenza Sauret/ Quarta)
22’30”
2
- Adagio espressivo
05’42”
3
- Rondò: Allegretto spiritoso
10’02”
CONCERTO NO. 2 IN B MINOR “LA CAMPANELLA”
32’47”
4
- Allegro maestoso (cadenza Quarta)
16’25”
5
- Adagio
07’07”
6
- Rondò: Andantino - Allegretto moderato
09’15”
➤ 71’04”
Total time:
Danilo Prefumo
Direttore Artistico
he present CD is the first of three dedicated to the Violin Concertos by Nicolò Paganini. For the first
time these works have been recorded using Paganini’s own violin, the famous 1742 Guarneri del Gesù.
This production, made with the orchestra of Genoa’s Teatro Carlo Felice, is even more intriguing for
the fact that the six concertos have been performed in the original version of Paganini’s manuscripts, differing in
many important aspects from the 19th-century printed editions. The First Concerto, in particular, has been
recorded for the first time in the original tonality of E flat Major, with the violin uptuned by half a tone, in
accordance with Paganini’s autograph.
With this project, which offers the listener the six concertos exactly as the Genoese composer conceived and
wrote them, Dynamic wants to pay a homage to one of the most significant figures in the history of 19th-century
Italian violin music, providing music lovers with a series of recordings that are not only valuable for their high
artistic quality but also for their documentary importance.
Our soloist, Massimo Quarta, was a pupil of Salvatore Accardo and the winner, in 1991, of the prestigious
Paganini International Violin Competition, when he first revealed just how close to the composer’s spirit his
interpretation of Paganini is.
T
Danilo Prefumo
Artistic Producer
4
5
uesto è il primo di una serie di tre CD dedicati all’integrale dei Concerti per violino e orchestra di
Nicolò Paganini. Per la prima volta, questi concerti sono stati eseguiti ed incisi col violino di Nicolò
Paganini, il celebre Guarneri del Gesù 1742 appartenuto al violinista. L’importanza di questa produzione, realizzata con l’Orchestra del Teatro “Carlo Felice” di Genova, è accresciuta dal fatto che i concerti sono
stati eseguiti nella versione originale del manoscritto paganiniano, che differisce per molti importanti aspetti
dalle edizioni stampate nell’Ottocento. Il Primo Concerto, in particolare, è stato inciso per la prima volta nella
tonalità originale di Mi bemolle maggiore, e col violino iperaccordato di mezzo tono, proprio come nell’autografo paganiniano. Con tale iniziativa, che si propone di far ascoltare i sei Concerti paganiniani esattamente
come il compositore li aveva scritti e concepiti, la Dynamic intende rendere omaggio ad una delle personalità
più significative della musica violinistica italiana dell’Ottocento, fornendo a tutti gli appassionati una serie di
incisioni che alla non comune qualità artistica uniscono il più profondo e veritiero valore documentario.
L’interprete da noi scelto, Massimo Quarta, è stato allievo di Salvatore Accardo ed ha vinto il prestigioso
“Premio Paganini” nel 1991, rivelando già da allora una profonda e completa aderenza allo spirito delle composizioni paganiniane.
Q
CONCERTO NO. 1
IN THE ORIGINAL TONALITY OF
E-FLAT MAJOR
38’14”
1
- Allegro maestoso (cadenza Sauret/ Quarta)
22’30”
2
- Adagio espressivo
05’42”
3
- Rondò: Allegretto spiritoso
10’02”
CONCERTO NO. 2 IN B MINOR “LA CAMPANELLA”
32’47”
4
- Allegro maestoso (cadenza Quarta)
16’25”
5
- Adagio
07’07”
6
- Rondò: Andantino - Allegretto moderato
09’15”
➤ 71’04”
Total time:
Danilo Prefumo
Direttore Artistico
he present CD is the first of three dedicated to the Violin Concertos by Nicolò Paganini. For the first
time these works have been recorded using Paganini’s own violin, the famous 1742 Guarneri del Gesù.
This production, made with the orchestra of Genoa’s Teatro Carlo Felice, is even more intriguing for
the fact that the six concertos have been performed in the original version of Paganini’s manuscripts, differing in
many important aspects from the 19th-century printed editions. The First Concerto, in particular, has been
recorded for the first time in the original tonality of E flat Major, with the violin uptuned by half a tone, in
accordance with Paganini’s autograph.
With this project, which offers the listener the six concertos exactly as the Genoese composer conceived and
wrote them, Dynamic wants to pay a homage to one of the most significant figures in the history of 19th-century
Italian violin music, providing music lovers with a series of recordings that are not only valuable for their high
artistic quality but also for their documentary importance.
Our soloist, Massimo Quarta, was a pupil of Salvatore Accardo and the winner, in 1991, of the prestigious
Paganini International Violin Competition, when he first revealed just how close to the composer’s spirit his
interpretation of Paganini is.
T
Danilo Prefumo
Artistic Producer
4
5
ies ist die erste von drei den gesamten Konzerten für Violine und Orchester von Nicolò Paganini gewidmeten CDs. Diese Konzerte wurden erstmals auf Nicolò Paganinis Geige gespielt und aufgenommen, die
dafür von der Gemeinde Genua zur Verfügung gestellt wurde, welche die berühmte Guarneri del Gesù
1742 des Geigers aufbewahrt. Die Bedeutung dieser mit dem Orchester des Genueser Teatro Carlo Felice realisierten Produktion wird durch die Tatsache noch gesteigert, daß die Konzerte in der Originalfassung von Paganinis
Manuskript gespielt wurden, das sich in vielen wichtigen Belangen von den gedruckten Ausgaben des 19. Jhdts.
unterscheidet. Speziell das Erste Konzert wurde erstmals in der Originaltonart Es-Dur und mit der um einen
Halbton höher gestimmten Geige aufgenommen, genau wie in Paganinis Autograph. Mit dieser Initiative, die
Paganinis sechs Konzerte genau so zu Gehör bringt, wie sie der Komponist entworfen und geschrieben hat, möchte
Dynamic einer der bedeutendsten Persönlichkeit der italienischen Geigenliteratur des 19. Jhdts. huldigen und allen
ihren Liebhabern eine Reihe von Aufnahmen bieten, die mit einer ungewöhnlichen künstlerischen Qualität den
tiefsten und wahrhaftigsten dokumentarischen Wert vereinen. Massimo Quarta, der von uns gewählte Interpret,
war Schüler von Salvatore Accardo und gewann 1991 den angesehenen “Premio Paganini”, wobei er bereits damals
eine tiefgehende, vollständige Anpassung an den Geist von Paganinis Kompositionen zeigte.
D
Danilo Prefumo
Künstlerischer Leiter
oici le premier d’une série de trois CD consacrés à l’intégrale des Concertos pour violon et orchestre de
Paganini. Pour la première fois, ces concertos ont été exécutés et gravés avec le violon de Nicolò
Paganini, gracieusement accordé pour cette occasion par la municipalité de Gênes, qui conserve le
célèbre Guarneri del Gesù 1742 ayant appartenu au violoniste. L’importance de cet enregistrement, effectué
avec le concours de l’Orchestre du Théâtre Carlo Felice de Gênes, est accrue par le fait que les concertos ont
été exécutés dans la version originale du manuscrit de Paganini, qui diffère sous de nombreux aspects des éditions imprimées au dix-neuvième siècle. Le Concerto n°1, notamment, est enregistré pour la première fois dans la
tonalité originale du mi bémol majeur avec une hausse d’un demi-ton des cordes du violon, comme le prévoit le
manuscrit autographe du violoniste. A travers cette initiative, qui veut proposer les six Concertos de Paganini
tels que le compositeur les avait écrits et conçus, Dynamic entend rendre hommage à l’une des personnalités les
plus importantes de la musique italienne du siècle dernier consacrée au violon, en offrant à tous les amateurs
une série d’enregistrements d’une grande qualité artistique unie à une profonde et véridique valeur documentaire. L’interprète que nous avons choisi pour cette exécution, Massimo Quarta, a été l’élève de Salvatore
Accardo ; en remportant en 1991 le prestigieux “ Prix Paganini ”, il a révélé une connaissance profonde et complète de l’esprit des compositions de Paganini.
V
Danilo Prefumo
Directeur artistique
6
ies ist die erste von drei den gesamten Konzerten für Violine und Orchester von Nicolò Paganini gewidmeten CDs. Diese Konzerte wurden erstmals auf Nicolò Paganinis Geige gespielt und aufgenommen, die
dafür von der Gemeinde Genua zur Verfügung gestellt wurde, welche die berühmte Guarneri del Gesù
1742 des Geigers aufbewahrt. Die Bedeutung dieser mit dem Orchester des Genueser Teatro Carlo Felice realisierten Produktion wird durch die Tatsache noch gesteigert, daß die Konzerte in der Originalfassung von Paganinis
Manuskript gespielt wurden, das sich in vielen wichtigen Belangen von den gedruckten Ausgaben des 19. Jhdts.
unterscheidet. Speziell das Erste Konzert wurde erstmals in der Originaltonart Es-Dur und mit der um einen
Halbton höher gestimmten Geige aufgenommen, genau wie in Paganinis Autograph. Mit dieser Initiative, die
Paganinis sechs Konzerte genau so zu Gehör bringt, wie sie der Komponist entworfen und geschrieben hat, möchte
Dynamic einer der bedeutendsten Persönlichkeit der italienischen Geigenliteratur des 19. Jhdts. huldigen und allen
ihren Liebhabern eine Reihe von Aufnahmen bieten, die mit einer ungewöhnlichen künstlerischen Qualität den
tiefsten und wahrhaftigsten dokumentarischen Wert vereinen. Massimo Quarta, der von uns gewählte Interpret,
war Schüler von Salvatore Accardo und gewann 1991 den angesehenen “Premio Paganini”, wobei er bereits damals
eine tiefgehende, vollständige Anpassung an den Geist von Paganinis Kompositionen zeigte.
D
Danilo Prefumo
Künstlerischer Leiter
oici le premier d’une série de trois CD consacrés à l’intégrale des Concertos pour violon et orchestre de
Paganini. Pour la première fois, ces concertos ont été exécutés et gravés avec le violon de Nicolò
Paganini, gracieusement accordé pour cette occasion par la municipalité de Gênes, qui conserve le
célèbre Guarneri del Gesù 1742 ayant appartenu au violoniste. L’importance de cet enregistrement, effectué
avec le concours de l’Orchestre du Théâtre Carlo Felice de Gênes, est accrue par le fait que les concertos ont
été exécutés dans la version originale du manuscrit de Paganini, qui diffère sous de nombreux aspects des éditions imprimées au dix-neuvième siècle. Le Concerto n°1, notamment, est enregistré pour la première fois dans la
tonalité originale du mi bémol majeur avec une hausse d’un demi-ton des cordes du violon, comme le prévoit le
manuscrit autographe du violoniste. A travers cette initiative, qui veut proposer les six Concertos de Paganini
tels que le compositeur les avait écrits et conçus, Dynamic entend rendre hommage à l’une des personnalités les
plus importantes de la musique italienne du siècle dernier consacrée au violon, en offrant à tous les amateurs
une série d’enregistrements d’une grande qualité artistique unie à une profonde et véridique valeur documentaire. L’interprète que nous avons choisi pour cette exécution, Massimo Quarta, a été l’élève de Salvatore
Accardo ; en remportant en 1991 le prestigieux “ Prix Paganini ”, il a révélé une connaissance profonde et complète de l’esprit des compositions de Paganini.
V
Danilo Prefumo
Directeur artistique
6
PAGANINI: CONCERTO NO. 1 IN MI BEMOLLE MAGGIORE
CONCERTO NO. 2 IN SI MINORE
Edward Neill
Il Concerto No.1 per violino e orchestra fu composto
tra il 1815 e il 1816 e pubblicato a Parigi nel 1851
dall’editore Schonenberger come Op.6, unitamente
alla riduzione per violino e pianoforte che reca l’indicazione “n.1 delle opere postume”. Nel Catalogo
tematico Moretti-Sorrento il Concerto in questione
reca il numero 21.
Paganini concepì questo suo Primo Concerto nella
tonalità di mi bemolle maggiore. Le quattro corde
del violino venivano innalzate di un semitono mentre
l’orchestra suonava in mi bemolle. In questo senso il
violino solista si comportava come uno strumento
traspositore. Ed è forse per questo motivo che il
Concerto fu successivamente trascritto in re maggiore. È interessante notare che nella stesura originale
gli strumenti traspositori (clarinetti, trombe e corni)
sono tutti in mi bemolle e l’amalgama timbrica che
ne risulta doveva essere abbastanza diversa da quella
che si manifesta attraverso l’esecuzione in re maggiore, cosi come l’innalzamento di un semitono delle
corde del violino (da re a mi bemolle) doveva garantire una maggiore brillantezza del suono anche a
costo di perdere in rotondità nei bassi.
La partitura originale mostra proporzioni cameristiche: a parte gli archi, i fiati comprendono 1 flauto, 2
oboi, 2 clarinetti, 1 fagotto, 2 corni, 2 trombe e 1
trombone. In seguito, Paganini venendo in contatto
con orchestre di tipo sinfonico, aggiunse strumenti di
rinforzo i quali non intervenivano se non nei tutti,
contribuendo però a rendere l’orchestra “rumorosa”.
L’esecuzione contenuta in questo disco ripristina
dunque la tonalità originale e l’organico orchestrale
divisato da Paganini nella prima versione del suo
Concerto No.1 ed è esattamente conforme all’autografo, essendo stati eliminati gli abbellimenti e tutta
quella serie di modifiche apportate arbitrariamente
in seguito e che Paganini non aveva mai scritto.
Nel confrontarsi con il concerto in grande stile
Paganini doveva avere presenti almeno tre modelli:
Viotti, Kreutzer e Rode dei quali conosceva ed eseguiva i Concerti talvolta modificandoli a suo piacimento. In genere, il primo movimento è improntato
alla forma dell’Allegro bitematico, e l’ultimo al
Rondò la cui ripetitività viene resa più accettabile dal
ricorso ai fuochi artificiali degli ingredienti tecnici.
Tra i due movimenti estremi Paganini incastona un
Adagio generalmente di breve durata e che rappresenta il miglior ritratto della sua introversione.
In questo Concerto, l’Allegro maestoso iniziale contempla una introduzione orchestrale di ben 94 battute, ma forse non sarà inutile ricordare che ai tempi di
Paganini il solista suonava anche nei tutti, esauriti i
quali egli faceva sentire la sua voce in maniera autonoma.
I due temi che vengono enunciati hanno caratteri
opposti: il primo è robusto e ben marcato, il secondo
8
len) pubblicò un Concerto per violino e orchestra
intitolato Souvenir de Paganini ricorrendo alla stessa
prassi.
Sulla prima esecuzione del Concerto No. 1 in mi
bemolle maggiore di Paganini l’unica data certa è
quella del 7 marzo 1816, solista l’autore con l’orchestra del teatro alla Scala di Milano.
dolce ed espressivo. I due temi vengono discussi e
ripresentati secondo la formula dell’Allegro sonatistico poco congeniale allo spirito costruttivo di Paganini
il quale sopperisce egregiamente alla noia imposta
dei passaggi obbligati con un fuoco di fila di trovate e
di effetti virtuosistici, come bicordi di seste, ottave,
decime, tricordi che egli eseguiva simultaneamente e
non in successione, armonici semplici e doppi.
L’Adagio funge da opportuna parentesi dopo un tale
spiegamento di mezzi. Dopo un breve preambolo dei
tutti, il solista enuncia una dolce e malinconica melodia chiaramente ispirata all’aria operistica. Si vuole
che questo movimento fosse stato ispirato da una
scena drammatica recitata dal famoso attore
Demarini che impersonava un prigioniero che invocava la morte come liberazione delle proprie sofferenze.
Nell’ultimo movimento, Allegro spiritoso, Paganini
reagisce alla forma consunta e ripetitiva del Rondò,
ricorrendo alle soluzioni pirotecniche già esemplificate nell’Allegro iniziale, proponendo anche un passaggio interamente affidato alla quarta corda.
Se nei musicisti contemporanei di Paganini erano in
genere le ultime composizioni a conseguire i maggiori successi, nel caso del violinista fu proprio una delle
prime a risultare tra le più gradite ed apprezzate.
Infatti il Concerto No. 1 gode ancora oggi di grande
popolarità, tanto da essere stato inserito come uno
dei pezzi d’obbligo del famoso Concorso internazionale che si tiene ogni anno a Genova.
L’idea di iperaccordare le quattro corde del violino
di un semitono non restò un fatto isolato. Nel 1833
Karl Guhr che fu in contatto con Paganini a
Francoforte e che su di lui scrisse un trattato tradotto in più lingue (Paganinis Kunst die Violine zu spie-
In una lettera spedita da Napoli il 12 dicembre 1826
e diretta all’amico genovese Luigi Guglielmo Germi,
Paganini accenna a un concerto “con un campanello
obbligato” e quindi al secondo in si minore.
Sono dunque trascorsi dieci anni dalla composizione
del primo, ma non è che in questo non trascurabile
lasso di tempo il violinista fosse rimasto inattivo. A
parte gli impegni concertistici, egli si era dedicato
con profitto alla composizione di musica da camera
che Ricordi gli pubblica nel 1820 in cinque numeri
d’opera, a cominciare dai Capricci per finire con una
serie di Quartetti per archi e chitarra. A queste opere
si aggiungono Variazioni per violino e orchestra e
una serie di brevi brani per chitarra noti come
Ghiribizzi.
Nonostante il tempo trascorso Paganini sembra
mantenere un collegamento con il Concerto precedente; e ciò non solo assegnando lo stesso titolo al
primo movimento (Allegro maestoso) ma ricorrendo
allo stesso organico sempre contenuto. La grande
novità è costituita dalla presenza di un campanello in
fa diesis che compare nel Rondò. Per il resto il
Concerto in si minore sembra limitare, rispetto a
quello in mi bemolle, le soluzioni virtuosistiche.
Il Concerto No. 2 in si minore fu pubblicato postumo
come Op.7 da Schonenberger nel 1851 a Parigi. Il
Catalogo tematico Moretti-Sorrento assegna ad esso
9
PAGANINI: CONCERTO NO. 1 IN MI BEMOLLE MAGGIORE
CONCERTO NO. 2 IN SI MINORE
Edward Neill
Il Concerto No.1 per violino e orchestra fu composto
tra il 1815 e il 1816 e pubblicato a Parigi nel 1851
dall’editore Schonenberger come Op.6, unitamente
alla riduzione per violino e pianoforte che reca l’indicazione “n.1 delle opere postume”. Nel Catalogo
tematico Moretti-Sorrento il Concerto in questione
reca il numero 21.
Paganini concepì questo suo Primo Concerto nella
tonalità di mi bemolle maggiore. Le quattro corde
del violino venivano innalzate di un semitono mentre
l’orchestra suonava in mi bemolle. In questo senso il
violino solista si comportava come uno strumento
traspositore. Ed è forse per questo motivo che il
Concerto fu successivamente trascritto in re maggiore. È interessante notare che nella stesura originale
gli strumenti traspositori (clarinetti, trombe e corni)
sono tutti in mi bemolle e l’amalgama timbrica che
ne risulta doveva essere abbastanza diversa da quella
che si manifesta attraverso l’esecuzione in re maggiore, cosi come l’innalzamento di un semitono delle
corde del violino (da re a mi bemolle) doveva garantire una maggiore brillantezza del suono anche a
costo di perdere in rotondità nei bassi.
La partitura originale mostra proporzioni cameristiche: a parte gli archi, i fiati comprendono 1 flauto, 2
oboi, 2 clarinetti, 1 fagotto, 2 corni, 2 trombe e 1
trombone. In seguito, Paganini venendo in contatto
con orchestre di tipo sinfonico, aggiunse strumenti di
rinforzo i quali non intervenivano se non nei tutti,
contribuendo però a rendere l’orchestra “rumorosa”.
L’esecuzione contenuta in questo disco ripristina
dunque la tonalità originale e l’organico orchestrale
divisato da Paganini nella prima versione del suo
Concerto No.1 ed è esattamente conforme all’autografo, essendo stati eliminati gli abbellimenti e tutta
quella serie di modifiche apportate arbitrariamente
in seguito e che Paganini non aveva mai scritto.
Nel confrontarsi con il concerto in grande stile
Paganini doveva avere presenti almeno tre modelli:
Viotti, Kreutzer e Rode dei quali conosceva ed eseguiva i Concerti talvolta modificandoli a suo piacimento. In genere, il primo movimento è improntato
alla forma dell’Allegro bitematico, e l’ultimo al
Rondò la cui ripetitività viene resa più accettabile dal
ricorso ai fuochi artificiali degli ingredienti tecnici.
Tra i due movimenti estremi Paganini incastona un
Adagio generalmente di breve durata e che rappresenta il miglior ritratto della sua introversione.
In questo Concerto, l’Allegro maestoso iniziale contempla una introduzione orchestrale di ben 94 battute, ma forse non sarà inutile ricordare che ai tempi di
Paganini il solista suonava anche nei tutti, esauriti i
quali egli faceva sentire la sua voce in maniera autonoma.
I due temi che vengono enunciati hanno caratteri
opposti: il primo è robusto e ben marcato, il secondo
8
len) pubblicò un Concerto per violino e orchestra
intitolato Souvenir de Paganini ricorrendo alla stessa
prassi.
Sulla prima esecuzione del Concerto No. 1 in mi
bemolle maggiore di Paganini l’unica data certa è
quella del 7 marzo 1816, solista l’autore con l’orchestra del teatro alla Scala di Milano.
dolce ed espressivo. I due temi vengono discussi e
ripresentati secondo la formula dell’Allegro sonatistico poco congeniale allo spirito costruttivo di Paganini
il quale sopperisce egregiamente alla noia imposta
dei passaggi obbligati con un fuoco di fila di trovate e
di effetti virtuosistici, come bicordi di seste, ottave,
decime, tricordi che egli eseguiva simultaneamente e
non in successione, armonici semplici e doppi.
L’Adagio funge da opportuna parentesi dopo un tale
spiegamento di mezzi. Dopo un breve preambolo dei
tutti, il solista enuncia una dolce e malinconica melodia chiaramente ispirata all’aria operistica. Si vuole
che questo movimento fosse stato ispirato da una
scena drammatica recitata dal famoso attore
Demarini che impersonava un prigioniero che invocava la morte come liberazione delle proprie sofferenze.
Nell’ultimo movimento, Allegro spiritoso, Paganini
reagisce alla forma consunta e ripetitiva del Rondò,
ricorrendo alle soluzioni pirotecniche già esemplificate nell’Allegro iniziale, proponendo anche un passaggio interamente affidato alla quarta corda.
Se nei musicisti contemporanei di Paganini erano in
genere le ultime composizioni a conseguire i maggiori successi, nel caso del violinista fu proprio una delle
prime a risultare tra le più gradite ed apprezzate.
Infatti il Concerto No. 1 gode ancora oggi di grande
popolarità, tanto da essere stato inserito come uno
dei pezzi d’obbligo del famoso Concorso internazionale che si tiene ogni anno a Genova.
L’idea di iperaccordare le quattro corde del violino
di un semitono non restò un fatto isolato. Nel 1833
Karl Guhr che fu in contatto con Paganini a
Francoforte e che su di lui scrisse un trattato tradotto in più lingue (Paganinis Kunst die Violine zu spie-
In una lettera spedita da Napoli il 12 dicembre 1826
e diretta all’amico genovese Luigi Guglielmo Germi,
Paganini accenna a un concerto “con un campanello
obbligato” e quindi al secondo in si minore.
Sono dunque trascorsi dieci anni dalla composizione
del primo, ma non è che in questo non trascurabile
lasso di tempo il violinista fosse rimasto inattivo. A
parte gli impegni concertistici, egli si era dedicato
con profitto alla composizione di musica da camera
che Ricordi gli pubblica nel 1820 in cinque numeri
d’opera, a cominciare dai Capricci per finire con una
serie di Quartetti per archi e chitarra. A queste opere
si aggiungono Variazioni per violino e orchestra e
una serie di brevi brani per chitarra noti come
Ghiribizzi.
Nonostante il tempo trascorso Paganini sembra
mantenere un collegamento con il Concerto precedente; e ciò non solo assegnando lo stesso titolo al
primo movimento (Allegro maestoso) ma ricorrendo
allo stesso organico sempre contenuto. La grande
novità è costituita dalla presenza di un campanello in
fa diesis che compare nel Rondò. Per il resto il
Concerto in si minore sembra limitare, rispetto a
quello in mi bemolle, le soluzioni virtuosistiche.
Il Concerto No. 2 in si minore fu pubblicato postumo
come Op.7 da Schonenberger nel 1851 a Parigi. Il
Catalogo tematico Moretti-Sorrento assegna ad esso
9
to, trovando anche un Trio che introduce una nota di
contrasto. E il tutto si conclude con non poche concessioni alla tecnica funambolica paganiniana che
nella fase conclusiva richiama il pizzicato con la
mano sinistra generalmente riservato alle Variazioni.
L’impiego del triangolo cui si affianca anche il violino solista fu salutato come una novità anche se l’inserimento di strumenti a percussione desueti in un
contesto concertistico o sinfonico veniva generalmente considerato volgare e bandistico. Tant’è vero
che quando Liszt lo utilizzò nel suo Primo Concerto
per pianoforte e orchestra (1855) suscitò un vero e
proprio scandalo. Indubbiamente il musicista ungherese aveva tratto lo spunto direttamente dal Concerto
No. 2 di Paganini, provvedendo in prima istanza ad
elaborare per pianoforte il celebre motivo nei suoi
Studi di esecuzione trascendente (1838).
Altre variazioni e fantasie perlopiù per pianoforte
furono pubblicate soprattutto all’estero suscitando in
qualche caso la riprovazione di Paganini che tra l’altro aveva riutilizzato lo stesso motivo in una composizione per violino e orchestra, Le Couvent du Mont
St. Bernard, e per un brano insignificante per voce e
pianoforte, È pur amabile la contessina.
La prima data documentata dell’esecuzione pubblica
del Concerto No. 2 in si minore è quella del 26 giugno 1827, al Teatro alla Pergola di Firenze.
il numero 48.
L’introduzione affidata al tutti è come nel Primo
Concerto, abbastanza ampia ma non tocca le 94 battute del confratello. È però interessante notare l’impiego del ritmo di 12/8 che sembra denunciare una
origine “popolare” che poi si ritrova nel Rondò concepito in 6/8 quasi a richiamare quello stesso della
Tarantella. Tuttavia la tela sulla quale Paganini esegue i suoi ricami virtuosistici appare non del tutto
appropriata, tanto che questo primo movimento
risulta agli ultimi posti riservati dal violinista in un
elenco di pezzi da lui stesso compilato in base a ciò
che oggi verrebbe definito un “indice di gradimento”, mentre l’ormai celebre Rondò della Campanella
ne occupa i primi.
L’Adagio resta sempre il pezzo forte, mai discutibile,
nonostante la brevità e la semplicità che ne contrassegnano la natura e il carattere. Ma anche in questo
caso, come in molti altri, l’alternanza del modo minore a quello maggiore (e naturalmente viceversa) viene anche qui osservata, pur conservando le stesse
alterazioni, i due fatidici diesis in chiave. Ma anche
scrivendo un Adagio in re maggiore, tonalità che la
vecchia estetica romantica considerava “ottimistica”,
Paganini dimostra, forse senza esserne consapevole,
che il contenuto espressivo della musica è indipendente dalla tonalità. L’Adagio si muove dunque con
estrema parsimonia, arricchendosi di modulazioni e
passaggi per la quarta corda che per Paganini rappresenta sempre l’affermazione di un timbro maschile.
Il Rondò (Andantino, Allegretto moderato) con i
caratteristici rintocchi del triangolo è il movimento
che ha contribuito a rendere famoso l’intero
Concerto. Concepito nella tonalità di base di si minore, il Rondò si snoda lungo il tipico percorso obbliga-
10
to, trovando anche un Trio che introduce una nota di
contrasto. E il tutto si conclude con non poche concessioni alla tecnica funambolica paganiniana che
nella fase conclusiva richiama il pizzicato con la
mano sinistra generalmente riservato alle Variazioni.
L’impiego del triangolo cui si affianca anche il violino solista fu salutato come una novità anche se l’inserimento di strumenti a percussione desueti in un
contesto concertistico o sinfonico veniva generalmente considerato volgare e bandistico. Tant’è vero
che quando Liszt lo utilizzò nel suo Primo Concerto
per pianoforte e orchestra (1855) suscitò un vero e
proprio scandalo. Indubbiamente il musicista ungherese aveva tratto lo spunto direttamente dal Concerto
No. 2 di Paganini, provvedendo in prima istanza ad
elaborare per pianoforte il celebre motivo nei suoi
Studi di esecuzione trascendente (1838).
Altre variazioni e fantasie perlopiù per pianoforte
furono pubblicate soprattutto all’estero suscitando in
qualche caso la riprovazione di Paganini che tra l’altro aveva riutilizzato lo stesso motivo in una composizione per violino e orchestra, Le Couvent du Mont
St. Bernard, e per un brano insignificante per voce e
pianoforte, È pur amabile la contessina.
La prima data documentata dell’esecuzione pubblica
del Concerto No. 2 in si minore è quella del 26 giugno 1827, al Teatro alla Pergola di Firenze.
il numero 48.
L’introduzione affidata al tutti è come nel Primo
Concerto, abbastanza ampia ma non tocca le 94 battute del confratello. È però interessante notare l’impiego del ritmo di 12/8 che sembra denunciare una
origine “popolare” che poi si ritrova nel Rondò concepito in 6/8 quasi a richiamare quello stesso della
Tarantella. Tuttavia la tela sulla quale Paganini esegue i suoi ricami virtuosistici appare non del tutto
appropriata, tanto che questo primo movimento
risulta agli ultimi posti riservati dal violinista in un
elenco di pezzi da lui stesso compilato in base a ciò
che oggi verrebbe definito un “indice di gradimento”, mentre l’ormai celebre Rondò della Campanella
ne occupa i primi.
L’Adagio resta sempre il pezzo forte, mai discutibile,
nonostante la brevità e la semplicità che ne contrassegnano la natura e il carattere. Ma anche in questo
caso, come in molti altri, l’alternanza del modo minore a quello maggiore (e naturalmente viceversa) viene anche qui osservata, pur conservando le stesse
alterazioni, i due fatidici diesis in chiave. Ma anche
scrivendo un Adagio in re maggiore, tonalità che la
vecchia estetica romantica considerava “ottimistica”,
Paganini dimostra, forse senza esserne consapevole,
che il contenuto espressivo della musica è indipendente dalla tonalità. L’Adagio si muove dunque con
estrema parsimonia, arricchendosi di modulazioni e
passaggi per la quarta corda che per Paganini rappresenta sempre l’affermazione di un timbro maschile.
Il Rondò (Andantino, Allegretto moderato) con i
caratteristici rintocchi del triangolo è il movimento
che ha contribuito a rendere famoso l’intero
Concerto. Concepito nella tonalità di base di si minore, il Rondò si snoda lungo il tipico percorso obbliga-
10
PAGANINI: VIOLIN CONCERTO NO. 1 IN E FLAT MAJOR
VIOLIN CONCERTO NO. 2 IN B MINOR
Edward Neill
Translated by Daniela Pilarz
he Violin Concerto No.1 was composed
between 1815 and 1816 and published by
Schonenberger in Paris in 1851 as Op.6,
together with an arrangement for violin and piano
that is marked “No.1 of the posthumous works”. In
the Moretti-Sorrento thematic catalogue, the
Concerto is listed as No.21.
Paganini wrote his first Concerto in the tonality of E
flat Major. The four violin strings were tuned half a
tone up, while the orchestra played in E flat. Thus the
solo violin acted as a transposing instrument and it is
very likely that the Concerto was later transcribed in D
Major for that reason. It is interesting to note that, in
the original manuscript, the transposing instruments
(clarinets, trumpets and horns) are all in E flat, which
creates an overall tone-colour result that is quite different from that of a performance in D Major.
Similarly, the tuning up of the violin strings from D to
E flat gave the instrument a more brilliant sound, to
the detriment, perhaps, of the roundness of basses.
The original score calls for chamber-like forces:
strings, and winds that included 1 flute, 2 oboes, 2
clarinets, 1 bassoon, 2 horns, 2 trumpets and 1 trombone. Later Paganini, having come into contact with
symphony orchestras, added instruments, which were
called into action only in the Tutti, contributing to
giving the orchestra a “bigger” sound.
The performance recorded in the present CD, there-
fore, restores both the original tonality and the
orchestral forces devised by Paganini for his first version of the Concerto and corresponds exactly to the
autograph, having been purged of all embellishments
and modifications added in later years and never
written by the composer.
When he set about writing his first large scale concerto, Paganini must have had in mind at least three models: Viotti, Kreutzer and Rode, whose concertos he
was familiar with and used to perform, at times modifying them according to his whim. The first movement, as customary, is a two-theme Allegro, while the
last is a Rondo, the repetitiveness of which is made
more acceptable by resort to technical fireworks.
Between the two outer movements Paganini has a
rather short Adagio, which is a portrait of his introverted nature.
Concerto No.1 opens with an Allegro maestoso no less
than 94 measures long; however, it ought to be
remembered that in Paganini’s day the soloist used
to play also in the Tutti, before launching into his
autonomous part.
The two themes of the movement have contrasting
characters: the first is robust and pronounced, the
second sweet and lyrical. The two themes are
expounded and reintroduced in a sonata-form
Allegro, which was not very congenial to Paganini’s
concept of structure; but he avoided the boredom of
T
12
obbligato passages with a fusillade of virtuosic tricks
and effects, such as double stops of sixths, eighths
and tenths, multiple stops of three notes played
simultaneously, simple and double harmonics.
After such a display of virtuosity, the Adagio provides a providential repose. A short Tutti introduction precedes the entrance of the soloist, who plays a
sweet and melancholic melody that is clearly inspired
by an operatic aria. This movement is thought to
have been inspired by a dramatic scene performed by
famous actor Demarini, interpreting a prisoner who
invoked death as a relief from his suffering.
In the last movement, Allegro spiritoso, Paganini
counters the repetitiveness of the Rondo form with
the pyrotechnics already illustrated in the opening
Allegro, even entrusting an entire passage to the
fourth string.
If, as a rule, a composer’s most successful works are
generally his last, this turned to be not true for
Paganini, whose first Concerto, one of his earliest
compositions, became also one of his most popular
with audiences .
Indeed Concerto No.1 is still very successful, to the
point that it was chosen as a mandatory piece for the
violinists who enter the International Competition
held in Genoa every year.
The idea of tuning the violin strings up by half a tone
did not remain an isolated case. In 1833 Karl Guhr,
who was in contact with Paganini in Frankfurt and
wrote an essay on him which was translated into
many languages (Paganinis Kunst die Violine zu spielen), published a Violin Concerto, entitled Souvenir de
Paganini, which used the same technical device.
The first known performance of Paganini’s Concerto
No.1 in E flat Major took place at Milan’s La Scala
on 7 March 1816, with the composer as soloist.
In a letter from Naples dated 12 December 1826 and
addressed to his Genoese friend Luigi Guglielmo
Germi, Paganini mentioned a concerto “with an
obbligato bell”, that is to say his Concerto in B minor.
Ten years had elapsed since the first Concerto, but in
this long period of time the violinist had been far
from inactive. Aside from his concert engagements,
he had dedicated himself to chamber music, writing
works which were published by Ricordi in 1820 as
five opus numbers: from the Caprices to a series of
Quartets with guitar. He had also composed
Variations for violin and orchestra and a series of
short guitar pieces known as Ghiribizzi.
Despite the time gap that separates them, the two
Concertos present some similarities: not only did
Paganini use the same title for the opening movement (Allegro maestoso), but he also scored the second as the first concerto for equally reduced orchestral forces. The great novelty is represented by the
presence, in the Rondo, of a bell in F sharp. For the
rest, the Concerto in B minor appears less virtuosic
compared to the one in E flat.
Violin Concerto No.2 in B minor was published posthumously (in 1851) in Paris as Op.7 by Schonenberger.
In the Moretti-Sorrento catalogue it is assigned No.48.
The introduction, entrusted to the tutti, is quite long,
although it does not reach the 94 measures of Concerto
No.1. Interesting to note is the use of 12/8 rhythm,
seemingly evidence of a “popular” origin that shows
up again in the Rondo in 6/8, reminiscent of a
Tarantella. But the canvass on which Paganini stitched
his virtuosic embroideries turned out not altogether to
his liking, and this movement was placed at the bottom
of the violinist’s personal classification of his pieces -
13
PAGANINI: VIOLIN CONCERTO NO. 1 IN E FLAT MAJOR
VIOLIN CONCERTO NO. 2 IN B MINOR
Edward Neill
Translated by Daniela Pilarz
he Violin Concerto No.1 was composed
between 1815 and 1816 and published by
Schonenberger in Paris in 1851 as Op.6,
together with an arrangement for violin and piano
that is marked “No.1 of the posthumous works”. In
the Moretti-Sorrento thematic catalogue, the
Concerto is listed as No.21.
Paganini wrote his first Concerto in the tonality of E
flat Major. The four violin strings were tuned half a
tone up, while the orchestra played in E flat. Thus the
solo violin acted as a transposing instrument and it is
very likely that the Concerto was later transcribed in D
Major for that reason. It is interesting to note that, in
the original manuscript, the transposing instruments
(clarinets, trumpets and horns) are all in E flat, which
creates an overall tone-colour result that is quite different from that of a performance in D Major.
Similarly, the tuning up of the violin strings from D to
E flat gave the instrument a more brilliant sound, to
the detriment, perhaps, of the roundness of basses.
The original score calls for chamber-like forces:
strings, and winds that included 1 flute, 2 oboes, 2
clarinets, 1 bassoon, 2 horns, 2 trumpets and 1 trombone. Later Paganini, having come into contact with
symphony orchestras, added instruments, which were
called into action only in the Tutti, contributing to
giving the orchestra a “bigger” sound.
The performance recorded in the present CD, there-
fore, restores both the original tonality and the
orchestral forces devised by Paganini for his first version of the Concerto and corresponds exactly to the
autograph, having been purged of all embellishments
and modifications added in later years and never
written by the composer.
When he set about writing his first large scale concerto, Paganini must have had in mind at least three models: Viotti, Kreutzer and Rode, whose concertos he
was familiar with and used to perform, at times modifying them according to his whim. The first movement, as customary, is a two-theme Allegro, while the
last is a Rondo, the repetitiveness of which is made
more acceptable by resort to technical fireworks.
Between the two outer movements Paganini has a
rather short Adagio, which is a portrait of his introverted nature.
Concerto No.1 opens with an Allegro maestoso no less
than 94 measures long; however, it ought to be
remembered that in Paganini’s day the soloist used
to play also in the Tutti, before launching into his
autonomous part.
The two themes of the movement have contrasting
characters: the first is robust and pronounced, the
second sweet and lyrical. The two themes are
expounded and reintroduced in a sonata-form
Allegro, which was not very congenial to Paganini’s
concept of structure; but he avoided the boredom of
T
12
obbligato passages with a fusillade of virtuosic tricks
and effects, such as double stops of sixths, eighths
and tenths, multiple stops of three notes played
simultaneously, simple and double harmonics.
After such a display of virtuosity, the Adagio provides a providential repose. A short Tutti introduction precedes the entrance of the soloist, who plays a
sweet and melancholic melody that is clearly inspired
by an operatic aria. This movement is thought to
have been inspired by a dramatic scene performed by
famous actor Demarini, interpreting a prisoner who
invoked death as a relief from his suffering.
In the last movement, Allegro spiritoso, Paganini
counters the repetitiveness of the Rondo form with
the pyrotechnics already illustrated in the opening
Allegro, even entrusting an entire passage to the
fourth string.
If, as a rule, a composer’s most successful works are
generally his last, this turned to be not true for
Paganini, whose first Concerto, one of his earliest
compositions, became also one of his most popular
with audiences .
Indeed Concerto No.1 is still very successful, to the
point that it was chosen as a mandatory piece for the
violinists who enter the International Competition
held in Genoa every year.
The idea of tuning the violin strings up by half a tone
did not remain an isolated case. In 1833 Karl Guhr,
who was in contact with Paganini in Frankfurt and
wrote an essay on him which was translated into
many languages (Paganinis Kunst die Violine zu spielen), published a Violin Concerto, entitled Souvenir de
Paganini, which used the same technical device.
The first known performance of Paganini’s Concerto
No.1 in E flat Major took place at Milan’s La Scala
on 7 March 1816, with the composer as soloist.
In a letter from Naples dated 12 December 1826 and
addressed to his Genoese friend Luigi Guglielmo
Germi, Paganini mentioned a concerto “with an
obbligato bell”, that is to say his Concerto in B minor.
Ten years had elapsed since the first Concerto, but in
this long period of time the violinist had been far
from inactive. Aside from his concert engagements,
he had dedicated himself to chamber music, writing
works which were published by Ricordi in 1820 as
five opus numbers: from the Caprices to a series of
Quartets with guitar. He had also composed
Variations for violin and orchestra and a series of
short guitar pieces known as Ghiribizzi.
Despite the time gap that separates them, the two
Concertos present some similarities: not only did
Paganini use the same title for the opening movement (Allegro maestoso), but he also scored the second as the first concerto for equally reduced orchestral forces. The great novelty is represented by the
presence, in the Rondo, of a bell in F sharp. For the
rest, the Concerto in B minor appears less virtuosic
compared to the one in E flat.
Violin Concerto No.2 in B minor was published posthumously (in 1851) in Paris as Op.7 by Schonenberger.
In the Moretti-Sorrento catalogue it is assigned No.48.
The introduction, entrusted to the tutti, is quite long,
although it does not reach the 94 measures of Concerto
No.1. Interesting to note is the use of 12/8 rhythm,
seemingly evidence of a “popular” origin that shows
up again in the Rondo in 6/8, reminiscent of a
Tarantella. But the canvass on which Paganini stitched
his virtuosic embroideries turned out not altogether to
his liking, and this movement was placed at the bottom
of the violinist’s personal classification of his pieces -
13
what today we would call a “hit parade” - while the
famous Rondo of the Bell occupies the upper positions.
The Adagio is once again the forte, indeed despite its
shortness and simplicity. Once more we find the
alternation between minor and Major, with the two
sharps kept as key signature. By writing this Adagio
in D Major – a key that the Romantic aesthetics considered as “optimistic” - Paganini proved, perhaps
unconsciously, that the expressive core of music is
independent from the tonality used. The Adagio
develops sparingly, getting rich in modulations and
passages on the fourth string, which for Paganini
always held a connotation of masculinity.
The Rondo (Andantino, Allegretto moderato), with
the characteristic triangle’s tolling, is the movement
that has made this Concerto famous. Written in the
key of B minor, the Rondo develops along the usual
guidelines, with a Trio which introduces a contrasting note; and it comes to a conclusion not before
having required of the violinist all kinds of technical
acrobatics, including left-hand pizzicato, which was
generally a prerogative of Variations.
The use of the triangle, which is joined by the solo
violin, was hailed as a novelty, although the insertion
of out-of-fashion percussion instruments in a concerto or symphonic contest was generally considered as
vulgar or band-like. So much so that when Liszt
used it in his first Piano Concerto (1855) he caused a
real scandal. Indubitably the Hungarian musician
was directly inspired by Paganini’s Concerto No.2,
having already elaborated for piano the famous
motive in his Etudes d’exécution transcendante d’après
Paganini (1838).
Other variations and fantasias inspired by it, mainly
for piano, were published especially outside of Italy,
sometimes causing the resentment of Paganini who
had re-utilised the same motive in a work for violin
and orchestra, Le Couvent du Mont St.Bernard, and
in a minor piece for voice and piano, E’ pur amabile
la contessina.
The first documented performance of Concerto No.2
in B minor was that of 26 June 1827, at Florence’s
Teatro alla Pergola.
Manuscript of the first movement of Concerto No. 1 (solo part)
14
15
what today we would call a “hit parade” - while the
famous Rondo of the Bell occupies the upper positions.
The Adagio is once again the forte, indeed despite its
shortness and simplicity. Once more we find the
alternation between minor and Major, with the two
sharps kept as key signature. By writing this Adagio
in D Major – a key that the Romantic aesthetics considered as “optimistic” - Paganini proved, perhaps
unconsciously, that the expressive core of music is
independent from the tonality used. The Adagio
develops sparingly, getting rich in modulations and
passages on the fourth string, which for Paganini
always held a connotation of masculinity.
The Rondo (Andantino, Allegretto moderato), with
the characteristic triangle’s tolling, is the movement
that has made this Concerto famous. Written in the
key of B minor, the Rondo develops along the usual
guidelines, with a Trio which introduces a contrasting note; and it comes to a conclusion not before
having required of the violinist all kinds of technical
acrobatics, including left-hand pizzicato, which was
generally a prerogative of Variations.
The use of the triangle, which is joined by the solo
violin, was hailed as a novelty, although the insertion
of out-of-fashion percussion instruments in a concerto or symphonic contest was generally considered as
vulgar or band-like. So much so that when Liszt
used it in his first Piano Concerto (1855) he caused a
real scandal. Indubitably the Hungarian musician
was directly inspired by Paganini’s Concerto No.2,
having already elaborated for piano the famous
motive in his Etudes d’exécution transcendante d’après
Paganini (1838).
Other variations and fantasias inspired by it, mainly
for piano, were published especially outside of Italy,
sometimes causing the resentment of Paganini who
had re-utilised the same motive in a work for violin
and orchestra, Le Couvent du Mont St.Bernard, and
in a minor piece for voice and piano, E’ pur amabile
la contessina.
The first documented performance of Concerto No.2
in B minor was that of 26 June 1827, at Florence’s
Teatro alla Pergola.
Manuscript of the first movement of Concerto No. 1 (solo part)
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15
PAGANINI: KONZERT NR. 1 IN ES-DUR
KONZERT NR. 2 IN H-MOLL
Edward Neill
Übersetzung: Eva Pleus
as Konzert Nr. 1 für Violine und Orchester
wurde zwischen 1815 und 1816 geschrieben
und in Paris vom Verleger Schonenberger
1851 als op. 6 zusammen mit der Bearbeitung für
Violine und Klavier veröffentlicht, welche die
Aufschrift “Nr. 1 der posthumen Werke” trägt. Im
nach Themen geordneten Katalog von MorettiSorrento trägt das Konzert die Nummer 21.
Paganini schrieb dieses sein erster Konzert in der
Tonart Es-Dur. Die vier Saiten der Violine wurden
um einen Halbton höher gestimmt, während das
Orchester in Es-Dur spielte. In diesem Sinne verhielt
sich die Solovioline wie ein transponierendes
Instrument, und dies ist vielleicht der Grund dafür,
daß das Konzert später auf D-Dur transkribiert wurde. Es ist interessant, daß in der ursprünglichen
Fassung die transponierenden Instrumente (Klarinetten, Trompeten und Hörner) alle in Es-Dur stehen. Die daraus entstehende farbliche Mischung
wahr wohl ziemlich verschieden von der in der
Ausführung in D-Dur, so wie die Höherstimmung
der Violinsaiten um einen Halbton (von d auf es)
einen brillanteren Ton gewährleisten sollte, auch
wenn dies auf Kosten eines Verlusts an rundem
Klang bei den tiefen Tönen ging.
Die Originalpartitur weist kammermusikalische
Proportionen auf: Neben den Streichern umfassen
die Bläser 1 Flöte, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 1 Fagott,
2 Hörner, 2 Trompeten und 1 Posaune. Als Paganini
mit Symphonieorchestern Kontakt aufnahm, fügte er
später verstärkende Instrumente hinzu, die aber nur
an den Tuttistellen eingriffen, was allerdings dazu
beitrug, daß das Orchester “lärmend” klang.
Die Wiedergabe auf dieser CD führt somit wieder
die Originaltonart und die Orchesterbesetzung ein,
die Paganini in der ersten Fassung seines Konzerts
Nr. 1 beschlossen hatte.
Als er sich mit dem Konzert in großem Stil maß, hatte Paganini wohl mindestens drei Vorbilder vor
Augen: Viotti, Kreutzer und Rode, deren Konzerte
er kannte und manchmal mit Änderungen nach seinem Geschmack spielte. Im allgemeinen steht der
erste Satz im Zeichen der Form eines bithematischen Allegros und der letzte in dem des Rondos, dessen repetierender Charakter durch den Einsatz eines
Feuerwerks an technischen Beigaben annehmbarer
gemacht wird.
Zwischen die beiden Ecksätze schiebt Paganini ein
im allgemeinen kurz gehaltenes Adagio, welches das
beste Abbild seiner Introspektion darstellt.
In diesem Konzert sieht das einleitende Allegro maestoso eine Orchesterintroduktion von gar 94 Takten
vor, aber vielleicht ist die Feststellung nicht überflüssig, daß der Solist zu Paganinis Zeiten auch bei den
Tutti mitspielte, nach deren Beendigung er seine
Stimme autonom erklingen ließ.
D
16
Die beiden dargelegten Themen sind gegensätzlicher
Natur; das erste ist robust und stark ausgeprägt, das
zweite sanft und expressiv. Die beiden Themen werden nach der Formel des Sonatenallegros abgehandelt und wieder aufgenommen. Dies entsprach dem
Erfindungsgeist Paganinis wenig, der die von den
obligaten Passagen aufgezwungene Langeweile vortrefflich mit einem Lauffeuer von Einfällen und virtuosen Effekten wie Sechsten-, Oktaven-, Dezimenzweiklängen und Dreiklängen, die er gleichzeitig und
nicht nacheinander spielte, einfachen und doppelten
Obertönen umging.
Das Adagio fungiert nach einem derartigen Aufgebot
an Mitteln als geeignete Einfügung. Nach einer kurzen Präambel der Tutti spielt der Solist eine deutlich
an der Opernarie inspirierte, süße, melancholische
Melodie. Es heißt, daß dieser Satz von einer dramatischen Szene inspiriert wurde, in welcher der
berühmte Schauspieler Demartini einen Gefangenen
interpretierte, der den Tod als Befreiung von seinen
Leiden herbeifleht.
Im letzten Satz, Allegro spiritoso, reagiert Paganini
auf die abgenutzte, repetierende Form des Rondos
durch Einsatz der feuerwerksartigen Lösungen, wie
sie bereits im Allegro des Beginns als Beispiel angeführt wurden, wobei es auch zu einer gänzlich der
vierten Saite anvertrauten Passage kommt.
Waren es bei den Musikern, die Paganinis Zeitgenossen waren, im allgemeinen die letzten Werke,
die den größten Erfolg hatten, so war es bei unserem
Geiger eine der ersten, die zu den beliebtesten und
geschätztesten gehörte. Das Konzert Nr. 1 genießt ja
auch heute noch große Popularität und wurde überdies zu einem der Pflichtstücke des berühmten
Internationalen Wettbewerbns, der alljährlich in
Genua stattfindet.
Der Einfall der Höherstimmung der vier Violinsaiten
um einen Halbton steht nicht allein da. Karl Guhr,
der mit Paganini in Frankfuit in Verbindung stand
und über ihn eine in mehrere Sprachen übersetzte
Abhandlung schrieb (Paganinis Kunst die Violine zu
spielen), brachte 1833 ein Konzert für Violine und
Orchester mit dem Titel Souvenir de Paganini heraus,
das sich der gleichen Praxis bediente.
Die einzige sichere Nachricht über die Uraufführung
von Paganinis Konzert Nr. 1 in Es-Dur ist das
Datum des 7. März 1816 mit dem Orchester der
Mailänder Scala und dem Komponisten als Solisten.
In einem aus Neapel am 12. Dezember 1826 an den
Genueser Freund Luigi Guglielmo Germi gerichteten Brief bezieht sich Paganini auf ein Konzert “mit
einem obligaten Glöckche” und damit auf das zweite
in h-Moll.
Seit der Komposition des ersten sind also zehn Jahre
vergangen, doch ist es nicht so, daß der Geiger in
dieser nicht unbeträchtlichen Zeitspanne untätig
gewesen wäre. Neben den Konzertverpflichtungen
hatte er sich erfolgreich der Komposition von
Kammermusik gewidmet, die Ricordi 1820 mit fünf
Opuszahlen veröffentlichte, beginnend mit den
Capriccios und endend mit einer Reihe von
Quartetten für Streicher und Gitarre. Zu diesen
Werken gesellen sich Variationen für Violine und
Orchester und eine Reihe kurzer, als Ghiribizzi
bekannter Stücke für Gitarre.
Trotz der inzwischen verflossenen Zeit scheint
Paganini mit dem vorangegangenen Konzert eine
Verbindung aufrecht zu erhalten. Dies nicht nur
durch den gleichen Titel für den ersten Satz (Allegro
17
PAGANINI: KONZERT NR. 1 IN ES-DUR
KONZERT NR. 2 IN H-MOLL
Edward Neill
Übersetzung: Eva Pleus
as Konzert Nr. 1 für Violine und Orchester
wurde zwischen 1815 und 1816 geschrieben
und in Paris vom Verleger Schonenberger
1851 als op. 6 zusammen mit der Bearbeitung für
Violine und Klavier veröffentlicht, welche die
Aufschrift “Nr. 1 der posthumen Werke” trägt. Im
nach Themen geordneten Katalog von MorettiSorrento trägt das Konzert die Nummer 21.
Paganini schrieb dieses sein erster Konzert in der
Tonart Es-Dur. Die vier Saiten der Violine wurden
um einen Halbton höher gestimmt, während das
Orchester in Es-Dur spielte. In diesem Sinne verhielt
sich die Solovioline wie ein transponierendes
Instrument, und dies ist vielleicht der Grund dafür,
daß das Konzert später auf D-Dur transkribiert wurde. Es ist interessant, daß in der ursprünglichen
Fassung die transponierenden Instrumente (Klarinetten, Trompeten und Hörner) alle in Es-Dur stehen. Die daraus entstehende farbliche Mischung
wahr wohl ziemlich verschieden von der in der
Ausführung in D-Dur, so wie die Höherstimmung
der Violinsaiten um einen Halbton (von d auf es)
einen brillanteren Ton gewährleisten sollte, auch
wenn dies auf Kosten eines Verlusts an rundem
Klang bei den tiefen Tönen ging.
Die Originalpartitur weist kammermusikalische
Proportionen auf: Neben den Streichern umfassen
die Bläser 1 Flöte, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 1 Fagott,
2 Hörner, 2 Trompeten und 1 Posaune. Als Paganini
mit Symphonieorchestern Kontakt aufnahm, fügte er
später verstärkende Instrumente hinzu, die aber nur
an den Tuttistellen eingriffen, was allerdings dazu
beitrug, daß das Orchester “lärmend” klang.
Die Wiedergabe auf dieser CD führt somit wieder
die Originaltonart und die Orchesterbesetzung ein,
die Paganini in der ersten Fassung seines Konzerts
Nr. 1 beschlossen hatte.
Als er sich mit dem Konzert in großem Stil maß, hatte Paganini wohl mindestens drei Vorbilder vor
Augen: Viotti, Kreutzer und Rode, deren Konzerte
er kannte und manchmal mit Änderungen nach seinem Geschmack spielte. Im allgemeinen steht der
erste Satz im Zeichen der Form eines bithematischen Allegros und der letzte in dem des Rondos, dessen repetierender Charakter durch den Einsatz eines
Feuerwerks an technischen Beigaben annehmbarer
gemacht wird.
Zwischen die beiden Ecksätze schiebt Paganini ein
im allgemeinen kurz gehaltenes Adagio, welches das
beste Abbild seiner Introspektion darstellt.
In diesem Konzert sieht das einleitende Allegro maestoso eine Orchesterintroduktion von gar 94 Takten
vor, aber vielleicht ist die Feststellung nicht überflüssig, daß der Solist zu Paganinis Zeiten auch bei den
Tutti mitspielte, nach deren Beendigung er seine
Stimme autonom erklingen ließ.
D
16
Die beiden dargelegten Themen sind gegensätzlicher
Natur; das erste ist robust und stark ausgeprägt, das
zweite sanft und expressiv. Die beiden Themen werden nach der Formel des Sonatenallegros abgehandelt und wieder aufgenommen. Dies entsprach dem
Erfindungsgeist Paganinis wenig, der die von den
obligaten Passagen aufgezwungene Langeweile vortrefflich mit einem Lauffeuer von Einfällen und virtuosen Effekten wie Sechsten-, Oktaven-, Dezimenzweiklängen und Dreiklängen, die er gleichzeitig und
nicht nacheinander spielte, einfachen und doppelten
Obertönen umging.
Das Adagio fungiert nach einem derartigen Aufgebot
an Mitteln als geeignete Einfügung. Nach einer kurzen Präambel der Tutti spielt der Solist eine deutlich
an der Opernarie inspirierte, süße, melancholische
Melodie. Es heißt, daß dieser Satz von einer dramatischen Szene inspiriert wurde, in welcher der
berühmte Schauspieler Demartini einen Gefangenen
interpretierte, der den Tod als Befreiung von seinen
Leiden herbeifleht.
Im letzten Satz, Allegro spiritoso, reagiert Paganini
auf die abgenutzte, repetierende Form des Rondos
durch Einsatz der feuerwerksartigen Lösungen, wie
sie bereits im Allegro des Beginns als Beispiel angeführt wurden, wobei es auch zu einer gänzlich der
vierten Saite anvertrauten Passage kommt.
Waren es bei den Musikern, die Paganinis Zeitgenossen waren, im allgemeinen die letzten Werke,
die den größten Erfolg hatten, so war es bei unserem
Geiger eine der ersten, die zu den beliebtesten und
geschätztesten gehörte. Das Konzert Nr. 1 genießt ja
auch heute noch große Popularität und wurde überdies zu einem der Pflichtstücke des berühmten
Internationalen Wettbewerbns, der alljährlich in
Genua stattfindet.
Der Einfall der Höherstimmung der vier Violinsaiten
um einen Halbton steht nicht allein da. Karl Guhr,
der mit Paganini in Frankfuit in Verbindung stand
und über ihn eine in mehrere Sprachen übersetzte
Abhandlung schrieb (Paganinis Kunst die Violine zu
spielen), brachte 1833 ein Konzert für Violine und
Orchester mit dem Titel Souvenir de Paganini heraus,
das sich der gleichen Praxis bediente.
Die einzige sichere Nachricht über die Uraufführung
von Paganinis Konzert Nr. 1 in Es-Dur ist das
Datum des 7. März 1816 mit dem Orchester der
Mailänder Scala und dem Komponisten als Solisten.
In einem aus Neapel am 12. Dezember 1826 an den
Genueser Freund Luigi Guglielmo Germi gerichteten Brief bezieht sich Paganini auf ein Konzert “mit
einem obligaten Glöckche” und damit auf das zweite
in h-Moll.
Seit der Komposition des ersten sind also zehn Jahre
vergangen, doch ist es nicht so, daß der Geiger in
dieser nicht unbeträchtlichen Zeitspanne untätig
gewesen wäre. Neben den Konzertverpflichtungen
hatte er sich erfolgreich der Komposition von
Kammermusik gewidmet, die Ricordi 1820 mit fünf
Opuszahlen veröffentlichte, beginnend mit den
Capriccios und endend mit einer Reihe von
Quartetten für Streicher und Gitarre. Zu diesen
Werken gesellen sich Variationen für Violine und
Orchester und eine Reihe kurzer, als Ghiribizzi
bekannter Stücke für Gitarre.
Trotz der inzwischen verflossenen Zeit scheint
Paganini mit dem vorangegangenen Konzert eine
Verbindung aufrecht zu erhalten. Dies nicht nur
durch den gleichen Titel für den ersten Satz (Allegro
17
maestoso), sondern auch durch Einsatz der selben
kleinen Besetzung. Die große Neuheit besteht aus
einem im Rondo auftauchenden Glöckchen in fis. Im
übrigen scheint das Konzert in h-Moll im Vergleich
zu dem in Es-Dur virtuose Lösungen einzuschränken.
Das Konzert Nr. 2 in h-Moll wurde von Schonenberger in Paris 1851 posthum als op. 7 veröffentlicht.
Der Themenkatalog Moretti-Sorrento verleiht ihm
die Nummer. 48.
Die den Tutti anvertraute Einleitung ist wie im
Ersten Konzert ziemlich weitläufig, erreicht aber die
94 Takte seines Mitbruders nicht. Interessant ist
aber die Verwendung des 12/8-Takts, der einen
volkstümlichen Ursprung anzuzeigen scheint und
dann als 6/8 im Rondo wiederkehrt, als wollte er auf
den gleichen Rhythmus der Tarantella verweisen.
Die Leinwand, auf welcher Paganini seine virtuosen
Zutaten aufträgt, erscheint aber nicht als ganz geeignet. Tatsächlich erscheint dieser erste Satz auf den
letzten Rängen, die der Geiger auf einem von ihm
selbst verfaßten Stückverzeichnis zu vergeben hatte,
das auf einer Beliebtheitsskala basiert, während das
bereits berühmte Rondo der Campanella auf den
ersten zu finden ist.
Das Adagio bleibt trotz der seine Natur und seinen
Charakter prägenden Kürze und Einfachheit weiterhin das unbestrittene Zugstück. Auch in diesem wie
in vielen anderen Fällen wird aber die Abwechslung
zwischen Dur und Moll (und natürlich auch umgekehrt) weiter beachtet, obwohl die gleichen
Alterationen, die beiden üblichen Kreuze im
Schlüssel, beibehalten werden. Aber auch wenn er
ein Adagio in D-Dur, einer von der alten romantischen Ästhetik als optimistisch betrachteten Tonart,
schreibt, zeigt Paganini -vielleicht unbewußt - daß
der expressive Gehalt der Musik von der Tonart
unabhängig ist. Das Adagio bewegt sich also mit
äußerster Mäßigung und wird um Modulationen und
Passagen für die vierte Saite bereichert, die für
Paganini immer die Behauptung eines männlichen
Timbres darstellt.
Das Rondo (Andantino, Allegretto moderato) mit seinen charakteristischen Triangelschlägen ist der Satz,
der dazu beigetragen hat, das ganze Konzert
berühmt zu machen. In der Grundtonart h-Moll
angelegt, entwickelt sich das Rondo längs des typischen obligaten Wegs und findet auch einem eine
Kontrastnote einführenden Trio. Und das Ganze
schließt mit nicht wenigen Zugeständnissen an
Paganinis seiltänzerhafte Technik, die im abschließenden Teil das im allgemeinen den Variationen
vorbehaltene Pizzikato mit der linken Hand zitiert.
Die Verwendung des Triangels, das sich auch zur
Solovioline gesellt, wurde als Neuheit begrüßt,
obwohl die Einfügung unüblicher Schlaginstrumente
in einen Konzert- bzw. symphonischen Umfeld im
allgemeinen als vulgär und einer Musikkapelle angemessen betrachtet wurde. Es war ja auch so, daß es
zu einem echten Skandal kam, als Liszt das
Instrument in seinem Ersten Konzert für Klavier
und Orchester (1855) verwendete. Zweifellos hatte
der ungarische Komponist seine Anregung direkt
Paganinis Konzert Nr. 2 entnommen, wobei er das
berühmnte Motiv in seinen Studien der transzendenten Wiedergabe (1838) zunächst für das Klavier bearbeitete.
Weitere Variationen und Phantasien, großteils für
Klavier, wurden vor allem im Ausland veröffentlicht
und riefen in einigen Fällen Paganinis Mißbilligung
18
hervor. Dieser hatte das selbe Motiv unter anderem
in einer Komposition für Violine und Orchester, Le
Couvent du Mont St. Bernard, und für ein unbedeutendes Stück für Gesang und Klavier, E’ pur amabile
la contessina, wiederverwendet.
Das erste belegte Dtaum einer öffentlichen
Aufführung des Konzerts Nr. 2 in h-Moll ist der 26.
Juni 1827 im Florentiner Teatro alla Pergola.
19
maestoso), sondern auch durch Einsatz der selben
kleinen Besetzung. Die große Neuheit besteht aus
einem im Rondo auftauchenden Glöckchen in fis. Im
übrigen scheint das Konzert in h-Moll im Vergleich
zu dem in Es-Dur virtuose Lösungen einzuschränken.
Das Konzert Nr. 2 in h-Moll wurde von Schonenberger in Paris 1851 posthum als op. 7 veröffentlicht.
Der Themenkatalog Moretti-Sorrento verleiht ihm
die Nummer. 48.
Die den Tutti anvertraute Einleitung ist wie im
Ersten Konzert ziemlich weitläufig, erreicht aber die
94 Takte seines Mitbruders nicht. Interessant ist
aber die Verwendung des 12/8-Takts, der einen
volkstümlichen Ursprung anzuzeigen scheint und
dann als 6/8 im Rondo wiederkehrt, als wollte er auf
den gleichen Rhythmus der Tarantella verweisen.
Die Leinwand, auf welcher Paganini seine virtuosen
Zutaten aufträgt, erscheint aber nicht als ganz geeignet. Tatsächlich erscheint dieser erste Satz auf den
letzten Rängen, die der Geiger auf einem von ihm
selbst verfaßten Stückverzeichnis zu vergeben hatte,
das auf einer Beliebtheitsskala basiert, während das
bereits berühmte Rondo der Campanella auf den
ersten zu finden ist.
Das Adagio bleibt trotz der seine Natur und seinen
Charakter prägenden Kürze und Einfachheit weiterhin das unbestrittene Zugstück. Auch in diesem wie
in vielen anderen Fällen wird aber die Abwechslung
zwischen Dur und Moll (und natürlich auch umgekehrt) weiter beachtet, obwohl die gleichen
Alterationen, die beiden üblichen Kreuze im
Schlüssel, beibehalten werden. Aber auch wenn er
ein Adagio in D-Dur, einer von der alten romantischen Ästhetik als optimistisch betrachteten Tonart,
schreibt, zeigt Paganini -vielleicht unbewußt - daß
der expressive Gehalt der Musik von der Tonart
unabhängig ist. Das Adagio bewegt sich also mit
äußerster Mäßigung und wird um Modulationen und
Passagen für die vierte Saite bereichert, die für
Paganini immer die Behauptung eines männlichen
Timbres darstellt.
Das Rondo (Andantino, Allegretto moderato) mit seinen charakteristischen Triangelschlägen ist der Satz,
der dazu beigetragen hat, das ganze Konzert
berühmt zu machen. In der Grundtonart h-Moll
angelegt, entwickelt sich das Rondo längs des typischen obligaten Wegs und findet auch einem eine
Kontrastnote einführenden Trio. Und das Ganze
schließt mit nicht wenigen Zugeständnissen an
Paganinis seiltänzerhafte Technik, die im abschließenden Teil das im allgemeinen den Variationen
vorbehaltene Pizzikato mit der linken Hand zitiert.
Die Verwendung des Triangels, das sich auch zur
Solovioline gesellt, wurde als Neuheit begrüßt,
obwohl die Einfügung unüblicher Schlaginstrumente
in einen Konzert- bzw. symphonischen Umfeld im
allgemeinen als vulgär und einer Musikkapelle angemessen betrachtet wurde. Es war ja auch so, daß es
zu einem echten Skandal kam, als Liszt das
Instrument in seinem Ersten Konzert für Klavier
und Orchester (1855) verwendete. Zweifellos hatte
der ungarische Komponist seine Anregung direkt
Paganinis Konzert Nr. 2 entnommen, wobei er das
berühmnte Motiv in seinen Studien der transzendenten Wiedergabe (1838) zunächst für das Klavier bearbeitete.
Weitere Variationen und Phantasien, großteils für
Klavier, wurden vor allem im Ausland veröffentlicht
und riefen in einigen Fällen Paganinis Mißbilligung
18
hervor. Dieser hatte das selbe Motiv unter anderem
in einer Komposition für Violine und Orchester, Le
Couvent du Mont St. Bernard, und für ein unbedeutendes Stück für Gesang und Klavier, E’ pur amabile
la contessina, wiederverwendet.
Das erste belegte Dtaum einer öffentlichen
Aufführung des Konzerts Nr. 2 in h-Moll ist der 26.
Juni 1827 im Florentiner Teatro alla Pergola.
19
PAGANINI: CONCERTO N° 1 EN MI BEMOL MAJEUR
CONCERTO N° 2 EN SI MINEUR
Edward Neill
Traduit par Cécile Viars
e Concerto n°1 pour violon et orchestre fut
composé entre 1815 et 1816 et publié à Paris
en 1851 par l’éditeur Schonenberger, sous le
numéro d’opus 6, en même temps que la réduction
pour violon et piano portant l’indication “ n°1 des
œuvres posthumes ”. Dans le catalogue thématique
Moretti-Sorrento, le Concerto en question porte le
numéro 21.
Paganini composa ce premier Concerto dans la tonalité du mi bémol majeur. Les quatre cordes du violon
étaient haussées d’un demi-ton tandis que l’orchestre
jouait en mi bémol. Le violon soliste se comportait
donc comme un transpositeur. Et c’est sans doute
pour cette raison que le Concerto fut ensuite transcrit en ré majeur. L’on remarquera que, dans la partition originale, les transpositeurs (clarinettes, trompettes et cors) sont tous en mi bémol, et l’amalgame
de timbres qui en résulte devait être assez éloigné de
celui que présente l’exécution en ré majeur, de
même que la hausse d’un demi-ton des cordes du
violon (de ré à mi bémol) devait garantir un son plus
brillant, au risque d’y perdre en rondeurs dans les
sons graves.
La partition originale présente des proportions
caractéristiques de la musique de chambre : à part
les cordes, les instruments à vent comprennent une
flûte, deux hautbois, deux clarinettes, un basson,
deux cors, deux trompettes et un trombone. Au
contact d’orchestres de type symphonique, Paganini
ajouta des instruments de renfort qui n’intervenaient
cependant que dans les tutti, contribuant néanmoins
à étoffer l’orchestre.
L’exécution présentée dans cet enregistrement
reprend donc et la tonalité originale et l’effectif
orchestral choisis par Paganini dans la première version de son Concerto n° 1.
En s’attaquant aux grands concertos, Paganini devait
déjà avoir en tête au moins trois modèles : Viotti,
Kreutzer et Rode, dont il connaissait et exécutait les
Concertos, en les modifiant parfois à son goût. D’une
manière générale, le premier mouvement reprend la
forme de l’Allegro à deux thèmes, et le dernier celui
du Rondò, dont le caractère répétitif est rendu plus
acceptable par le recours à des éléments techniques
d’une grande virtuosité.
Entre les deux mouvements extrêmes Paganini place
un Adagio généralement de courte durée qui représente la meilleure expression de son introversion.
Dans ce Concerto, l’Allegro maestoso initial comprend une introduction orchestrale de 94 mesures,
mais il est sans doute inutile de rappeler qu’à l’époque de Paganini le soliste jouait aussi les tutti, après
lesquels il faisait entendre sa voix de façon autonome.
Les deux thèmes énoncés présentent des caractères
opposés : le premier est robuste et bien marqué, le
L
20
second doux et expressif. Ils sont développés et
représentés suivant la formule de l’Allegro de la
sonate, qui convient peu à l’esprit constructif de
Paganini ; celui-ci fait remarquablement face à l’ennui imposé par les passages obligés, en proposant
une suite d’inventions et d’effets virtuoses, comme
les accords de sixtes, de huitièmes, de dixièmes, à
trois cordes qu’il exécutait simultanément et non pas
à la suite, les harmoniques simples et doubles.
L’Adagio fait fonction de parenthèse opportune
après un tel déploiement de moyens. Après une
brève introduction des tutti, le soliste aborde une
mélodie douce et mélancolique qui s’inspire clairement des airs d’opéra. L’histoire veut que l’auteur,
en composant ce mouvement, se soit inspiré d’une
scène dramatique dans laquelle le célèbre acteur
Demarini interprétait un prisonnier qui invoquait la
mort afin de le libérer de ses souffrances.
Dans le dernier mouvement, Allegro spiritoso,
Paganini réagit à la forme usée et répétitive du
Rondò en faisant appel aux acrobaties virtuoses déjà
employées dans l’Allegro initial et en proposant
également un passage entièrement confié à la quatrième corde.
Contrairement aux musiciens contemporains de
Paganini dont les dernières compositions étaient en
général celles qui remportaient le plus de succès, le
violoniste fut particulièrement apprécié et applaudi
pour l’une de ses premières œuvres ; de fait, le
Concerto n°1 jouit encore d’une grande popularité,
ayant même été inclus dans les morceaux obligatoires du célèbre Concours international organisé
chaque année à Gênes.
L’idée de hausser d’un demi-ton les quatre cordes du
violon ne fut pas un fait isolé. En 1833 Karl Guhr,
qui rencontra Paganini à Francfort et écrivit sur lui
un traité traduit en plusieurs langues (Paganinis
Kunst die Violine zu spielen), utilisa lui aussi la scordatura dans son Concerto pour violon et orchestre
intitulé Souvenir de Paganini.
Concernant la première exécution du Concerto n°1
en mi bémol majeur de Paganini, la seule date certaine reste celle du 7 mars 1816, la partie soliste étant
interprétée par l’auteur lui-même accompagné de
l’orchestre du Teatro alla Scala de Milan.
Dans une lettre expédiée de Naples le 12 décembre
1826 et adressée à son ami génois Luigi Guglielmo
Germi, Paganini fait allusion à un concerto avec
“ clochette obbligato ”, se référant donc au second en
si mineur.
Dix ans se sont donc écoulés depuis la composition
du premier concerto, mais le violoniste n’est pas
resté inactif pendant cette période. Mis à part les
concerts, il s’est consacré à la musique de chambre,
publiée chez Ricordi dès 1820 sous cinq numéros
d’opus, à commencer par les Capricci pour finir par
une série de Quatuors pour cordes et guitare. Il faut
ajouter à ces œuvres les Variations pour violon et
orchestre ainsi qu’une série de courts morceaux pour
guitare connus sous le nom de Ghiribizzi.
En dépit des années passées, Paganini semble vouloir maintenir un lien avec le Concerto précédent,
non seulement en donnant le même titre au premier
mouvement (Allegro maestoso) mais aussi en utilisant
le même effectif réduit. La véritable nouveauté est
représentée par la présence dans le Rondò d’une clochette en fa dièse. Pour le reste, le Concerto en si
mineur semble limiter, par rapport à celui en mi
bémol, les effets virtuoses.
21
PAGANINI: CONCERTO N° 1 EN MI BEMOL MAJEUR
CONCERTO N° 2 EN SI MINEUR
Edward Neill
Traduit par Cécile Viars
e Concerto n°1 pour violon et orchestre fut
composé entre 1815 et 1816 et publié à Paris
en 1851 par l’éditeur Schonenberger, sous le
numéro d’opus 6, en même temps que la réduction
pour violon et piano portant l’indication “ n°1 des
œuvres posthumes ”. Dans le catalogue thématique
Moretti-Sorrento, le Concerto en question porte le
numéro 21.
Paganini composa ce premier Concerto dans la tonalité du mi bémol majeur. Les quatre cordes du violon
étaient haussées d’un demi-ton tandis que l’orchestre
jouait en mi bémol. Le violon soliste se comportait
donc comme un transpositeur. Et c’est sans doute
pour cette raison que le Concerto fut ensuite transcrit en ré majeur. L’on remarquera que, dans la partition originale, les transpositeurs (clarinettes, trompettes et cors) sont tous en mi bémol, et l’amalgame
de timbres qui en résulte devait être assez éloigné de
celui que présente l’exécution en ré majeur, de
même que la hausse d’un demi-ton des cordes du
violon (de ré à mi bémol) devait garantir un son plus
brillant, au risque d’y perdre en rondeurs dans les
sons graves.
La partition originale présente des proportions
caractéristiques de la musique de chambre : à part
les cordes, les instruments à vent comprennent une
flûte, deux hautbois, deux clarinettes, un basson,
deux cors, deux trompettes et un trombone. Au
contact d’orchestres de type symphonique, Paganini
ajouta des instruments de renfort qui n’intervenaient
cependant que dans les tutti, contribuant néanmoins
à étoffer l’orchestre.
L’exécution présentée dans cet enregistrement
reprend donc et la tonalité originale et l’effectif
orchestral choisis par Paganini dans la première version de son Concerto n° 1.
En s’attaquant aux grands concertos, Paganini devait
déjà avoir en tête au moins trois modèles : Viotti,
Kreutzer et Rode, dont il connaissait et exécutait les
Concertos, en les modifiant parfois à son goût. D’une
manière générale, le premier mouvement reprend la
forme de l’Allegro à deux thèmes, et le dernier celui
du Rondò, dont le caractère répétitif est rendu plus
acceptable par le recours à des éléments techniques
d’une grande virtuosité.
Entre les deux mouvements extrêmes Paganini place
un Adagio généralement de courte durée qui représente la meilleure expression de son introversion.
Dans ce Concerto, l’Allegro maestoso initial comprend une introduction orchestrale de 94 mesures,
mais il est sans doute inutile de rappeler qu’à l’époque de Paganini le soliste jouait aussi les tutti, après
lesquels il faisait entendre sa voix de façon autonome.
Les deux thèmes énoncés présentent des caractères
opposés : le premier est robuste et bien marqué, le
L
20
second doux et expressif. Ils sont développés et
représentés suivant la formule de l’Allegro de la
sonate, qui convient peu à l’esprit constructif de
Paganini ; celui-ci fait remarquablement face à l’ennui imposé par les passages obligés, en proposant
une suite d’inventions et d’effets virtuoses, comme
les accords de sixtes, de huitièmes, de dixièmes, à
trois cordes qu’il exécutait simultanément et non pas
à la suite, les harmoniques simples et doubles.
L’Adagio fait fonction de parenthèse opportune
après un tel déploiement de moyens. Après une
brève introduction des tutti, le soliste aborde une
mélodie douce et mélancolique qui s’inspire clairement des airs d’opéra. L’histoire veut que l’auteur,
en composant ce mouvement, se soit inspiré d’une
scène dramatique dans laquelle le célèbre acteur
Demarini interprétait un prisonnier qui invoquait la
mort afin de le libérer de ses souffrances.
Dans le dernier mouvement, Allegro spiritoso,
Paganini réagit à la forme usée et répétitive du
Rondò en faisant appel aux acrobaties virtuoses déjà
employées dans l’Allegro initial et en proposant
également un passage entièrement confié à la quatrième corde.
Contrairement aux musiciens contemporains de
Paganini dont les dernières compositions étaient en
général celles qui remportaient le plus de succès, le
violoniste fut particulièrement apprécié et applaudi
pour l’une de ses premières œuvres ; de fait, le
Concerto n°1 jouit encore d’une grande popularité,
ayant même été inclus dans les morceaux obligatoires du célèbre Concours international organisé
chaque année à Gênes.
L’idée de hausser d’un demi-ton les quatre cordes du
violon ne fut pas un fait isolé. En 1833 Karl Guhr,
qui rencontra Paganini à Francfort et écrivit sur lui
un traité traduit en plusieurs langues (Paganinis
Kunst die Violine zu spielen), utilisa lui aussi la scordatura dans son Concerto pour violon et orchestre
intitulé Souvenir de Paganini.
Concernant la première exécution du Concerto n°1
en mi bémol majeur de Paganini, la seule date certaine reste celle du 7 mars 1816, la partie soliste étant
interprétée par l’auteur lui-même accompagné de
l’orchestre du Teatro alla Scala de Milan.
Dans une lettre expédiée de Naples le 12 décembre
1826 et adressée à son ami génois Luigi Guglielmo
Germi, Paganini fait allusion à un concerto avec
“ clochette obbligato ”, se référant donc au second en
si mineur.
Dix ans se sont donc écoulés depuis la composition
du premier concerto, mais le violoniste n’est pas
resté inactif pendant cette période. Mis à part les
concerts, il s’est consacré à la musique de chambre,
publiée chez Ricordi dès 1820 sous cinq numéros
d’opus, à commencer par les Capricci pour finir par
une série de Quatuors pour cordes et guitare. Il faut
ajouter à ces œuvres les Variations pour violon et
orchestre ainsi qu’une série de courts morceaux pour
guitare connus sous le nom de Ghiribizzi.
En dépit des années passées, Paganini semble vouloir maintenir un lien avec le Concerto précédent,
non seulement en donnant le même titre au premier
mouvement (Allegro maestoso) mais aussi en utilisant
le même effectif réduit. La véritable nouveauté est
représentée par la présence dans le Rondò d’une clochette en fa dièse. Pour le reste, le Concerto en si
mineur semble limiter, par rapport à celui en mi
bémol, les effets virtuoses.
21
Le Concerto n°2 en si mineur fut publié en 1851 à titre posthume sous le numéro d’opus 7 par Schonenberger, à Paris. Le Catalogue thématique MorettiSorrento lui attribue le numéro 48.
L’introduction confiée au tutti est semblable à celle
du Concerto n°1, sans être pourtant aussi longue.
L’on remarquera néanmoins avec intérêt l’emploi du
rythme en 12/8 qui semble dénoter une origine
“populaire ” que l’on retrouve plus loin dans le
Rondò en 6/8, qui rappelle presque celui de la
Tarentella. Pourtant la toile sur laquelle Paganini
brode ses effets virtuoses ne paraît pas vraiment
appropriée, si bien que ce premier mouvement figure aux dernières places dans une liste qu’il dressa luimême en fonction de ce que l’on définirait aujourd’hui un “ indice d’appréciation ”, tandis que le
désormais célèbre Rondò à la clochette se situe dans
les premiers rangs.
L’Adagio demeure le mouvement dominant, jamais
discutable malgré la brièveté et la sobriété qui distinguent sa nature et son caractère. Mais dans ce cas
comme dans de nombreux autres, l’alternance des
modes mineur et majeur est aussi présente tout en
conservant les mêmes altérations, les deux fatidiques
dièses. Mais même en écrivant un Adagio en ré
majeur, tonalité que l’ancienne esthétique romantique considérait comme “ optimiste ”, Paganini
prouve — sans doute inconsciemment — que le contenu expressif de la musique est indépendant de la
tonalité. L’Adagio est donc développé avec une grande parcimonie, et enrichi de modulations et de passages pour la quatrième corde qui, aux yeux de
Paganini, représente toujours l’affirmation d’un timbre masculin.
Le Rondò (Andantino, Allegretto moderato) avec ses
22
tintements caractéristiques du triangle, est le mouvement qui a donné au Concerto sa célébrité. Conçu
dans la tonalité de base du si mineur, le Rondò est
développé selon le schéma traditionnel et inclut
même un Trio qui introduit une note de contraste.
L’ensemble s’achève par une profusion d’acrobaties
virtuoses typiques de Paganini qui, dans la partie
finale, prévoit un pizzicato avec la main gauche habituellement réservé aux Variations. Le recours au triangle associé au violon soliste fut salué comme une
nouveauté, bien que l’emploi d’instruments à percussion désuets dans des concertos ou des symphonies
fût généralement considéré comme vulgaire et digne
d’une fanfare. Si bien que quand Liszt l’utilisa dans
son Concerto n°1 pour piano et orchestre (1855), il
provoqua un véritable scandale. Il ne fait aucun doute que le musicien hongrois s’était directement
inspiré du Concerto n°2 de Paganini en écrivant pour
le piano le célèbre thème dans ses Etudes d’exécution
transcendante (1838).
D’autres variations et fantaisies, la plupart pour piano, furent publiées principalement à l’étranger, suscitant dans certains cas la réprobation de Paganini
qui avait de son côté utilisé le même thème dans une
autre composition pour violon et orchestre, Le
Couvent du Mont Saint Bernard et dans une pièce
insignifiante pour voix et piano, E’ pur amabile la
contessina.
Le Concerto n°2 en si mineur fut exécuté pour la première fois le 26 juin 1827 au Teatro alla Pergola de
Florence.
23
Le Concerto n°2 en si mineur fut publié en 1851 à titre posthume sous le numéro d’opus 7 par Schonenberger, à Paris. Le Catalogue thématique MorettiSorrento lui attribue le numéro 48.
L’introduction confiée au tutti est semblable à celle
du Concerto n°1, sans être pourtant aussi longue.
L’on remarquera néanmoins avec intérêt l’emploi du
rythme en 12/8 qui semble dénoter une origine
“populaire ” que l’on retrouve plus loin dans le
Rondò en 6/8, qui rappelle presque celui de la
Tarentella. Pourtant la toile sur laquelle Paganini
brode ses effets virtuoses ne paraît pas vraiment
appropriée, si bien que ce premier mouvement figure aux dernières places dans une liste qu’il dressa luimême en fonction de ce que l’on définirait aujourd’hui un “ indice d’appréciation ”, tandis que le
désormais célèbre Rondò à la clochette se situe dans
les premiers rangs.
L’Adagio demeure le mouvement dominant, jamais
discutable malgré la brièveté et la sobriété qui distinguent sa nature et son caractère. Mais dans ce cas
comme dans de nombreux autres, l’alternance des
modes mineur et majeur est aussi présente tout en
conservant les mêmes altérations, les deux fatidiques
dièses. Mais même en écrivant un Adagio en ré
majeur, tonalité que l’ancienne esthétique romantique considérait comme “ optimiste ”, Paganini
prouve — sans doute inconsciemment — que le contenu expressif de la musique est indépendant de la
tonalité. L’Adagio est donc développé avec une grande parcimonie, et enrichi de modulations et de passages pour la quatrième corde qui, aux yeux de
Paganini, représente toujours l’affirmation d’un timbre masculin.
Le Rondò (Andantino, Allegretto moderato) avec ses
22
tintements caractéristiques du triangle, est le mouvement qui a donné au Concerto sa célébrité. Conçu
dans la tonalité de base du si mineur, le Rondò est
développé selon le schéma traditionnel et inclut
même un Trio qui introduit une note de contraste.
L’ensemble s’achève par une profusion d’acrobaties
virtuoses typiques de Paganini qui, dans la partie
finale, prévoit un pizzicato avec la main gauche habituellement réservé aux Variations. Le recours au triangle associé au violon soliste fut salué comme une
nouveauté, bien que l’emploi d’instruments à percussion désuets dans des concertos ou des symphonies
fût généralement considéré comme vulgaire et digne
d’une fanfare. Si bien que quand Liszt l’utilisa dans
son Concerto n°1 pour piano et orchestre (1855), il
provoqua un véritable scandale. Il ne fait aucun doute que le musicien hongrois s’était directement
inspiré du Concerto n°2 de Paganini en écrivant pour
le piano le célèbre thème dans ses Etudes d’exécution
transcendante (1838).
D’autres variations et fantaisies, la plupart pour piano, furent publiées principalement à l’étranger, suscitant dans certains cas la réprobation de Paganini
qui avait de son côté utilisé le même thème dans une
autre composition pour violon et orchestre, Le
Couvent du Mont Saint Bernard et dans une pièce
insignifiante pour voix et piano, E’ pur amabile la
contessina.
Le Concerto n°2 en si mineur fut exécuté pour la première fois le 26 juin 1827 au Teatro alla Pergola de
Florence.
23
Sinfonica dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia,
l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, la
Tokyo Philharmonic Orchestra, la Prague Symphony
Orchestra, la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla e la
Budapest Symphony Orchestra, suonando con direttori come Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel
Harding, Isaac Karabtchevsky e Christian
Thielemann.
Ospite di alcuni tra i maggiori festival, come Stresa,
Napoli, Kuhmo (Finlandia), Bodensee, Kfar Blum
(Israele), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lione, Potsdam e Spoleto, affianca all’attività solistica quella cameristica, collaborando con musicisti
come Salvatore Accardo, Bruno Giuranna, Rocco
Filippini, Franco Petracchi, Michele Campanella,
Natalia Gutman, Joseph Silverstein, François Joël
Thiollier e Alfons Kontarsky.
Nel 1992 gli è stato conferito il Premio Internazionale “Foyer des Artistes” e nel Gennaio 1995 il
“Premio Internazionale Gino Tani per le Arti dello
Spettacolo”.
È docente di violino al Conservatorio della Svizzera
Italiana di Lugano (Musikhochschule) ed ai Corsi di
Alta Formazione in orchestra del progetto Mythos
promosso dalla Fondazione Arturo Toscanini.
La naturale propensione all’approfondimento di tutti gli aspetti che offre la partitura e di un discorso
musicale più unitario lo ha portato recentemente a
ricoprire il duplice ruolo di direttore e solista, nella
cui veste sarà impegnato in numerosi concerti in
Italia e all’estero.
Massimo Quarta ha inciso per la Philips e la Denon,
ed ha registrato per la Radio e Televisione italiana,
francese, tedesca, ungherese e giapponese.
Ha recentemente inciso per la Dynamic un CD con
ITALIANO
Nato nel 1965, Massimo Quarta ha iniziato i suoi
studi musicali all’età di nove anni. Dopo aver conseguito il diploma con il massimo dei voti e la menzione d’onore presso il Conservatorio di Musica
“S.Cecilia” di Roma sotto la guida di Beatrice
Antonioni, si è perfezionato con Salvatore Accardo,
Pavel Vernikov, Ruggiero Ricci ed Abram Stern.
Vincitore di numerosi concorsi - 1° Premio “Città di
Vittorio Veneto” 1986, 1° Premio “Opera Prima
Philips” 1989 - nel 1991 ha vinto il 1° Premio al prestigioso Concorso Internazionale di Violino
“N.Paganini” di Genova, secondo italiano ad ottenere questo ambìto riconiscimento dopo la vittoria di
Salvatore Accardo, avvenuta nel 1958.
Lo straordinario successo ottenuto da questo importante riconoscimento lo ha portato ad esibirsi per le
più prestigiose istituzioni concertistiche, suonando a
Parigi (Salle Pleyel, Théâtre du Châtelet), Monaco di
Baviera (Philharmonie im Gasteig), Berlino
(Philharmonie), Francoforte (Alte Oper), Düsseldorf
(Tonhalle), Tokyo (Metropolitan Art Space, Bunka
Kaikan), Varsavia (Warsaw Philharmonic), Mosca
(Greater Hall of the Conservatory), Milano (Teatro
alla Scala, Serate Musicali, Società del Quartetto),
Roma (Accademia di Santa Cecilia, RAI, Teatro
dell’Opera, IUC), Firenze (Amici della Musica,
Teatro Comunale), Torino (Unione Musicale),
Napoli (Teatro San Carlo, Associazione A.Scarlatti),
Bologna (Musica Insieme), Cannes (Midem) e
Zagabria (Lisinski Hall).
Presto considerato come uno dei più brillanti violinisti della sua generazione, si è inoltre esibito con la
Radio Sinfonie Orchester Frankfurt, l’Orchestra
24
Associazione A.Scarlatti), Bologna (Musica
Insieme), Cannes (Midem) and Zagreb (Lisinski
Hall).
Soon regarded as one of his generation’s most brilliant violinists, he has performed with orchestras of
renown, such as the Radio Sinfonie Orchester
Frankfurt, the Orchestra Sinfonica dell’Accademia
Nazionale di Santa Cecilia, the Orchestre National
du Capitole de Toulouse, the Tokyo Philharmonic
Orchestra, the Prague Symphony Orchestra, the
Real Orquesta Sinfonica de Sevilla and the Budapest
Symphony Orchestra, under the baton of conductors
such as Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel
Harding, Isaac Karbtvcevsky and Christian
Thielemann.
The guest of major international festivals - Stresa,
Naples, Kuhmo (Finland), Bodensee, Kfar Blum
(Israel), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lyon, Potsdam, Spoleto - he is active both as a
soloist and in chamber ensembles, in collaboration
with musicians of renown - Salvatore Accardo,
Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco Petracchi,
Michele Campanella, Natalia Gutman, Joseph
Silverstein, François Joël Thiollier and Alfons
Kontarsky.
In 1992 he won the “Foyer Des Artistes” international prize and in January 1995 the “Gino Tani
Prize for Performing Arts ”.
Massimo Quarta teaches violin at the Conservatory
of Lugano (Musikhochschule) and holds the
advanced courses of orchestral performance of the
Arturo Toscanini Foundation’s Mythos project.
His propensity to investigate all aspects of a score
and his desire to attain a more consistent musical
discourse have recently led him to appear in the dou-
musiche di N. Paganini e sta registrando, sempre
dello stesso autore, i 6 Concerti per violino e orchestra come direttore e solista con il violino appartenuto al grande violinista genovese.
Massimo Quarta suona il violino Giuseppe Guarneri
del Gesù “Ex-Baron Knoop” del 1735.
ENGLISH
Massimo Quarta was born in 1965 and began to
study music at the age of nine. After graduating with
full marks and honourable mention from the Rome
“S.Cecilia” Conservatory under the guidance of
Beatrice Antonioni, he studied with Salvatore
Accardo, Pavel Vernikov, Ruggiero Ricci and
Abram Stern.
The winner of numerous competitions - among them
those of “Città di Vittorio Veneto” in 1986 and of
“Opera Prima Philips” in 1989 - in 1991 he was
awarded 1st prize at the prestigious “Paganini”
International Violin Competition of Genoa, the second Italian to have reached that goal after Salvatore
Accardo, who won it in 1958.
On the wake of that extraordinary success he has
appeared in prestigious halls: in Paris (Salle Pleyel,
Théâtre du Châtelet), Munich (Philharmonie im
Gasteig), Berlin (Philharmonie), Frankfurt (Alte
Oper), Düsseldorf (Tonhalle), Tokyo (Metropolitan
Art Space, Bunka Kaikan), Warsaw (Warsaw
Philharmonic), Moscow (Greater Hall of the
Conservatory), Milan (Teatro alla Scala, Serate
Musicali, Società del Quartetto), Rome (Accademia
di Santa Cecilia, RAI, Teatro dell’Opera, IUC),
Florence (Amici della Musica, Teatro Comunale),
Turin (Unione Musicale), Naples (Teatro San Carlo,
25
Sinfonica dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia,
l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, la
Tokyo Philharmonic Orchestra, la Prague Symphony
Orchestra, la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla e la
Budapest Symphony Orchestra, suonando con direttori come Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel
Harding, Isaac Karabtchevsky e Christian
Thielemann.
Ospite di alcuni tra i maggiori festival, come Stresa,
Napoli, Kuhmo (Finlandia), Bodensee, Kfar Blum
(Israele), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lione, Potsdam e Spoleto, affianca all’attività solistica quella cameristica, collaborando con musicisti
come Salvatore Accardo, Bruno Giuranna, Rocco
Filippini, Franco Petracchi, Michele Campanella,
Natalia Gutman, Joseph Silverstein, François Joël
Thiollier e Alfons Kontarsky.
Nel 1992 gli è stato conferito il Premio Internazionale “Foyer des Artistes” e nel Gennaio 1995 il
“Premio Internazionale Gino Tani per le Arti dello
Spettacolo”.
È docente di violino al Conservatorio della Svizzera
Italiana di Lugano (Musikhochschule) ed ai Corsi di
Alta Formazione in orchestra del progetto Mythos
promosso dalla Fondazione Arturo Toscanini.
La naturale propensione all’approfondimento di tutti gli aspetti che offre la partitura e di un discorso
musicale più unitario lo ha portato recentemente a
ricoprire il duplice ruolo di direttore e solista, nella
cui veste sarà impegnato in numerosi concerti in
Italia e all’estero.
Massimo Quarta ha inciso per la Philips e la Denon,
ed ha registrato per la Radio e Televisione italiana,
francese, tedesca, ungherese e giapponese.
Ha recentemente inciso per la Dynamic un CD con
ITALIANO
Nato nel 1965, Massimo Quarta ha iniziato i suoi
studi musicali all’età di nove anni. Dopo aver conseguito il diploma con il massimo dei voti e la menzione d’onore presso il Conservatorio di Musica
“S.Cecilia” di Roma sotto la guida di Beatrice
Antonioni, si è perfezionato con Salvatore Accardo,
Pavel Vernikov, Ruggiero Ricci ed Abram Stern.
Vincitore di numerosi concorsi - 1° Premio “Città di
Vittorio Veneto” 1986, 1° Premio “Opera Prima
Philips” 1989 - nel 1991 ha vinto il 1° Premio al prestigioso Concorso Internazionale di Violino
“N.Paganini” di Genova, secondo italiano ad ottenere questo ambìto riconiscimento dopo la vittoria di
Salvatore Accardo, avvenuta nel 1958.
Lo straordinario successo ottenuto da questo importante riconoscimento lo ha portato ad esibirsi per le
più prestigiose istituzioni concertistiche, suonando a
Parigi (Salle Pleyel, Théâtre du Châtelet), Monaco di
Baviera (Philharmonie im Gasteig), Berlino
(Philharmonie), Francoforte (Alte Oper), Düsseldorf
(Tonhalle), Tokyo (Metropolitan Art Space, Bunka
Kaikan), Varsavia (Warsaw Philharmonic), Mosca
(Greater Hall of the Conservatory), Milano (Teatro
alla Scala, Serate Musicali, Società del Quartetto),
Roma (Accademia di Santa Cecilia, RAI, Teatro
dell’Opera, IUC), Firenze (Amici della Musica,
Teatro Comunale), Torino (Unione Musicale),
Napoli (Teatro San Carlo, Associazione A.Scarlatti),
Bologna (Musica Insieme), Cannes (Midem) e
Zagabria (Lisinski Hall).
Presto considerato come uno dei più brillanti violinisti della sua generazione, si è inoltre esibito con la
Radio Sinfonie Orchester Frankfurt, l’Orchestra
24
Associazione A.Scarlatti), Bologna (Musica
Insieme), Cannes (Midem) and Zagreb (Lisinski
Hall).
Soon regarded as one of his generation’s most brilliant violinists, he has performed with orchestras of
renown, such as the Radio Sinfonie Orchester
Frankfurt, the Orchestra Sinfonica dell’Accademia
Nazionale di Santa Cecilia, the Orchestre National
du Capitole de Toulouse, the Tokyo Philharmonic
Orchestra, the Prague Symphony Orchestra, the
Real Orquesta Sinfonica de Sevilla and the Budapest
Symphony Orchestra, under the baton of conductors
such as Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel
Harding, Isaac Karbtvcevsky and Christian
Thielemann.
The guest of major international festivals - Stresa,
Naples, Kuhmo (Finland), Bodensee, Kfar Blum
(Israel), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lyon, Potsdam, Spoleto - he is active both as a
soloist and in chamber ensembles, in collaboration
with musicians of renown - Salvatore Accardo,
Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco Petracchi,
Michele Campanella, Natalia Gutman, Joseph
Silverstein, François Joël Thiollier and Alfons
Kontarsky.
In 1992 he won the “Foyer Des Artistes” international prize and in January 1995 the “Gino Tani
Prize for Performing Arts ”.
Massimo Quarta teaches violin at the Conservatory
of Lugano (Musikhochschule) and holds the
advanced courses of orchestral performance of the
Arturo Toscanini Foundation’s Mythos project.
His propensity to investigate all aspects of a score
and his desire to attain a more consistent musical
discourse have recently led him to appear in the dou-
musiche di N. Paganini e sta registrando, sempre
dello stesso autore, i 6 Concerti per violino e orchestra come direttore e solista con il violino appartenuto al grande violinista genovese.
Massimo Quarta suona il violino Giuseppe Guarneri
del Gesù “Ex-Baron Knoop” del 1735.
ENGLISH
Massimo Quarta was born in 1965 and began to
study music at the age of nine. After graduating with
full marks and honourable mention from the Rome
“S.Cecilia” Conservatory under the guidance of
Beatrice Antonioni, he studied with Salvatore
Accardo, Pavel Vernikov, Ruggiero Ricci and
Abram Stern.
The winner of numerous competitions - among them
those of “Città di Vittorio Veneto” in 1986 and of
“Opera Prima Philips” in 1989 - in 1991 he was
awarded 1st prize at the prestigious “Paganini”
International Violin Competition of Genoa, the second Italian to have reached that goal after Salvatore
Accardo, who won it in 1958.
On the wake of that extraordinary success he has
appeared in prestigious halls: in Paris (Salle Pleyel,
Théâtre du Châtelet), Munich (Philharmonie im
Gasteig), Berlin (Philharmonie), Frankfurt (Alte
Oper), Düsseldorf (Tonhalle), Tokyo (Metropolitan
Art Space, Bunka Kaikan), Warsaw (Warsaw
Philharmonic), Moscow (Greater Hall of the
Conservatory), Milan (Teatro alla Scala, Serate
Musicali, Società del Quartetto), Rome (Accademia
di Santa Cecilia, RAI, Teatro dell’Opera, IUC),
Florence (Amici della Musica, Teatro Comunale),
Turin (Unione Musicale), Naples (Teatro San Carlo,
25
(Alte Oper), Düsseldorf (Tonhalle), Tokio
(Metropolitan Art Space, Bunka Kaikan), Warschau
(Warschauer Philharmonie), Moskau (Großer Saal
des Konservatoriums), Mailand (Teatro alla Scala),
Rom (Accademia di Santa Cecilia, RAI, Teatro
dell’Opera, IUC), Florenz (Amici della Musica,
Teatro Comunale), Turin (Unione Musicale),
Neapel (Teatro San Carlo, Associazione A.
Scarlatti), Bologna (Musica Insieme), Cannes
(Midem) und Zagreb (Konzerthaus Lisinski).
Sehr bald als einer der brillantesten Geiger seiner
Generation angesehen, trat Quarta außerdem mit
dem Radio Sinfonie Orchester Frankfurt, dem
Orchestra Sinfonica dell’Accademia Nazionale di
Santa Cecilia, dem Orchestre National du Capitole
de Toulouse, dem Tokyo Philharmonic Orchestra,
den Prager Symphonikern, dem Real Orquesta
Sinfonica de Sevilla und den Budapester
Symphonikern unter der Leitung von Dirigenten wie
Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel Harding,
Isaac Karabtschewsky und Christian Thielemann auf.
Gast einiger der bedeutendsten Festivals wie Stresa,
Neapel, Kuhmo (Finnland), Bodensee, Kfar Blum
(Israel), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lyon, Potsdam und Spoleto, arbeitet Quarta neben
seiner Solistentätigkeit auf dem Gebiet der
Kammermusik mit Künstlern wie Salvatore Accardo,
Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco Petracchi,
Natalia Gutman, Joseph Silverstein, François-Joël
Thiollier, Patrick Gallois und Alfons Kontarsky
zusammen.
1992 wurde dem Künstler die internationale
Auszeichnung ‘Foyer des Artistes’ verliehen und im
Januar 1995 der ‘Premio Internazionale Gino Tani
per le Arti dello Spettacolo’.
ble role of soloist and conductor, in which capacity
he has planned to give numerous concerts both in
Italy and abroad.
Quarta has recorded for Philips and Denon, as well
as for the Italian, French, German, Hungarian and
Japanese Radio and Television Broadcasting
Corporations.
For Dynamic, he recently recorded a CD of
Paganini’s music and, as soloist and conductor, is
recording his 6 Violin Concertos using the instrument that belonged to the great Genoese violinist.
Massimo Quarta plays a Giuseppe Guarneri del
Gesù, the “Ex-Baron Knoop” of 1735.
DEUTSCH
Autograph manuscript of the first movement of Concerto No. 1 (orchestral part)
26
1965 geboren, begann Massimo Quarta den
Musikunterricht als Neunjähriger. Nachdem er sein
Diplom summa cum laude am Konservatorium
‘Santa Cecilia’ in Rom in der Klasse von Beatrice
Antonioni gemacht hatte, vervollkommnete er sich
bei Salvatore Accardo, Pavel Vernikov, Ruggiero
Ricci und Abram Stern.
Sieger zahlreicher Wettbewerbe (1. Preis “Città di
Vittorio Veneto” 1986, 1. Preis “Opera Prima
Philips” 1989), gewann Quarta 1991 den Ersten Preis
beim angesehenen internationalen Violinwettbewerb
‘N. Paganini’ in Genua als zweiter Italiener nach
Salvatore Accardo, der den begehrten Preis 1958
errungen hatte.
Der durch diese Auszeichnung eingetretene außerordentliche Erfolg führte ihn zu Auftritten bei den
bedeutendsten Konzertvereinigungen in Paris (Salle
Pleyel, Théâtre du Châtelet), München (Philharmonie im Gasteig), Berlin (Philharmonie), Frankfurt
27
(Alte Oper), Düsseldorf (Tonhalle), Tokio
(Metropolitan Art Space, Bunka Kaikan), Warschau
(Warschauer Philharmonie), Moskau (Großer Saal
des Konservatoriums), Mailand (Teatro alla Scala),
Rom (Accademia di Santa Cecilia, RAI, Teatro
dell’Opera, IUC), Florenz (Amici della Musica,
Teatro Comunale), Turin (Unione Musicale),
Neapel (Teatro San Carlo, Associazione A.
Scarlatti), Bologna (Musica Insieme), Cannes
(Midem) und Zagreb (Konzerthaus Lisinski).
Sehr bald als einer der brillantesten Geiger seiner
Generation angesehen, trat Quarta außerdem mit
dem Radio Sinfonie Orchester Frankfurt, dem
Orchestra Sinfonica dell’Accademia Nazionale di
Santa Cecilia, dem Orchestre National du Capitole
de Toulouse, dem Tokyo Philharmonic Orchestra,
den Prager Symphonikern, dem Real Orquesta
Sinfonica de Sevilla und den Budapester
Symphonikern unter der Leitung von Dirigenten wie
Miun Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel Harding,
Isaac Karabtschewsky und Christian Thielemann auf.
Gast einiger der bedeutendsten Festivals wie Stresa,
Neapel, Kuhmo (Finnland), Bodensee, Kfar Blum
(Israel), Berliner Festwochen, Sarasota, Ravenna,
Lyon, Potsdam und Spoleto, arbeitet Quarta neben
seiner Solistentätigkeit auf dem Gebiet der
Kammermusik mit Künstlern wie Salvatore Accardo,
Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco Petracchi,
Natalia Gutman, Joseph Silverstein, François-Joël
Thiollier, Patrick Gallois und Alfons Kontarsky
zusammen.
1992 wurde dem Künstler die internationale
Auszeichnung ‘Foyer des Artistes’ verliehen und im
Januar 1995 der ‘Premio Internazionale Gino Tani
per le Arti dello Spettacolo’.
ble role of soloist and conductor, in which capacity
he has planned to give numerous concerts both in
Italy and abroad.
Quarta has recorded for Philips and Denon, as well
as for the Italian, French, German, Hungarian and
Japanese Radio and Television Broadcasting
Corporations.
For Dynamic, he recently recorded a CD of
Paganini’s music and, as soloist and conductor, is
recording his 6 Violin Concertos using the instrument that belonged to the great Genoese violinist.
Massimo Quarta plays a Giuseppe Guarneri del
Gesù, the “Ex-Baron Knoop” of 1735.
DEUTSCH
Autograph manuscript of the first movement of Concerto No. 1 (orchestral part)
26
1965 geboren, begann Massimo Quarta den
Musikunterricht als Neunjähriger. Nachdem er sein
Diplom summa cum laude am Konservatorium
‘Santa Cecilia’ in Rom in der Klasse von Beatrice
Antonioni gemacht hatte, vervollkommnete er sich
bei Salvatore Accardo, Pavel Vernikov, Ruggiero
Ricci und Abram Stern.
Sieger zahlreicher Wettbewerbe (1. Preis “Città di
Vittorio Veneto” 1986, 1. Preis “Opera Prima
Philips” 1989), gewann Quarta 1991 den Ersten Preis
beim angesehenen internationalen Violinwettbewerb
‘N. Paganini’ in Genua als zweiter Italiener nach
Salvatore Accardo, der den begehrten Preis 1958
errungen hatte.
Der durch diese Auszeichnung eingetretene außerordentliche Erfolg führte ihn zu Auftritten bei den
bedeutendsten Konzertvereinigungen in Paris (Salle
Pleyel, Théâtre du Châtelet), München (Philharmonie im Gasteig), Berlin (Philharmonie), Frankfurt
27
Philips ” 1989 -, il a remporte en 1991 le premier prix
du prestigieux Concours International de violon “ N.
Paganini ” de Gênes, seul et unique italien depuis la
victoire de Salvatore Accardo en 1958.
L’extraordinaire succès obtenu par ce prix important
l’a amené à se produire dans les plus grandes salles
de concert de Paris (Salle Pleyel, Théâtre du
Châtelet), Munich (Philharmonie im Gasteig), Berlin
(Philharmonie), Francfort (Alte Oper), Düsseldorf
(Tonhalle), Tokyo (Metropolitan Art Space, Bunka
Kaikan), Varsovie (Warsaw Philharmonic), Moscou
(Grande salle du Conservatoire), Milan (Teatro alla
Scala, Serate Musicali, Società del Quartetto), Rome
(Accademia Santa Cecilia, RAI, Teatro all’Opera,
IUC), Florence (Amici della Musica, Teatro
Comunale), Turin (Unione Musicale), Naples
(Teatro San Carlo, Associazione A. Scarlatti),
Bologne (Musica Insieme), Cannes (Midem) et
Zagreb (Lisinski Hall).
Bien vite considéré comme l’un des plus brillants
violonistes de sa génération, il s’est également produit avec la Radio Sinfonie Orchester Frankfurt,
l’Orchestre Symphonique de l’Accademia Nazionale
di Santa Cecilia, l’Orchestre National du Capitole de
Toulouse, le Tokyo Philharmonic Orchestra, le
Prague Symphony Orchestra, le Real Orquesta
Sinfonica de Séville et le Budapest Symphony
Orchestra, sous la direction de directeurs comme
Mium Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel Harding,
Isaac Karbtvcevsky et Christian Thielemann.
Hôte de quelques-uns des plus grands festivals comme Stresa, Naples, Kuhmo (Finlande), Bodensee,
Kfar Blum (Israël), Berliner Festwochen, Sarasota,
Ravenne, Lyon, Postdam et Spolète, il se produit à la
fois en soliste et avec des formations de chambre, en
Quarta unterrichtet Violine an der Musikhochschule
der Italienischen Schweiz in Lugano und bei den
Kursen für höchste Perfektionierung im Orchester
des von der Stiftung ‘Arturo Toscanini’ organisierten
Projekts Mythos..
Sein natürlicher Hang zur Vertiefung sämtlicher von
einer Partitur gebotenen Aspekte und zu einer vollständigeren musikalischen Abhandlung ließ Quarta
in letzter Zeit in die zweifache Rolle eines Dirigenten
und Solisten schlüpfen, in der er in zahlreichen
Konzerten im In- und Ausland auftreten wird.
Massimo Quarta hat Aufnahmen für Philips und
Denon, sowie für die italienische RAI und die
Rundfunkanstalten Frankreichs, Deutschlands,
Ungarns und Japans gemacht.
Vor kurzem spielte er für Dynamic eine CD mit
Musik von Paganini ein und nimmt soeben die 6
Konzerte für Violine und Orchester des selben
Komponisten als Dirigent und Solist mit jener Geige
auf, die dem großen Genueser Geiger gehöt hatte.
Der Künstler spielt auf einer Guarneri del Gesù ‘Ex
Baron Knoop’ aus 1735.
FRANÇAIS
Né en 1965, Massimo Quarta a commencé ses
études musicales à l’âge de neuf ans. Après avoir
obtenu son diplôme avec le maximum des points et
la mention d’honneur au Conservatoire de musique
“ Santa Cecilia ” de Rome sous la direction de
Beatrice Antonioni, il a suivi des cours de perfectionnement avec Salvatore Accardo, Pavel Vernikov,
Ruggiero Ricci et Abram Stern.
Lauréat de nombreux concours - 1er prix “ Città di
Vittorio Veneto ” 1986, 1er prix “ Opera Prima
28
collaborant avec des musiciens comme Salvatore
Accardo, Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco
Petracchi, Michele Campanella, Natalia Gutman,
Joseph Silverstein, François Joël Thiollier et Alfons
Kontarsky.
En 1992, il a reçu le Prix International “ Foyer des
Artistes ” et, en janvier 1995, le “prix International
Gino Tani pour les Arts du Spectacle ”.
Il enseigne le violon au Conservatoire de la Suisse
Italienne de Lugano et aux Cours de Formation en
Orchestre du projet Mythos de la Fondation Arturo
Toscanini.
Son penchant naturel pour l’approfondissement de
tous les aspects qu’offre la partition et d’un discours
musical plus unitaire, a récemment amené Massimo
Quarta a redécouvrir le double rôle de directeur et
soliste, dans lequel il se produira à l’occasion de
nombreux concerts en Italie et à l’étranger.
Il a enregistré pour Philips et Denon, ainsi que pour
la Radio Télévision italienne, française, allemande,
hongroise et japonaise.
Il a récemment enregistré chez Dynamic un CD
consacré à Paganini et, toujours du même compositeur, enregistre actuellement les 6 Concertos pour
violon et orchestre, comme directeur et soliste, avec
le violon ayant appartenu au grand violoniste génois.
Massimo Quarta joue sur le violon dit “ex Baron
Knoop ” réalisé en 1735 par Giuseppe Guarneri del
Gesù.
29
Philips ” 1989 -, il a remporte en 1991 le premier prix
du prestigieux Concours International de violon “ N.
Paganini ” de Gênes, seul et unique italien depuis la
victoire de Salvatore Accardo en 1958.
L’extraordinaire succès obtenu par ce prix important
l’a amené à se produire dans les plus grandes salles
de concert de Paris (Salle Pleyel, Théâtre du
Châtelet), Munich (Philharmonie im Gasteig), Berlin
(Philharmonie), Francfort (Alte Oper), Düsseldorf
(Tonhalle), Tokyo (Metropolitan Art Space, Bunka
Kaikan), Varsovie (Warsaw Philharmonic), Moscou
(Grande salle du Conservatoire), Milan (Teatro alla
Scala, Serate Musicali, Società del Quartetto), Rome
(Accademia Santa Cecilia, RAI, Teatro all’Opera,
IUC), Florence (Amici della Musica, Teatro
Comunale), Turin (Unione Musicale), Naples
(Teatro San Carlo, Associazione A. Scarlatti),
Bologne (Musica Insieme), Cannes (Midem) et
Zagreb (Lisinski Hall).
Bien vite considéré comme l’un des plus brillants
violonistes de sa génération, il s’est également produit avec la Radio Sinfonie Orchester Frankfurt,
l’Orchestre Symphonique de l’Accademia Nazionale
di Santa Cecilia, l’Orchestre National du Capitole de
Toulouse, le Tokyo Philharmonic Orchestra, le
Prague Symphony Orchestra, le Real Orquesta
Sinfonica de Séville et le Budapest Symphony
Orchestra, sous la direction de directeurs comme
Mium Wun Chung, Daniele Gatti, Daniel Harding,
Isaac Karbtvcevsky et Christian Thielemann.
Hôte de quelques-uns des plus grands festivals comme Stresa, Naples, Kuhmo (Finlande), Bodensee,
Kfar Blum (Israël), Berliner Festwochen, Sarasota,
Ravenne, Lyon, Postdam et Spolète, il se produit à la
fois en soliste et avec des formations de chambre, en
Quarta unterrichtet Violine an der Musikhochschule
der Italienischen Schweiz in Lugano und bei den
Kursen für höchste Perfektionierung im Orchester
des von der Stiftung ‘Arturo Toscanini’ organisierten
Projekts Mythos..
Sein natürlicher Hang zur Vertiefung sämtlicher von
einer Partitur gebotenen Aspekte und zu einer vollständigeren musikalischen Abhandlung ließ Quarta
in letzter Zeit in die zweifache Rolle eines Dirigenten
und Solisten schlüpfen, in der er in zahlreichen
Konzerten im In- und Ausland auftreten wird.
Massimo Quarta hat Aufnahmen für Philips und
Denon, sowie für die italienische RAI und die
Rundfunkanstalten Frankreichs, Deutschlands,
Ungarns und Japans gemacht.
Vor kurzem spielte er für Dynamic eine CD mit
Musik von Paganini ein und nimmt soeben die 6
Konzerte für Violine und Orchester des selben
Komponisten als Dirigent und Solist mit jener Geige
auf, die dem großen Genueser Geiger gehöt hatte.
Der Künstler spielt auf einer Guarneri del Gesù ‘Ex
Baron Knoop’ aus 1735.
FRANÇAIS
Né en 1965, Massimo Quarta a commencé ses
études musicales à l’âge de neuf ans. Après avoir
obtenu son diplôme avec le maximum des points et
la mention d’honneur au Conservatoire de musique
“ Santa Cecilia ” de Rome sous la direction de
Beatrice Antonioni, il a suivi des cours de perfectionnement avec Salvatore Accardo, Pavel Vernikov,
Ruggiero Ricci et Abram Stern.
Lauréat de nombreux concours - 1er prix “ Città di
Vittorio Veneto ” 1986, 1er prix “ Opera Prima
28
collaborant avec des musiciens comme Salvatore
Accardo, Bruno Giuranna, Rocco Filippini, Franco
Petracchi, Michele Campanella, Natalia Gutman,
Joseph Silverstein, François Joël Thiollier et Alfons
Kontarsky.
En 1992, il a reçu le Prix International “ Foyer des
Artistes ” et, en janvier 1995, le “prix International
Gino Tani pour les Arts du Spectacle ”.
Il enseigne le violon au Conservatoire de la Suisse
Italienne de Lugano et aux Cours de Formation en
Orchestre du projet Mythos de la Fondation Arturo
Toscanini.
Son penchant naturel pour l’approfondissement de
tous les aspects qu’offre la partition et d’un discours
musical plus unitaire, a récemment amené Massimo
Quarta a redécouvrir le double rôle de directeur et
soliste, dans lequel il se produira à l’occasion de
nombreux concerts en Italie et à l’étranger.
Il a enregistré pour Philips et Denon, ainsi que pour
la Radio Télévision italienne, française, allemande,
hongroise et japonaise.
Il a récemment enregistré chez Dynamic un CD
consacré à Paganini et, toujours du même compositeur, enregistre actuellement les 6 Concertos pour
violon et orchestre, comme directeur et soliste, avec
le violon ayant appartenu au grand violoniste génois.
Massimo Quarta joue sur le violon dit “ex Baron
Knoop ” réalisé en 1735 par Giuseppe Guarneri del
Gesù.
29
Paganini ha lasciato il suo violino alla
Città di Genova. Il Comune ne ha
concesso l’uso per questa registrazione
Paganini left his violin to City Hall of
Genoa. The City Hall granted the use of it
for the present recording
Autograph manuscript of the first movement of Concerto No. 2
30
FOR A FREE CATALOGUE
WRITE TO:
Dynamic Srl
Via Mura Chiappe 39
16136 Genova - Italy
tel. 010 2722884 fax 010 213937
E-mail: [email protected]
http://www.dynamic.it
Paganini ha lasciato il suo violino alla
Città di Genova. Il Comune ne ha
concesso l’uso per questa registrazione
Paganini left his violin to City Hall of
Genoa. The City Hall granted the use of it
for the present recording
Autograph manuscript of the first movement of Concerto No. 2
30
FOR A FREE CATALOGUE
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Dynamic Srl
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16136 Genova - Italy
tel. 010 2722884 fax 010 213937
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