ahmet güneştek i̇n million stone

AHMET G ÜNEŞTEKİN MILLION STONE
AHMET GÜNEŞTEKİN
MILLION STONE
AHMET GÜNEŞTEKİN
MILLION STONE
La Pietà (Santa Maria della Pietà Castello)
3701 - Calle della Pietà 30122 Venezia
May 6–November 22, 2015
6 Maggio–22 Novembre, 2015
Cover: Million Stone, 2015, black marble, 1475⁄8 x 74 3⁄4 x 65 inches
Copertina: Milion, la prima Pietra Miliare, 2015, marmo nero, 375 x 190 x 165 cm
Frontispiece: Holy Encounter 1, 2012, mixed media, 118 1⁄8 x 118 1⁄8 x 9 7⁄8 inches
Frontespizio: Incontro sacro 1, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
TABLE OF CONTENTS
INDICE
Million Stone
Milion, la prima Pietra Miliare
7
Matthew Drutt
Interview with Ahmet Güneştekin
Intervista ad Ahmet Güneştekin
13
Interview with Emre Arolat
Intervista ad Emre Arolat
20
Paintings and Sculptures
Pitture e Sculture
24
Biography
Selected Exhibition History
Selected Bibliography
44
Biografia
Cronologia Mostre
Bibliografia selezionata
46
MILLION STONE
MATTHEW DRUTT
From a very young age, Ahmet Güneştekin
displayed a facility for making art. Born into a
Kurdish family in a worker’s camp in Batman,
Turkey in 1966, he spent hours as a child making
drawings. As he matured, he sought formal
training in an art academy but soon abandoned
his fine arts education for a career in management in Istanbul in 1991. After several years in
business, he found himself drawn back to making
art full time and began a serious commitment to
painting and sculpture moving through various
figurative and abstract styles before arriving at
the visual language that has become distinctly his
own. While he acknowledges a broad awareness
of various historical and contemporary Turkish
and Western artists—for instance, in this installation one finds echoes of Victor Vasarely in his
Lilith cycle of paintings and of Robert Indiana in
his Kostantiniyye sculpture—he is very much a
self-taught artist, an identity he readily acknowledges with pride, and someone whose artistic
approach might shift from project to project while
maintaining an interest in particular historical
sources. He was not without mentoring, however.
The distinguished and outspoken Turkish writer
Yaşar Kemal, who was of Kurdish origin and a
staunch advocate for peace and human rights,
exerted an enormous impact on his life and art.
Kemal’s deep exploration of Anatolian folklore,
ballads and mythology made their greatest
impression on Güneştekin, nurturing his intellectual and artistic interests. It was as if the artist
provided images that were emanating in literary
form from the writer.
His installation of paintings and sculptures for
La Pietà is exemplary of such interests, embracing
issues of cultural history, political history, and
gender. The exhibition is inspired by an important
archeological monument in Istanbul that is less
familiar to Western audiences, the original Million
Stone, or Milion Taşı as it is known in Turkish,
which was built by Emperor Constantine in the
4th century when Byzantium, eventually renamed
Constantinople, was christened as the new Rome
(Nea Roma), the seat of power for the expanded
Roman (Byzantine) Empire. The object emulated a
The Million Stone, a Byzantine zero-mile marker, Istanbul
Il Milion, monumento miliario, una colonna bizantina che segnava il chilometro zero, Istanbul
7
similar object built in the Roman Forum, the
Golden Milestone (Millarium Aureum), which
measured the distance from Rome to all of its
major centers in the Empire. The original Milion
Taşı was originally much more elaborate and
ornate, covered by a dome supported by grand
arches that over the centuries was adorned with
sculpture and polychrome. It was considered
the center of the Byzantine world, the point from
which the distance to every major point in the
Empire was measured. Though it survived
numerous conflicts over the centuries, including
the Ottoman conquest in the 15th century, by the
early 16th century it had been dismantled and
eclipsed by housing construction above ground.
It wasn’t until the 1960s that archeological
excavations in the area—the square that faces
Hagia Sophia—uncovered remnants of the former
monument. Those fragments were reconstructed
into the rather diminutive pillar that today is a
tourist attraction surrounded by colorful tulips
and directional signage pointing to both existing
and historic capitals of the Eastern world. It
resembles a crumbling obelisk, with all of the
associations such objects have: erosion caused
by time, phallic power, and a sense of infinity.
Güneştekin’s installation both celebrates
and deconstructs the mythology of this object.
A series of three relief works from a cycle entitled
Holy Encounter that represent the region’s three
major religions—Judaism, Christianity, and
Islam—guide the visitor into the first section of
8
the installation. These works are emblematic
of one aspect of Güneştekin’s art. When facing the
works head on, they look like abstract paintings,
with a range of vertical stripes that are composed
in a way that forges the impression of a figurative
or abstract element that appears like a large
watermark in the background (here, the Star of
David, the Cross, and the Crescent). Seen from
the side, however, one sees that they are actually
composed of those very symbols in relief rendered
in a petroleum-based material, like plastic, that
creates a very different impression. The presence
of a petroleum-based material is strategically
important in Güneştekin’s art, since oil is the basis
for both wealth and conflict in the region in which
he resides. And this cycle of relief paintings
represent the three religions that have also been
in conflict in the Mediterranean and Middle East
for centuries, even going so far as to include both
Eastern Orthodox and Roman Catholic symbols
in Holy Encounter II.
This preamble of objects, which outlines
divine confrontation as well as how religions are
a continuation of one another with common
concepts and values, leads to Güneştekin’s
recreation of the Million Stone, appropriately
placed at the center of the installation in the
Church’s courtyard. Its phallic symbolism carries
with it all of the allusions found in such imagery
embedded in religious architecture: mosques
(minarets), churches (bell towers), and even the
arks found in synagogues. His Million Stone is
similar to the original, in that it is a stacked tower
of stone fragments, but it is adorned with other
objects, most significantly a sphere at the lower
left. This motif, found in the Holy Encounter reliefs
as well in other iterations in the other paintings
in the show, is a recurrent element in Güneştekin’s
art that represents the sun, the source of all energy
in our universe, and something which carries
enormous symbolism in the myriad myths, legends,
and ballads that inform his work.
This pillar of masculinity is surrounded and
challenged by a cycle of paintings that recount
the story of Lilith, renowned for being the first
rebellion against male domination. This body of
work is exemplary of the way Güneştekin paints:
colorful, broadly monochromatic, allusions to
Op art offset by figurative imagery that weaves
between the foreground and background. Here
his spheres appear like planetary objects floating
in a universe of densely rendered imagery, but
there is always one disc that is distinct and well
apart from the rest of the composition, and this
again symbolizes the sun, which reigns supreme
over the compositions. In many of the works,
as well as generally in his art, the image of the
Phoenix appears prominently, a highly appropriate
figure within this installation, since the artist is
dealing with the historic rise and fall of Istanbul,
its cultural and religious history, and the nature
of destruction and rebirth. Lilith is also meant to
neutralize the overwhelming masculinity that
dominates the cultures he is referring to in his
work, seeking to set man and woman on some
kind of equal footing in terms of power and
cultural significance.
The exhibition concludes with a major new
sculpture of block-like giant colorful letters that
spell out Kostantiniyye, the name adopted by
the Turkish Ottomans when they first captured the
city. Within each letter, in relief as with the Holy
Encounter works that lead visitors into the
exhibition, the various names the city has been
called since its incarnation: Byzantion, Byzantium,
Nova Roma, Costantinople, Constantinopolis,
Dersaadet, Islambol, Asitane, and Dar-ül-Hilafet,
replete with the same religious symbols in relief
found in the cycle of works that opened the
installation. It provides a kind of closure to the
show and is like a dense journey through the city’s
frenzied history. Only Istanbul is omitted, the
name the city has carried officially since Turkey
became a republic in 1923.
Thus, Güneştekin offers visitors rich and
complex immersion in ancient mythology and
cultural evolution whose imagery and significance
resonate with the tumult of history and politics
in play at this very moment in time. Million Stone
is a thought-provoking, mysterious, dark, and
colorful installation, just like the histories and
legends the exhibition is narrating.
Matthew Drutt, Curator
9
MILION, LA PRIMA PIETRA MILIARE
MATTHEW DRUTT
Ahmet Güneştekin ha dimostrato sin da molto
giovane una forte predisposizione all’arte. Nato
in una famiglia curda in un campo di lavoro presso
Batman in Turchia nel 1966, da bambino trascorreva ore disegnando. Quando crebbe tentò di
acquisire una formazione artistica accademica,
ma ben presto l’abbandonò nel 1991 per intraprendere una carriera in management gestionale
a Istanbul. Dopo alcuni anni di attività, fu riconquistato dall’idea di fare arte a tempo pieno e
iniziò a lavorare seriamente con la pittura e la
scultura, muovendosi attraverso vari stili figurativi
e astratti prima di acquisire un suo personale
linguaggio visivo. Se da un lato dimostra una
profonda conoscenza di numerosi artisti turchi
ed occidentali sia del passato che contemporanei
(ad esempio in questa mostra si trovano richiami
a Victor Vasarely nel ciclo pittorico su Lilith e a
Robert Indiana nella scultura Kostantiniyye)
dall’altro Güneştekin si considera un artista
orgogliosamente autodidatta. Il suo approccio
artistico è in continua evoluzione da un progetto
all’altro, pur mantenendo un profondo interesse
per specifiche fonti storiche. Nonostante ciò nel
suo percorso artistico non gli sono mancate guide
autorevoli. L’illustre e schietto scrittore turco
Yaşar Kemal, di origine curda, è stato un convinto
10
sostenitore della pace e dei diritti umani e ha
esercitato un impatto enorme sulla sua vita e la
sua arte. L’approfondita indagine di Kemal sul
folklore, la musica e la mitologia anatolica hanno
avuto una forte influenza su Güneştekin,
nutrendo i suoi interessi intellettuali e artistici.
È stato come se l’artista traducesse in arte le
immagini provenienti dagli scritti di Kemal.
La sua installazione di dipinti e sculture
realizzate per La Pietà illustra bene tali interessi,
abbracciando tematiche tratte dalla storia
culturale, dalla politica e da una riflessione sulla
sessualità. La mostra prende spunto da un
importante monumento archeologico di Istanbul
che è meno noto al pubblico occidentale, l’originale Prima Pietra Miliare, nota in Turchia come
Milion Taşı, edificata dall’imperatore Costantino
nel IV° secolo, quando Bisanzio, poi ribattezzata
Costantinopoli , fu rinominata la Nuova Roma
(Nea Roma), sede del potere dell’Impero Romano
d’Oriente (Bizantino). Tale pietra è molto simile
alla Pietra Miliare Aurea (Millarium Aureum),
costruita nel Foro Romano, che misurava la
distanza da Roma a tutti i centri più importanti
dell’Impero. L’originale Milion Taşı era molto più
elaborata e ornata, coperta da una cupola sostenuta da grandi arcate adornate con sculture e
materiali policromi. Era considerata il centro del
mondo bizantino, il punto da cui veniva misurata
la distanza da ogni punto importante dell’Impero.
Anche se è sopravvissuta a numerosi conflitti nel
corso dei secoli, tra cui la conquista ottomana
nel XV° secolo, all’inizio del XVI° secolo fu smantellata e nascosta dalla costruzione di edifici sopra
di essa. Fu solo nel 1960 che gli scavi archeologici
nella zona - la piazza che si affaccia ad Hagia
Sophia - vennero scoperti i resti del monumento
originale. Fu così recuperato e ri-eretto un pilastro
piuttosto piccolo che oggi è un’attrazione turistica,
circondata da tulipani colorati e da una segnaletica
che punta sia verso le capitali esistenti sia verso
quelle antiche del mondo orientale. Tale pilastro
assomiglia a un obelisco fatiscente, ed evoca sia
l’erosione causata dal tempo sia il potere fallico
sia un senso di infinito.
L’installazione di Güneştekin celebra e
decostruisce allo stesso tempo la mitologia di
questo oggetto. Una serie di tre opere di rilievo,
provenienti da un ciclo intitolato Incontro sacro,
rappresentano le tre grandi religioni della zona
orientale - l’Ebraismo, il Cristianesimo e l’Islamguidano il visitatore nella prima sezione dell’installazione. Queste opere sono emblematiche di
un aspetto dell’arte di Güneştekin. Viste di fronte
sembrano quadri astratti, con una serie di strisce
verticali composte per dare la sensazione di un
elemento figurativo o astratto che appare come
in filigrana sullo sfondo (ad esempio la Stella di
David, la Croce e la Mezzaluna). Viste di lato,
invece, si nota che le opere sono in realtà composte da quegli stessi simboli in rilievo, realizzati
con un materiale a base di petrolio, come la
plastica, che crea un’impressione molto diversa.
L’utilizzo di un materiale a base di petrolio è molto
significativo nell’arte di Güneştekin, dal momento
che il petrolio è alla base sia della ricchezza sia dei
conflitti nella regione in cui l’artista vive. Questo
ciclo di dipinti a rilievo rappresenta le tre religioni
che sono state in conflitto per secoli nella zona
del Mediterraneo e del Medio Oriente, arrivando
persino, nell’opera Incontro Sacro II, a includere
simboli sia della chiesa ortodossa orientale sia di
quella cattolica romana.
La presenza di tutti questi elementi se da un
lato delinea un confronto tra le diverse religioni,
dall’altro ne suggerisce i concetti e i valori comuni,
sottolineando l’idea di come le religioni siano una
la continuazione dell’altra. Ciò conduce Güneştekin
alla ricreazione del Milion, la Prima Pietra Miliare
opportunamente posta al centro della mostra nel
cortile della Chiesa. La sua simbologia fallica allude
a tutta una serie di elementi analoghi presenti
nell’architettura religiosa: i minareti nelle moschee,
i campanili nelle chiese, e anche le arche poste
nelle sinagoghe. La sua Milion è simile a quella
originale, in quanto è una torre composta da
frammenti di pietra, ma ornata con altri oggetti,
il più significativo dei quali è una sfera in basso a
sinistra. Tale elemento geometrico, che si trova
nei dipinti a rilievo del ciclo Incontro sacro così
come in altre opere in mostra, è un elemento
ricorrente nell’arte di Güneştekin: rappresenta il
sole, la fonte di tutta l’energia nel nostro universo,
e contiene in sé una forte carica simbolica nella
miriade di miti, leggende e musiche che ispirano
il suo lavoro.
Questa colonna rappresentante la mascolinità si contrappone a un ciclo di dipinti posti
attorno ad essa. Tali dipinti raccontano la storia di
Lilith, famosa per essere stata la prima donna in
grado di ribellarsi alla dominazione maschile.
Questo ciclo di lavori esemplifica chiaramente il
modo in cui dipinge Güneştekin: con tinte vivaci,
sostanzialmente monocromatiche, con allusioni
all’Op art compensate da continui riferimenti
all’immaginario figurativo ben distinguibile tra il
primo piano e lo sfondo dei lavori. In alcune parti
11
le sue sfere sembrano pianeti galleggianti in
un fitto universo immaginario, ma in altre parti
c’è sempre un disco ben distinto e distaccato
dal resto della composizione, e questo simboleggia ancora il sole, che regna sovrano nell’opera
di Güneştekin.
In molti lavori, così come in generale nella
sua arte, appare chiaramente l’immagine della
Fenice, figura fondamentale all’interno di questa
mostra, dal momento che l’artista tratta il tema
dell’ascesa e della caduta storica di Istanbul,
della sua storia culturale e religiosa e del senso
della distruzione e della rinascita. Lo scopo di Lilith
è inoltre quello di neutralizzare la schiacciante
mascolinità che domina le culture a cui l’artista
fa riferimento nel suo lavoro, cercando di porre
l’uomo e la donna su uno stesso piano di parità
in termini di potere e di rilevanza culturale.
La mostra si conclude con una nuova importante scultura composta da blocchi di gigantesche lettere colorate che formano la parola
Kostantiniyye, il nome dato alla città di Istanbul
quando fu conquistata per la prima volta dai
Turchi Ottomani. All’interno di ogni lettera sono
presenti in rilievo (come nelle opere del ciclo
12
Incontro Sacro che introducono i visitatori alla
mostra) i vari nomi dati alla città di Istanbul nel
corso della sua storia: Byzantion, Bisanzium, Nova
Roma, Costantinople, Costantinopolis, Dersaadet,
Islambol, Asitane, e Dar-ül-Hilafet. Insieme a
questi nomi vengono riproposti a rilievo i numerosissimi simboli religiosi presenti nel ciclo di opere
all’inizio dell’installazione.
Ciò fornisce una sorta di conclusione del
percorso espositivo ed è come intraprendere un
viaggio attraverso la frenetica storia della città.
Solo il nome Istanbul viene omesso, il nome che
la città ha assunto ufficialmente da quando la
Turchia è diventata una repubblica nel 1923.
In questo modo Güneştekin offre ai visitatori
un’immersione profonda e complessa nella
mitologia antica e nell’evoluzione culturale del suo
paese, il cui immaginario e significato risuona
insieme al tumulto della storia e della politica che
si sta giocando in questo periodo. Million, la Prima
Pietra Miliare è un’installazione stimolante,
misteriosa, scura ma anche colorata, così come le
storie e leggende che questa mostra narra.
Matthew Drutt, Curatore
INTERVIEW WITH AHMET GÜNEŞTEKIN
Matthew Drutt: I know that you have been
working with art since you were a child. At a
certain point you sought formal training and then
abandoned it, studied Management, and went into
business. And then you quit working in business
to devote yourself full time to producing art.
Can you describe this odyssey?
Ahmet Güneştekin: Art has been a passion I
was born into and has captivated me ever since
my childhood years. I was accepted to an Art
Academy but it did not take long for me to
understand that it could not offer me an area
where I could express my thoughts. I do not
reject academic training but I can see where its
boundaries lie. Thus I started to chase the
possibilities of realizing my own methods. And
this search led me to the discovery of my own
language. In 1991 I was pinned down to move to
Istanbul and went into business. For seven years
I tried to establish a life apart from painting and
art but it did not work. In 1997 I launched my
first workshop in Beyoğlu and started my artistic
career. By means of the agreement I signed with
Marlborough Gallery and my “Momentum of
Memory” entitled solo exhibition that I realized
simultaneously with the 55th Venice Biennalle,
I gradually started to gain recognition in the art
world. The same year Marlborough Gallery
launched my first solo exhibition in New York.
Then later it started to exhibit my works in Arco
Madrid, New York Armory Show, Art Breda and
Art Basel in Hong Kong. And in 2014 I had another
solo exhibition launched in Marlborough Monaco.
My works are currently on a permanent show in
galleries located in Barcelona, Madrid, Monaco
and Marlborough Gallery in New York. At the
same time I am represented by Mark Peet Visser
Gallery in Netherlands and Belgium.
MD: So, do you consider yourself self-taught?
AG: Absolutely. I am a person that has consciously
chosen to be self-taught.
MD: Do you feel connected to other contemporary
artists, Turkish or others, or do you feel you are
working in an isolated context with your own
mode of expression?
AG: As a self-taught artist I cannot say that I have
been inspired by a certain source. There are certainly
artists in Turkey and abroad that influenced me.
13
But they are my impact sources rather than my
guides. In fact I am not looking for an approval
from the past, and am just trying to figure out the
things that may support me. Hence in order to
establish my own artistic language, I mostly have
to rely on my instincts rather than knowledge.
Since the future is unpredictable, I mainly focus
on understanding the past with the hope I apprize
for the future.
MD: The term “narrative abstraction” has been
used to describe your work. Do you agree with
that, and if so, how do you respond to it?
AG: I think “narrative abstraction” is a problematic
term. I have been inspired by some narrations but
only in the imaginery sense. And the image does
not have a social equivalent. I mean the legendary
images in my paintings are products of my
imagination instead of being traditional motifs.
If narrative abstraction means converting some
myths into a visual language, my works have no
connection with this process. Instead of producing
a narrative abstraction I am producing images
that recall the story.
MD: The use of language, as in words, figures
frequently in your work. Why is that important
to you?
AG: As mentioned before, I produce images in my
works, instead of telling stories. In this aspect I do
not think that the use of language is involved in
my works. But my starting point is the narrations
of oral tradition. For years I did compilations. I really
love and appreciate those narration techniques.
They are my most precious sources of inspiration.
MD: Artists often speak about influence, but I
know there is one person who was extremely
14
important to you. Can you discuss your
relationship with the writer Yaşar Kemal?
AG: Yaşar Kemal turned a local geography like
Çukurova into an imaginary universe, where
he does so with a rich lyrism that cannoot be
compensated in any other language. The language
that he reproduced has had a great impact on my
art-production and way of thinking. In 2003,
during my exhibition the Colors after Darkness,
we came together with Yaşar Kemal. It was my
first big exhibition in Turkey and had taken place
in the Atatürk Cultural Center. We knew each other
before the exhibition but this exhibition drew us
closer and strenghthened our relationship. We
talked the same language and shared the same
culture. What I was experiencing was meeting
my hero and my admiration for him. He was the
master and I was the apprentice. Yaşar Kemal
became my teacher. He used to say, ‘in painting
you are doing what I am doing in writing’. We
influenced each other a lot. I learnt so many
things from him about life and humans.
MD: How does your Kurdish ethnicity play a role
in your art?
AG: Mesopatamia, by the name it is known in
history, is the land where I was born and where
Yazidism, which relies on the choice between the
good and evil, holding a dualist character, derives
from. As there has always been a transivity
between cultures, there is a unity between the
Mesopotamian culture and the Êzidî and Yazidi
beliefs. Since history and mythology have usually
been the references of my works, the PeacockAngel and Sun are the protagonists of my artworks.
Both in Yazidism and Zoroastrianism the Sun is a
sacred phenomenon and it is believed that sun
is God’s divine light. The Sun is divine because it
is the power against darkness, which represents
the evil, and it is the sunshine that destroyes the
darkness. With reference to the cultural value
of this belief in the context of history and
mythology, I place the Sun into the centre of each
of my artwok. The artwork’s real source of energy
is light and colors. In this context the Kurdish
culture is the source that feeds me. On the other
hand legends and myths have a continuation in
different cultures with common images and
terms. Also Greek legends and myths provide me
terms, with which I am able to express myself. All
my works bear references from my own culture.
Mythology means a milieu to me, where all origins
derive from.
MD: The sun is a recurrent, if not omnipresent,
motif in your art. Talk to us about your obsession
with the sun.
AG: I make use of Sun as a main reference in my
artworks. As we know, it is the round sphere that
creates the light and the shadow. By making
objects visible through light and shadow effects,
the Sun lets one perceive them three dimensional
at the same time. The light can merely emerge
by using the colours and shadows. I, too, am
trying to find a way to work on the canvas through
the objects I see in the outer world, what I see
through the light and my experiences, with a three
dimensional approach. Thus, my idea and tendency
let me obtain the applications that resemble
optical illusions. The symbolic Sun motif in my oil
paintings reveals itself especially through the
sunlight that rises up from the left side of the
canvas. This radial structure consists of a slight
light burst and diffusion that reflects my
signature. The use of the sky as a symbol shows
the protection of justice and freedom by taking
the human being as a reference.
MD: Legends and myths from Anatolian,
Mesopotamian, Greek and other ancient
Mediterranean civilizations are the conceptual
foundations of your work. Obviously the Million
Stone is inscribed in that conceptual framework.
It is a major symbol and attraction in Istanbul.
Can you discuss why you chose that as a subject
for your current exhibition?
AG: I had created sculptures and different
conceptual structures before. Stone and marble
sculptures can be regarded as my first experiences
in this context. I always wanted to touch and work
on millions of years old stones or stones that had
witnessed thousand year old histories. I guess
I will keep on working on them from now on. I use
geometrical motifs that I create through my
inspiration from Anatolian, Greek and Mesopo­
tamian legends. In all my works, the characters,
symbols and stories that derive from ancient
narrations interlace imaginary stories that offer
an insight into humanity’s main issues. In the
exhibition I placed Million Stone, the sculpture
that I re-interpreted and which represents the
masculine power, right opposite to works produced
on the subject of Lilith, who is known as the first
character to revolt against masculine power.
Through this installation, I am speaking out my
opposition to the dominant masculine power.
Woman and man take their place on an equal
basis sharing the same rights. Lilith’s Farewell to
Adam, Meeting Lady Lilith and Lady Lilith’s Heaven,
all oil on canvas produced by using the optical
grid and optical gradation methods, show
the way I interpret the rebel against masculine
dominance. Throughout history, in all cultures
and beliefs and in all areas of life, man has always
been dominant. The fact that even all religious
functionaries and prophets are men and the way
masculine power imposes its dominance in all
15
areas of life, provokes me to question this
hegemony. Thus my aim was to construct the
theme of my exhibition by discussing this subject.
MD: Finally, why did you choose the Pietà as a
site for the project, or did it chose you?
AG: The exhibitions realized in Pietà before were
indifferent to the space and did not face off with
its strong presence. We did not want to set up an
exhibition which would overshadow Pietà.
We took the harder path and rather than changing
the venue we chose to adopt to it. We sought a
way to amalgamate the exhibition with the venue.
Rather than setting up the space according to the
artwork or vice versa, Emre Arolat came up with
an installation that prevents neither the venue
nor the artworks to overshadow each other. By
this means I can say that it became an exhibition
which benefits from the powerful asset of Pietà.
INTERVISTA AD AHMET GÜNEŞTEKIN
Matthew Drutt: So che ha lavorato con l’arte
da quando era un bambino. A un certo punto
ha cercato di intraprendere una formazione
accademica ma poi l’ha abbandonata, ha studiato
Management gestionale e ha cominciato un
lavoro in quel campo. Successivamente ha
smesso questo lavoro per dedicarsi completa­
mente all’arte. Può descrivere questo
travagliato percorso?
Ahmet Güneştekin: Da sempre l’arte è stata per
me una passione fortissima che mi ha affascinato
16
sin da quando ero bambino. Ero stato ammesso in
una Accademia d’Arte, ma non ci volle molto per
capire che non mi poteva dare opportunità per
esprimere le mie idee. Non rinnego la formazione
accademica, ma posso coglierne i limiti. Così ho
iniziato a cercare le possibilità per realizzare un
modo personale di fare arte. Questa ricerca mi ha
portato alla scoperta del mio linguaggio artistico.
Nel 1991 sono stato costretto a trasferirmi a
Istanbul e lavorare nel campo commerciale. Per
sette anni ho cercato di tenere ben distinti il
mondo del lavoro da quello della pittura e del fare
arte, ma non ha funzionato. Nel 1997 ho intrapreso
il mio primo workshop a Beyoğlu e ho iniziato la
mia carriera artistica. Grazie all’accordo che ho
firmato con la Marlborough Gallery e alla mia
mostra personale “Momentum of Memory”
realizzata in contemporanea con la 55°Biennale di
Venezia, ho iniziato a ottenere dei riconoscimenti
nel mondo dell’arte. Lo stesso anno la Marlborough
Gallery ha inaugurato la mia prima personale a
New York. In seguito ha iniziato a esporre le mie
opere alla Fiera Internazionale Arco Madrid, al
New York Armory Show, ad Arte Breda e Art Basel
a Hong Kong. E nel 2014 ho avuto un’altra mostra
personale presso la Marlborough Gallery a Monaco.
Le mie opere sono attualmente in mostra perma­
nente in gallerie situate a Barcellona, Madrid,
Monaco e alla Marlborough Gallery di New York.
Allo stesso tempo le mie opere sono presenti alla
Mark Peet Visser Gallery in Olanda e in Belgio.
MD: Quindi si considera un artista autodidatta?
AG: Assolutamente. Sono una persona che ha
scelto consapevolmente di essere autodidatta.
MD: Si sente connesso ad altri artisti contem­
poranei, turchi o altri, o sente di lavorare in un
contesto isolato con un suo specifico modo
di esprimersi?
AG: Come artista autodidatta non posso dire
di essere stato ispirato da una certa corrente.
Ci sono sicuramente artisti turchi e stranieri che
mi hanno influenzato. Ma rappresentano fonti
d’ispirazione, piuttosto che guide. In realtà non
sono alla ricerca di un’approvazione dal passato,
sto solo cercando di capire cosa può sostenere
la mia ricerca artistica. Pertanto per definire il mio
linguaggio devo fare affidamento sul mio istinto
piuttosto che sulle mie conoscenze pregresse.
Dal momento che il futuro è difficilmente
prevedibile, per fornirne qualche chiara
indicazione mi concentro soprattutto sulla
comprensione della passato.
MD: Per descrivere il suo lavoro è stato usato
Il termine “astrazione narrativa”. Lei è d’accordo,
e se sì, cosa ne pensa a riguardo?
AG: Penso che il termine “astrazione narrativa”
sia problematico. Sono stato ispirato da alcuni
poemi narrativi, ma solo indirettamente; sono
stato più che altro colpito dal loro immaginario.
E l’immagine non ha un equivalente sociale.
Le immagini leggendarie nei miei quadri sono
prodotti della mia immaginazione, non sono
motivi tradizionali. Se astrazione narrativa
significa convertire alcuni miti in un linguaggio
visivo, le mie opere non hanno alcun rapporto con
tale processo. Invece di produrre un’astrazione
narrativa sto producendo immagini che
richiamano la storia.
MD: L’uso del linguaggio, sotto forma di parole,
è spesso presente nel suo lavoro. Perché è così
importante per lei?
AG: Come accennato prima, nei miei lavori ho
prodotto immagini, invece di raccontare storie.
Sotto questo aspetto non credo che l’uso del
linguaggio sia coinvolto nei miei lavori. Ma il mio
punto di partenza sono le narrazioni della
tradizione orale. Per anni le ho raccolte. Queste
tecniche di narrazione mi piacciono molto
e le apprezzo. Sono le mie più preziose fonti
di ispirazione.
MD: Gli artisti spesso parlano di influenze, ma so
che c’è una persona che è stata estremamente
17
importante per lei. Possiamo discutere del suo
rapporto con lo scrittore Yaşar Kemal?
AG: Yaşar Kemal ha trasformato una realtà locale
come Çukurova in un universo immaginario e lo
ha fatto usando un linguaggio lirico raffinato che
non può essere reso in qualsiasi altra lingua. Il
linguaggio che ha riprodotto ha avuto un grande
impatto sulla mia produzione artistica e sul mio
modo di pensare. Nel 2003, durante la mia mostra
I Colori dell’Oscurità, ho incontrato con Yaşar
Kemal. Era la mia prima grande mostra in Turchia
e aveva avuto luogo presso l’Atatürk Cultural
Center. Ci conoscevamo già ma questa mostra ci
ha avvicinato e ha rafforzato il nostro rapporto.
Abbiamo parlato la stessa lingua e condiviso la
stessa cultura. Quello che stavo vivendo era
l’incontro con il mio eroe e la dimostrazione la mia
ammirazione. Era il maestro e io l’allievo. Yaşar
Kemal è diventato il mio maestro. Era solito dire,
‘in pittura tu stai facendo quello che io sto facendo
in scrittura’. Ci siamo influenzati molto a vicenda.
Ho imparato tante cose da lui sulla vita e sugli
esseri umani.
MD: Che ruolo gioca l’etnia curda nella sua arte?
AG: La Mesopotamia, dal nome con cui è
conosciuta storicamente, è la terra dove io sono
nato e dalla quale deriva lo Yazidismo, religione
dal carattere dualista che si basa sulla scelta tra
il bene e il male. Come vi è sempre stata una
contaminazione tra diverse culture, vi è un’unità
tra la cultura mesopotamica e le credenze Êzidî
e Yazidi. Dal momento che i soggetti dei miei lavori
sono stati generalmente la storia e la mitologia,
il Pavone-Angelo e il Sole sono i protagonisti
18
delle mie opere. Sia nello Yazidismo che nel
Zoroastrismo il Sole è un astro sacro e si ritiene
che il sole sia la luce divina di Dio. Il Sole è divino
perché rappresenta il potere contro le tenebre,
ossia il male, ed è il sole che distrugge l’oscurità.
Con riferimento al valore culturale di questa
credenza nel contesto storico e mitologico, ho
posto il Sole al centro di ciascuna delle mie opere.
La vera fonte di energia dell’opera è costituita
dalla luce e dal colore. In questo contesto, la
cultura Curda è la fonte che mi nutre. D’altra parte
molte leggende e miti sono presenti in culture
diverse, condividendo le stesse immagini e la stessa
terminologia di riferimento. Inoltre le leggende e
i miti greci mi forniscono elementi con i quali
esprimermi. Tutte le mie opere portano riferimenti
alla mia cultura. La mitologia costituisce per me il
milieu dal quale tutto trae origine.
MD: Il sole è un motivo ricorrente, se non
onnipresente, nelle sue opere. Ci parli della sua
ossessione per il sole.
AG: Il Sole è un elemento fondamentale nelle
mie opere. Come sappiamo, è la sfera rotonda che
crea la luce e l’ombra. Il Sole, rendendo le cose
visibili attraverso effetti di luce e ombra, ce le fa
percepire tridimensionalmente. La luce può
emergere solo utilizzando colori e ombre. Anch’io
sto cercando di trovare un modo per lavorare sulla
tela attraverso gli oggetti che vedo nel mondo
esterno, quello che percepisco attraverso la luce e
le mie esperienze, con un approccio tridimensionale.
Così, tenendo conto della mia idea e di questa
modalità di lavoro produco sulla tela forme
somiglianti a illusioni ottiche. Il motivo simbolico
del Sole nei miei dipinti ad olio si rivela soprattutto
attraverso la luce che sorge dal lato sinistro della
tela. Questa struttura radiale costituita da un
leggero colpo di luce diffusa rappresenta il mio
segno distintivo. L’uso del cielo come simbolo
indica la protezione della giustizia e della libertà,
prendendo come riferimento l’essere umano.
MD: Le leggende e miti Anatolici, Mesopotamici,
Greci e di altre antiche civiltà del Mediterraneo
sono i fondamenti concettuali del suo lavoro.
Ovviamente il Milion, la Prima Pietra Miliare, è
inscritta in questo quadro concettuale. Si tratta
di un importante simbolo e attrazione di Istanbul.
Perché lo ha scelto come soggetto per la mostra
in corso?
AG: Ho ideato molte sculture e strutture
concettuali prima di deciderlo. Le sculture di
pietra e marmo possono essere considerate come
le mie prime esperienze in questo campo. Ho
sempre voluto toccare e lavorare con pietre
vecchie milioni di anni o pietre che avevano
assistito a millenni di storia. Credo che continuerò
a lavorare su di loro d’ora in poi. Utilizzo motivi
geometrici ispirati a leggende Anatoliche, Greche
e Mesopotamiche. In tutti i miei lavori, i caratteri,
i simboli e le storie che derivano da antiche
narrazioni si intrecciano, storie immaginarie che
offrono uno spaccato dei problemi principali
dell’umanità. In mostra ho posto Million Stone
(La Prima Pietra Miliare), reinterpretazione della
celebre scultura che rappresenta il potere maschile,
proprio di fronte alle opere prodotte sul tema di
Lilith, il primo personaggio femminile capace
di ribellarsi contro il potere maschile. Attraverso
questa installazione, parlo della mia opposizione
al potere maschile dominante. La donna e l’uomo
sono posti sulla stessa base e condividono gli
stessi diritti. Addio di Lilith ad Adamo, Incontro
con Lady Lilith e Il Paradiso di Lady Lilith sono tutti
dipinti ad olio su tela realizzati utilizzando la griglia
ottica e metodi di gradazione ottica. Questi lavori
mostrano il modo in cui interpreto la ribellione
contro il dominio maschile. Nel corso della storia,
in tutte le culture, credenze e in tutti gli ambiti
della nostra vita, l’uomo è sempre stato
dominante. Inoltre il fatto che tutti i rappresen­
tanti del potere religioso e i profeti siano uomini e
il modo in cui potere maschile impone la sua
egemonia in tutti gli ambiti dell’esistenza umana,
mi ha spinto a mettere in discussione tale
egemonia. Il mio proposito è stato quello di
sviluppare questo tema nella mia mostra.
MD: Infine, lei ha scelto la Pietà come sito per
questo progetto, oppure viceversa sente di essere
stato scelto da questo sito?
AG: Le mostre allestite prima della mia presso
la Pietà non si sono mai rapportate ai suoi spazi
architettonici e non hanno tenuto conto delle
sue particolari caratteristiche. Non volevamo
allestire una mostra che mettesse in ombra la
Pietà. Abbiamo intrapreso la strada più difficile:
piuttosto di stravolgere la sede della mostra,
abbiamo deciso di adattare la mostra alla sua
sede. Abbiamo cercato un modo di legare la
mostra al luogo che la ospita. Invece di allestire
lo spazio basandosi sulle opere esposte o
viceversa, Emre Arolat ha ideato un’installazione
capace di non fare interferire il luogo con le opere
esposte ma anzi di esaltarli a vicenda. Posso
dunque affermare che la mostra valorizza appieno
il suggestivo spazio espositivo della Pietà.
19
INTERVIEW WITH EMRE AROLAT
Matthew Drutt: How long have you known
Ahmet Güneştekin and how did you meet?
Emre Arolat: Ahmet Güneştekin had come to my
attention as an interesting artist for some time
but this exhibition was the first occasion I had to
meet him personally. But I can sincerely say that
in an odd way it seems like I have known him for
a long time. I don’t really know the reason why.
This feeling could be a result of his spirited
personal position that is grounded in the subject
and concern of his artwork.
MD: Is this the first time you have worked
together? If not, please describe your previous
work together.
EA: Yes, this is the first we have worked with him.
MD: Have you collaborated with other artists
and if so, whom and on what kind of projects?
EA: I had never had this kind of role in an artist’s
solo exhibition before. But for years I have been
working on the way art is exhibited and in this
context the physical environments that the work
20
of various artists occupy. One of the projects that
can be seen as one of my early efforts in this area
which at that time it was built in 2006 was the
first of it’s kind in Turkey was the design for the
Contemporary Art Center at the Santralistanbul
Museum. Later this building in a process that I
didn’t understand or accept was clumsily trans­
formed into a makeshift educational building.
In later years I had an opportunity to work on
exhibitions in different scales. In 2012 along with
Joseph Grima I was co-curator of the 1st Istanbul
Design Biennial. In the scope of the Design Biennial,
Özge Ertoptamış and I designed the exhibition
that was realized at the Istanbul Modern. Özge
and I also worked together on Ahmet Güneştekin’s
Venice exhibition. Most recently in 2013 Natali
Tombak and I designed the Akbank Contemporary
Artists Prize Exhibition in Istanbul. In terms of
important architectural projects in the area of art
for some years we have been working on the
design of the Mimar Sinan Fine Arts University
Istanbul Painting and Sculpture Museum that I
hope will open next year.
MD: What kind of challenges do such collaborations
entail, other than a potential clash of egos!
EA: As I noted earlier this is my first work for an
artist’s solo exhibition. At the start of the design
before I got to know Ahmet very well I have to say
that I had my apprehensions. But later we had
no problems working together and in fact we
developed a mutually supportive rapport in the
process of realizing the exhibition. This is because
Ahmet Güneştekin as a personality is bold and
remarkably does not share the capriciousness and
hubris found in many artists.
MD: You designed the installation for Million
Stone. What were the goals you set before
yourself in coming up with a plan and what were
the greatest challenges that the Pietà posed
as a space?
EA: The Pietà is not an exhibition space per se.
Despite the fact that in recent times it has been
used for this function it not was designed as a
space for the exhibition of art. More so as a
physical space it is comprised of areas that are
difficult for the planning of an exhibition in the
way the interior expands and contracts. In
addition to this there is the remarkable surface
patina that has been formed over hundreds of
years as well as the accretion of many symbolic
layers of history. I had previously had the
opportunity to visit different exhibitions there
and in some of these exhibitions the interior of
the building was nearly completely covered over
expunging its character to become neutered in
the process. This approach led me to think that
these exhibitions could have been shown
anywhere. In contrast from our first experience
of the Pietà we very much valued the
continuation of its singular aura in the exhibition.
In this way we tried to interrelate Güneştekin’s
work with the aura of the space trying to use the
tension that is readily generated by both the
character of the art and the space in a
coordinated way without reducing the individual
impact of either and without having each
obstruct or interfere with the other. We aimed to
separate the artworks from the severe and
controlling geometry of the Pietà’s highly axial
and rigidly orthogonal design and despite the
massiveness of the art work’s size and weight
generate a type of ethereality or in another
imaginative sense to create a feeling of
impermanence. Another aspect of the exhibition
that we worked very carefully on was the
thorough and coordinated lighting of both the art
works and the space. We designed a system with
two layers of different color tones that would not
visually interfere with each other.
MD: Did you have to make adjustments from
the original concept or are the results what
you anticipated?
EA: Since the exhibition has yet to be completed
it is not easy for me to respond to this question.
But we can see that there is a capable production
team in Venice that is dutifully realizing the physical
exhibition without any mistakes or omissions from
the design work that was primarily developed in
Istanbul. Without doubt the quality and value of
the production work is an important and
complementary aspect of the design.
21
INTERVISTA AD EMRE AROLAT
Matthew Drutt: Da quanto tempo conosce
Ahmet Güneştekin e come vi siete conosciuti?
Emre Arolat: Consideravo Ahmet Güneştekin
un artista interessante già da tempo, ma questa
mostra è stata la prima occasione in cui l’ho
potuto incontrare personalmente. Ho avuto la
strana sensazione di conoscerlo da molto tempo.
Non so davvero il motivo. Questa sensazione
potrebbe essere il risultato della sua vivacità
intellettuale profondamente legata ai temi
trattati nelle sue opere.
MD: Questa è la prima volta che lavorate insieme?
In caso contrario ci descriva per favore il vostro
lavoro precedente.
EA: Si, questa è la prima volta che lavoriamo
insieme.
MD: Ha collaborato anche con altri artisti e, in
caso affermativo, con chi e su che tipo di progetti?
EA: Non avevo mai svolto prima questo tipo di
ruolo nella mostra personale di un artista. Tuttavia
per anni ho studiato le modalità espositive delle
opere d’arte e gli spazi fisici dove queste sono
22
poste. Una delle mie prime attività in questo
ambito è stata, nel 2006, la progettazione del
Centro d’Arte Contemporanea del Museo
Santralistanbul, il primo del suo genere in Turchia.
Purtroppo in seguito questo edificio è stato
trasformato in un edificio scolastico improvvisato,
fatto che non ho capito né accettato. Negli anni
successivi ho avuto l’opportunità di lavorare a
mostre di diverso tipo. Nel 2012 insieme a Joseph
Grima sono stato co-curatore della prima
Biennale di Istanbul Design. Nell’ambito di questa
Biennale, io e Özge Ertoptamış abbiamo
progettato la mostra all’Istanbul Modern. Inoltre
Özge e io abbiamo lavorato insieme alla mostra di
Ahmet Güneştekin a Venezia. Più recentemente
nel 2013 insieme a Natali Tombak abbiamo
progettato la mostra per Akbank Contemporary
Artists Prize di Istanbul. Inoltre da alcuni anni
lavoriamo a importanti progetti architettonici in
campo artistico, come ad esempio l’ideazione del
Museo di Pittura e Scultura di Istanbul,
amministrato dall’Accademia di Belle Arti Mimar
Sinan, che mi auguro aprirà il prossimo anno.
MD: Che tipo di sfide comporta questo tipo di
collaborazioni? Ha avvertito una qualche rivalità
tra voi?
EA: Come ho già detto questo è il mio primo
lavoro per la mostra personale di un artista.
All’inizio del progetto, ho avuto modo di
conoscere molto bene Ahmet e devo ammettere
che ho avuto le mie apprensioni. Ma poi non
abbiamo avuto problemi a lavorare insieme e
infatti abbiamo sviluppato un rapporto di stima
reciproca nel processo di realizzazione della
mostra. Questo perché Ahmet Güneştekin è una
persona molto diretta e non ha niente a che
vedere con l’incostanza e l’arroganza proprie di
molti artisti.
MD: Lei ha progettato la mostra Million Stone.
Quali erano gli obiettivi che si era prefissato per
il progetto e quali sono state le sfide più grandi
che poneva lo spazio della Pietà?
EA: La Pietà non si può propriamente definire
uno spazio espositivo. Nonostante il fatto che in
tempi recenti sia stato utilizzato per questa
funzione, esso non è stato progettato come uno
spazio dedicato a mostre d’arte. Dal punto di vista
strutturale l’edificio comprende aree di difficile
progettazione per una mostra, ad esempio nel
modo in cui gli spazi si espandono e si restringono.
Oltre a ciò bisogna tener conto della patina del
tempo, depositatasi in centinaia d’anni di storia
su tutte le superfici della struttura, nonché della
stratificazione di numerose simbologie che
rimandano alle varie epoche storiche attraversate
dall’edificio. In precedenza avevo avuto
l’opportunità di visitare diverse mostre allestite
nella Pietà e in alcune di queste l’interno
dell’edificio era stato quasi completamente
ricoperto, neutralizzando la forte l’individualità
espressiva di questo spazio. Ciò mi ha portato a
pensare che queste mostre avrebbero potuto
essere allestite ovunque. A differenza di queste
prime esperienze, nella nostra mostra abbiamo
deciso di preservare l’unicità di questo luogo.
In questo modo si è cercato di collegare il lavoro
di Güneştekin alla peculiarità spaziale della Pietà,
cercando di valorizzare la tensione che si crea
tra le opere e lo spazio espositivo, connettendoli
insieme pur senza ridurne la forza individuale
ed evitando che l’uno interferisca con l’altro.
Abbiamo puntato a distinguere le opere d’arte
dalla geometria severa e dispotica della Pietà,
estremamente assiale e rigidamente ortogonale.
Nonostante l’imponenza delle dimensioni e il
peso dei lavori proposti, abbiamo inoltre cercato
di dare un senso di impalpabilità e provvisorietà
alle installazioni. Un altro aspetto della mostra
su cui abbiamo lavorato attentamente è stato
quello dell’illuminazione, un meticoloso studio
per coordinare le luci delle opere con quelle dello
spazio. Abbiamo progettato un sistema con due
diversi toni di colore che non interferiscono
visivamente l’uno con l’altro.
MD: Ha dovuto apportare modifiche al progetto
originale o ha ottenuto i risultati che si era
prefissato?
EA: Non è facile per me rispondere a questa
domanda poiché la mostra deve ancora essere
completata. Sicuramente a Venezia c’è un squadra
di lavoro esperta che sta lavorando all’allestimento
senza errori o omissioni rispetto al progetto
iniziale, sviluppato principalmente a Istanbul.
Senza dubbio la qualità e il valore di questo lavoro
di produzione costituisce un aspetto importante e
complementare all’intero progetto.
23
PAINTINGS AND SCULPTURES
PITTURE E SCULTURE
Holy Encounter 1, 2012, mixed media, 118 1⁄8 x 118 1⁄8 x 9 7⁄8 inches
Incontro sacro 1, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
24
Holy Encounter 2, 2012, mixed media, 118 1⁄8 x 118 1⁄8 x 9 7⁄8 inches
Incontro sacro 2, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
26
Holy Encounter 3, 2012, mixed media, 118 1⁄8 x 118 1⁄8 x 9 7⁄8 inches
Incontro sacro 3, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
30
Lady Lilith’s Heaven, 2015, oil on canvas, 108 1⁄4 x 59 inches
Il paradiso di Lady Lilith, 2015, olio su tela, 275 x 150 cm
32
Lilith’s Farewell to Adam, 2015, oil on canvas, 108 1⁄4 x 153 1⁄2 x 4 3⁄4 inches
Addio di Lilith ad Adamo, 2015, olio su tela, 275 x 390 x 12 cm
34
Meeting with Lady Lilith, 2015, mixed media, 110 1⁄4 x 153 1⁄2 x 5 7⁄8 inches
Incontro con Lady Lilith, 2015, tecnica mista, 280 x 390 x 15 cm
35
ENGLISH
TURKISH
Kutsal Yüzleşme 1, 2012, Karışık Malzeme, 300 x 300 x 25 cm
Kutsal Yüzleşme 2, 2012, Karışık Malzeme, 300 x 300 x 25 cm
Kutsal Yüzleşme 3, 2012, Karışık Malzeme, 300 x 300 x 25 cm
Lilith’in Âdem ile Vedası, 2015, Tuval Üzerine Yağlı Boya, 275 x 390 x 12 cm
Lady Lilith ile Buluşma, 2015, Tuval Üzerine Metal Giydirme, 280 x 390 x 15 cm
Lady Lilith’in Cenneti, 2015, Tuval Üzerine Yağlı Boya, 275 x 150 cm
Milion Taşı, 2015, siyah mermer, 375 cm (kaide dâhil), Kaide: 30 x 190 x 165 cm
ITALIAN
Incontro sacro 1, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
Incontro sacro 2, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
Incontro sacro 3, 2012, tecnica mista, 300 x 300 x 25 cm
Addio di Lilith ad Adamo, 2015, olio su tela, 275 x 390 x 12 cm
Incontro con Lady Lilith, 2015, tecnica mista, 280 x 390 x 15 cm
Il paradiso di Lady Lilith, 2015, olio su tela, 275 x 150 cm
“Milion”, la prima Pietra Miliare, 2015, marmo nero, 375 cm (inclusa la base), base: 30 x 190 x 165 cm
Million Stone, 2015, black marble, 147 5⁄8 x 74 3⁄4 x 65 inches
“Milion”, la prima Pietra Miliare, 2015, marmo nero, 375 x 190 x 165 cm
38
Kostantiniyye, mixed media, 165 3⁄8 x 204 ¾ x 55 1⁄8 inches (including the pedestal)
Kostantiniyye, tecnica mista, 2015, 420 x 520 x 140 cm (compreso il piedistallo)
40
42
AHMET GÜNEŞTEKİN
2013 Becomes Marlborough Gallery artist
2013Opens his first international solo exhibition in
Venice, Italy
2010Sets up Güneştekin Art Studio in Beyoğlu,
Istanbul
2005Shoots documentary series titled In the Footsteps
of the Sun
2003Opens his largest exhibition to date in Atatürk
Culture Center, İstanbul
1997Sets up his first art studio in Beyoğlu, Istanbul
1966Born in Garzan workers camp in Batman, Turkey
EXHIBITION HISTORY
SOLO EXHIBITIONS
2015
Million Stone, Marlborough Gallery, La Pietà,
Venice, Italy
2014
Contemporary Istanbul ’14, Marlborough Gallery,
Istanbul, Turkey
The Heir to the Solar Disk, Marlborough Monaco,
Monaco
KunstRAI Amsterdam, Mark Peet Visser Gallery,
Amsterdam, The Netherlands
Faces of the Sun, Mark Peet Visser Gallery, Den Bosch,
The Netherlands
Ahmet Güneştekin: Recent Paintings, Marlborough
Gallery, New York, United States
2013
Momentum of Memory, Arsenale Docks, Venice, Italy
Encounter Ankara, CerModern, Ankara, Turkey
Contemporary Istanbul ‘13, Marlborough Gallery,
Istanbul, Turkey
2012
Encounter Istanbul, Antrepo 3, Istanbul, Turkey
Carpet and Rug Design, Armaggan Art & Design
Gallery, Istanbul, Turkey
44
A Lot, Güler Art Gallery, Ankara, Turkey
Intersections / Transformations, Santral Istanbul,
Istanbul, Turkey
Contemporary Istanbul ‘12, Mim Art Gallery,
Istanbul, Turkey
2011
Pure Justice, Contemporary Istanbul ‘11, Gallery Baraz,
Istanbul, Turkey
2010
Doors Opening to the Sun, Contemporary Istanbul ‘10,
Gallery Baraz, Istanbul, Turkey
Immortality, Casa Dell’Arte Art Gallery, Istanbul, Turkey
2009
Elixir, Çırağan Palace Kempinski Art Gallery,
Istanbul, Turkey
Immortality Gate, Contemporary Istanbul ‘09,
Casa Dell’Arte, Istanbul, Turkey
Contemporary Istanbul ‘09, Painting and Sculpture
Exhibition, Bali Art Gallery, Istanbul, Turkey
2008
The Fall of Troya, Contemporary Istanbul ‘08,
Çağla Cabaoğlu, Istanbul, Turkey
2007
Antique Modern, Contemporary Istanbul ‘07,
Çağla Cabaoğlu, Istanbul, Turkey
Civilization Born in the Footsteps of the Sun, AKM,
Istanbul, Turkey
2006
Simurg, Contemporary Istanbul ‘06, Galley Baraz,
Istanbul, Turkey
Aura, Toprak Art Gallery, Istanbul, Turkey
2005
Sun Dance, Garage of Art, Istanbul, Turkey
Love in Mesopotamia, Atakule Vakıfbank Art Gallery,
Ankara, Turkey
2004
Gallery Artist, Istanbul, Türkiye
2003
The Colors after Darkness, AKM, Istanbul, Turkey
GROUP EXHIBITIONS & ART FAIRS
SELECTED BIBLIOGRAPHY
2015
Realisme Fair for Contemporary Figuration, Mark Peet
Visser Gallery, Amsterdam, The Netherlands
Art Breda, Mark Peet Visser Gallery, Breda,
The Netherlands
The Armory Show, Marlborough Gallery,
New York, ABD
Arco Madrid, Marlborough Gallery, Madrid, Spain
2014
Art Market Budapest, Güler Art Gallery, Budapest,
Hungary
Summer Show, Marlborough Gallery,
Madrid, Spain
Art Basel Hong Kong, Marlborough Gallery, Hong Kong
Art Breda, Mark Peet Visser Gallery, Breda,
The Netherlands
The Armory Show, Marlborough Gallery,
New York, United States
Arco Madrid, Marlborough Gallery,
Madrid, Spain
Mosaic, Güler Art Gallery, Ankara, Turkey
2013
Art Basel Miami Beach, Marlborough Gallery, Miami,
United States
Art Market Budapest, Güler Art Gallery,
Budapest, Hungary
Sconfinamenti, Spoleto56 Festival, (curated by Achille
Bonito Oliva), Spoleto, Italy
2012
Sergüzeşt, Güler Art Gallery, Ankara, Turkey
2011
Summer Exhibition, Antrepo 5, Gallery Beyaz,
Istanbul, Turkey
2014 Stéphanie Pioda, The Heir to the Solar Disk,
Marlborough Monaco, Monaco
Bertjan ter Braak, Faces of the Sun, Mark Peet Visser
Gallery, Den Bosch, The Netherlands
2013 Donald Kuspit, The Uses of Mysticism: Ahmet
Güneştekin’s Abstractions, Marlborough Gallery,
New York
2013 Beral Madra, Momentum of Memory, GSM
Publications, Istanbul
2012 Johannes Odenthal, Abstraction and Mythos,
Anatolia’s Cultural Memory within Contemporary
Art: About Ahmet Güneştekin’s Artworks, GSM
Publications, Istanbul
2010 Yalçın Sadak, Following the Traces of Sun: A Myth,
GSM Publications, Istanbul
2009 Kaya Özsezgin, Authentic Archaism in Ahmet
Güneştekin’s Paintings, GSM Publications, Istanbul
2007 Gülseli İnal, Antique Modern, GSM Publications,
Istanbul
45
AHMET GÜNEŞTEKİN
2013Diviene uno degli artisti più rappresentativi
della Marlborough Gallery
2013Inaugura la sua prima mostra personale a
Venezia, Italia
2010Fonda il Güneştekin Art Studio presso
Beyoğlu, Istanbul
2005Gira una seria di documentari intitolata
Sulle orme del sole
2003Inaugura la sua più grande mostra ad oggi
presso Atatürk Culture Center, İstanbul
1997Fonda il suo primo studio artistico presso
Beyoğlu, Istanbul
1966Nasce nel campo di lavoro Garzan presso
Batman, Turchia
CRONOLOGIA MOSTRE
MOSTRE PERSONALI
2015
Million Stone, Marlborough Gallery, La Pietà,
Venezia, Italia
2014
Contemporary Istanbul ’14, Marlborough Gallery,
Istanbul, Turchia
L’Erede del Disco Solare, Marlborough Monaco,
Principato di Monaco
KunstRAI Amsterdam, Mark Peet Visser Gallery,
Amsterdam, Olanda
Facce del Sole, Mark Peet Visser Gallery, Den Bosch,
Olanda
Ahmet Güneştekin: Nuovi Dipinti, Marlborough Gallery,
New York, Stati Uniti
2013
Momentum of Memory, Arsenale Docks, Venezia, Italia
Encounter Ankara, CerModern, Ankara, Turchia
Contemporary Istanbul ‘13, Marlborough Gallery,
Istanbul, Turchia
2012
Encounter Istanbul, Antrepo 3, Istanbul, Turchia
46
Design di Tappeti, Armaggan Art & Design Gallery,
Istanbul, Turchia
Molto, Güler Art Gallery, Ankara, Turchia
Intersezioni/Trasformazioni, Santral Istanbul,
Istanbul, Turchia
Contemporary Istanbul ‘12, Mim Art Gallery,
Istanbul, Turchia
2011
Pura Giustizia, Contemporary Istanbul ‘11, Gallery Baraz,
Istanbul, Turchia
2010
Porte Aperte verso il Sole, Contemporary Istanbul ‘10,
Gallery Baraz, Istanbul, Turchia
Immortalità, Casa Dell’Arte Art Gallery, Istanbul, Turchia
2009
Elisir, Çırağan Palace Kempinski Art Gallery,
Istanbul, Turchia
Porta dell’Immortalità, Contemporary Istanbul ‘09,
Casa Dell’Arte, Istanbul, Turchia
Contemporary Istanbul ‘09, Mostra di Pittura e Scultura,
Bali Art Gallery, Istanbul, Turchia
2008
La caduta di Troia, Contemporary Istanbul ‘08, Çağla
Cabaoğlu, Istanbul, Turchia
2007
Antico Moderno, Contemporary Istanbul ‘07,
Çağla Cabaoğlu, Istanbul, Turchia
La Civiltà nata sulle Orme del Sole, AKM,
Istanbul, Turchia
2006
Simurg, Contemporary Istanbul ‘06, Galley Baraz,
Istanbul, Turchia
Aura, Toprak Art Gallery, Istanbul, Turchia
2005
La Danza del Sole, Garage of Art, Istanbul, Turchia
Innamorarsi in Mesopotamia, Atakule Vakıfbank Art
Gallery, Ankara, Turchia
2004
Gallery Artist, Istanbul, Turchia
2003
I Colori dell’Oscurità, AKM, Istanbul, Turchia
MOSTRE COLLETTIVE & FIERE D’ARTE
2015
Realismo: Fiera per la Figurazione Contemporanea,
Mark Peet Visser Gallery, Amsterdam, Olanda
Art Breda, Mark Peet Visser Gallery, Breda, Olanda
The Armory Show, Marlborough Gallery, New York,
Stati Uniti
Arco Madrid, Marlborough Gallery, Madrid, Spagna
2014
Art Market Budapest, Güler Art Gallery, Budapest,
Ungheria
Summer Show, Marlborough Gallery, Madrid, Spagna
Art Basel Hong Kong, Marlborough Gallery, Hong Kong
Art Breda, Mark Peet Visser Gallery, Breda, Olanda
The Armory Show, Marlborough Gallery, New York,
Stati Uniti
Arco Madrid, Marlborough Gallery, Madrid, Spagna
Mosaic, Güler Art Gallery, Ankara, Turchia
2013
Art Basel Miami Beach, Marlborough Gallery, Miami,
Stati Uniti
Art Market Budapest, Güler Art Gallery,
Budapest, Ungheria
Sconfinamenti, Spoleto56 Festival, (curata da
Achille Bonito Oliva), Spoleto, Italia
2012
Sergüzeşt, Güler Art Gallery, Ankara, Turchia
2011
Summer Exhibition, Antrepo 5, Gallery Beyaz,
Istanbul, Turchia
BIBLIOGRAFIA SELEZIONATA
2014 Stéphanie Pioda, L’Erede del Disco Solare,
Marlborough Monaco, Principato di Monaco
Bertjan ter Braak, Facce del Sole, Mark Peet Visser
Gallery, Den Bosch, Olanda
2013 Donald Kuspit, Gli Aspetti del Misticismo:
le Astrazioni di Ahmet Güneştekin, Marlborough
Gallery, New York
2013 Beral Madra, Momentum of Memory (Lo Slancio
della Memoria), Pubblicazioni GSM, Istanbul
2012 Johannes Odenthal, Astrazione e Mythos,
la Memoria Culturale dell’Anatolia nell’Arte
Contemporanea: l’Opera di Ahmet Güneştekin,
Pubblicazioni GSM, Istanbul
2010 Yalçın Sadak, Seguendo le tracce del Sole:
un Mito, Pubblicazioni GSM, Istanbul
2009 Kaya Özsezgin, L’autentico arcaismo nei dipinti
di Ahmet Güneştekin, Pubblicazioni GSM, Istanbul
2007 Gülseli İnal, Antico Moderno, Pubblicazioni GSM,
Istanbul
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The artist wishes to acknowledge the assistance of the
following individuals in the realization of this project:
L’artista desidera ringraziare il supporto delle seguenti persone
nella realizzazione di questo progetto:
Funda Altın, Gizem Altuntaş, Deniz Azime Aral, Erdal Ataş, Benice Logistics,
Claire Bidwell, Chiara Bordin, Matteo Bortoli, Suna Çelik, Kemal Çelik,
Murat Çetin, Cemalettin Dağhan, Yusuf Duran, Ferhat Elik, Ayhan Erkan,
Michela Filippini, Bülent Güler, Rita Jules, Gökhan Kalan, Şerif Kıldıze,
Yavuz Kıldıze, Selçuk Kıldıze, İlhan Kıldıze, Uğur Kocaman, Kerim Uğur Kuru,
Ilaria Malagutti, Mariella Mantovani, Miko McGinty, Bahadır Otmanlı,
Uluç Özcü, Mustafa Özel, Nilgün Özten, Michele Perna, Filippo Persinotto,
Carlotta Santini, Mara Sartore, Elena Scarpa, Dario Sgobaro, Şenay Şahin,
Mehmet Şükrü Tantekin, Ş. Yakup Tarhan, Levent Taşcı, Murat Uzel,
Burçin Ünüvar, Sinan Atilla Yavuz, Firdevs Yılmaz, Francesco Zorzella
Murat Pilevneli, Project Consultant / consulente del progetto
Designed by / Progettato da Miko McGinty Inc.
Printed by / Stampato da
Mas Matbaacılık San. Ve Tic. A.Ş.
Soğuksu Caddesi, No.3
34408 Kağıthane – Istanbul / Turkey
Tel: +90 212 294 10 00
Certificate No: 12055
Sponsored by / Sponsorizzato da
Çalık Holding
Republic of Turkey
Ministry of Culture and Tourism
Translations / Traduzioni
English to Italian / dall’inglese all’Italiano: Michela Filippini,
Mariella Mantovani
Turkish to English / dal turco all’inglese: Funda Altın
Photographs by / Fotografie di
Ferhat Elik: 6, 24–37
Ş. Yakup Tarhan: 38
Cemal Emden: cover / copertina, frontispiece / frontespizio, 39–43
Copyright © Marlborough 2015
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